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Fear Inoculum Fear Inoculum

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Tool – “Fear Inoculum”

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Hasta hace unas semanas, la idea de escuchar material nuevo de Tool parecía totalmente inviable; algo más cercano al rumor que a un hecho concreto. Una suma de especulaciones que, para los más escépticos, no se podría esclarecer sin algún adelanto real. No fue sino hasta hace algunos días que el panorama se tornó auspicioso: el 7 de agosto, la banda lanzó el single “Fear Inoculum”, el cual, a su vez, da nombre al esperado sucesor de “10.000 Days” (2006), y que ha sido publicado tres semanas más tarde. Luego de recorrer un camino dificultoso, marcado por una serie de disputas legales, “Fear Inoculum” llegó como un retorno repentino y sin muchos preámbulos. Un álbum que inevitablemente desborda las expectativas de sus fanáticos, tras una larga espera de 13 años.

Antes de entrar al álbum en sí, es necesario posicionarse en el complejo escenario que plantea un retorno discográfico luego de más de una década. Darle continuidad y evolución a un proyecto es una tarea difícil de llevar a cabo, y en algunas ocasiones no es bien recibida por los fanáticos. Es precisamente esa expectativa la que caracteriza al público de Tool, encauzados en descifrar hasta el más mínimo detalle y protagonizar hechos tan delirantes como el robo y posterior filtración de este disco. Frente a la obsesión de su público, “Fear Inoculum” tiene la ventaja de ser un disco que no toma riesgos. Sin variar mucho en la composición, incluso repitiendo algunos guiños de su repertorio, la banda se sostiene de la buena habilidad técnica de los músicos, resaltando particularmente las percusiones de Danny Carey, las que dan matices y crean las atmósferas necesarias para que el disco –a pesar de la extensión de sus canciones– pueda concatenar las transiciones y asimilarlas como un todo.

La placa abre con “Fear Inoculum”. Un single que ya adelantaba la tónica del disco, que, sin ser necesariamente innovador, evidencia una solidez instrumental. El cuidadoso arreglo de platillos de Carey es el primer recordatorio a ese sonido hipnótico y rítmicamente laberíntico, que, a pesar de ser meticuloso, se articula de un modo transitable. Acá también se desarrolla la idea en torno al título del disco, que plantea los miedos como una enfermedad y, en contraparte, la inmunidad a dichas dolencias como una bendición; esta asociación de lo terrenal con lo incorpóreo continúa en el segundo track, “Pneuma”.

A diferencia de su edición en físico, el formato digital cuenta con tres canciones extras, siendo “Litanie Contre La Peur” la primera del trío. Esencialmente pensadas como transiciones instrumentales, en dichas secciones se perfila la habilidad en sintetizadores de Danny Carey. Lejos de considerarse relleno, cada una aporta aire y variedad a un disco que va por un camino demasiado homogéneo a ratos, dándole las pausas necesarias a una obra de largo aliento.

Retomando la senda preponderante, “Invincible” vuelve la mirada hacia los compases de amalgama, donde la rítmica de las cuerdas de Adam Jones y Justin Chancellor envuelven a la canción durante la segunda mitad, en uno de los momentos más cautivadores y potentes del álbum. El segundo interludio, “Legion Inoculant”, actúa como corte en el tramo medio de “Fear Inoculum”.

Colgándose del carácter ambiental en el track anterior, “Descending” va sumando fuerza paulatinamente, mientras la letra Maynard James Keenan hace un llamado a una humanidad en crisis a salir de su letargo. “Chocolate Chip Trip” es la figura fuera de cuadro, donde nuevamente se rescatan los motivos orientales y se le suman elementos de electrónica, en uno de los momentos más experimentales del disco. Cerrando como el último golpe, “7empest” destaca por el entramado de arpegios que posteriormente dan paso a un riff que recuerda a su primer período, otorgándole un fin tranquilo y redondo con la última ambiental, “Mockingbeat”.

Comparándolo con hitos importantes de su carrera, el retorno discográfico de Tool es un paso firme, sin embargo, no logra vislumbrar hacia dónde se encaminará la banda. Y si bien no es un trabajo que destaque por su riesgo o innovación, su cohesión y solidez ya son un gran mérito, considerando los 13 años de inactividad en el estudio. Por la misma razón, “Fear Inoculum” es una obra enfocada a sus antiguos seguidores. A pesar de ser un trabajo mesurado, dejan en evidencia que, como buenos constructores de canciones, Tool va edificando cada composición mediante una repetición rítmica hipnotizante, un sello que los años no lograron diluir.


Fear InoculumArtista: Tool

Disco: Fear Inoculum

Duración: 86:38

Año: 2019

Sello: Tool Dissectional / Volcano / RCA


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U.S. Girls – “Heavy Light”

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Heavy Light

Con su séptimo álbum bajo el proyecto de U.S. Girls, Meghan Remy nos ofrece un material libre de restricciones, reflexivo, listo para la pista de baile, lleno de nostalgia y apuntando hacia las ilimitadas experimentaciones, representando el estado musical que engloba 2020. Durante los últimos diez años, U.S. Girls se ha asegurado de evolucionar a la vez que lo ha hecho la industria musical, enriqueciendo su material y su aguda visión sobre el mundo que la rodea, alcanzando un peak de maestría con “In A Poem Unlimited” (2018), disco que le valió aclamación crítica y la atención de un público fiel.

“4 American Dollars”, el tema inicial de “Heavy Light”, es un paso en la dirección correcta y un gran indicio de la calidad que se avecina. El sencillo engloba la dualidad presente en el disco, contrastando las dulces cuerdas y percusiones, acompañadas de un coro que convierten un himno en un góspel veraniego, con alarmantes líricas sobre la pobreza bajo el capitalismo, la conciencia de la mortalidad y la banalidad de la vida misma. “Overtime” dinamiza el inicio del álbum, ofreciendo un acercamiento más tradicional al art rock y al soul, combinando las potentes vocales con fuertes percusiones y un saxo que ayuda a alcanzar un dramático clímax.

Lamentablemente, el resto del disco no logra alcanzar el nivel de los dos primeros cortes, pero se asegura de explorar las distintas facetas de la artista, a la vez de ofrecer múltiples riesgos líricos y sonoros. “IOU” es una existencialista pieza de art pop que cuestiona su mismo nacimiento; una glamorosa balada que utiliza la voz de la cantante como otro instrumento para ampliar la experiencia sonora. Mucho del resto del disco funciona a partir de este escenario: un viaje onírico a través de las distintas etapas de la vida, que es narrado por la dulce y multifacética voz de Remy. “Born To Lose” (un claro guiño a “Wooly Bully”) es un experimento musical que se enriquece por la fuerza de sus partes individuales, con el coro que potencia a la cantante principal, un delicado piano y un setentero instrumental, motivando una experiencia multisensorial.

A través del álbum, los interludios “Advice To Teenage Self”, “The Most Hurtful Thing” y “The Color Of Your Childhood Bedroom” se encargan de orientar la narración y propósito del mismo, dándole protagonismo a múltiples voces anónimas para que relaten sus propias vivencias individuales, otorgándole globalidad a las temáticas presentes. Las voces cumplen una funcionalidad doble, por una parte asegurando que las problemáticas a enfrentar no son únicas, sino que compartidas por múltiples sujetos, y por otra funcionando como múltiples voces de un solo oyente, agregándole un tono claustrofóbico a este viaje onírico. Son por momentos las piezas más calmas y tensas del disco, pero vitales para comprender la intencionalidad de este. Detrás de este dolor social que la cantante percibe, se esconden una serie de dolores individuales, que son los que han construido una sociedad como la presente y, para poder hacer algo sobre ello, es fundamental no callarlos y expresarlos sin miedo.

La batalla más grande que enfrenta “Heavy Light” es su fluidez sin caer en lo monótono. Al usar la fuerza principalmente en su inicio, la segunda mitad, y en especial la última parte del disco, palidecen en comparación, pero sirven para apreciar las distintas texturas vocales e instrumentales. “Denise, Don’t Wait” es una bella balada que utiliza exitosamente elementos del glam y del synthpop, en un melodramático momento que le agrega misterio a este viaje. De esta forma, mucho del disco se encarga de reivindicar géneros o movimientos musicales vistos con desdén. El coro que acompaña la mayoría de las canciones es una inventiva estrategia para revivir bandas de mujeres de los setenta y ochenta, mientras que canciones como “Woodstock ‘99” realizan un guiño a la música disco y en especial a “MacArthur Park”. Por su parte, “The Quiver To The Bomb” toma elementos clásicos del glam rock, como sus guitarras y teatralidad, nunca cayendo en una parodia, sino que homenajeando claras influencias.

Al finalizar, “Heavy Light” deja con la sensación de no haber superado a su antecesor, pero, a la vez, de nunca haber intentado recorrer ese camino. Y es que, con este material, U.S. Girls ofrece un trabajo que no se limita ni presiona por el éxito de su antecesor, sino que se da la libertad de recorrer distintos pasajes, de divertirse mientras recorre distintas experiencias a través de un ejercicio onírico. Durante todos estos años, Meghan Remy se ha encargado de analizar y estudiar el ambiente musical y social, logrando ofrecer en esta ocasión un disco introspectivo y optimista; una mirada necesaria de los dolores, tanto individuales como globales.


Artista: U.S. Girls

Disco: Heavy Light

Duración: 37:29

Año: 2020

Sello: 4AD


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