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Thurston Moore – “Screen Time”

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Principalmente conocido por ser el guitarrista de Sonic Youth, Thurston Moore ha retomado su trabajo solista con “By The Fire” en 2020 y “Screen Time”, relanzado este año luego de una difusión limitada en 2021. Ambos discos están marcados por los intereses políticos del compositor, que en el caso de “Screen Time” se vinculan a las protestas contra la violencia policial en Estados Unidos, las que ocurrían mientras Moore componía este álbum, en el que sólo recurrió a su guitarra eléctrica.

Hay al menos dos formas de adentrarse en este disco: dejándose maravillar por los variados timbres que pueden generarse con un solo instrumento, o sumergiéndose en la experiencia cinemática que nos propone Moore, a partir de los evocativos títulos que sitúan a las 10 pistas instrumentales dentro de una “película noir imaginaria”. “Screen Time” inicia con “The Station”, basada en una nota repetida a modo de drone o pedal, sobre la cual se van agregando capas, desplegando sonidos inusuales y fragmentos que se combinan siempre de maneras distintas, aprovechando todo el ancho del estéreo, generando una sensación envolvente, casi psicodélica. “The Town” contrasta al ofrecer un material más melódico, resaltando el uso de pedales de efectos que permiten generar sonidos parecidos a un cascabel. En ambas piezas, Moore evoca una atmósfera urbana desolada y algo violenta, pero con pequeños matices de esperanza, los que se encuadran en su visión de las protestas que sucedían mientras compuso el disco.

En “The Home” la armonía nos ofrece una emoción mucho más positiva que en las piezas anteriores, pero Moore se encarga de ensuciarla con bends y una ligera desafinación entre las guitarras, generando incomodidad. Hasta ahora, es quizás la pieza más monótona del disco al no ofrecer mayor desarrollo en sus cinco minutos de duración. En términos poéticos, estos elementos reflejan una estadía agobiante en el hogar, en medio de la pandemia. Posteriormente, “The View” le hace honor a su nombre al ser una pieza contemplativa, donde resurge la cara más melódica de Moore, con una guitarra central envuelta por otras dos que desarrollan un contrapunto con sonidos contrastantes, elaborados con el uso de armónicos y de reverbs moduladas.

“The Neighbor” se establece como un breve interludio, construido a partir de ruidos de amplificador y sonidos de cuerdas muteadas y raspadas, además de los ya infaltables armónicos reverberados. El vecino que Moore nos sugiere nunca aparece del todo y se mantiene oculto como una inquietante ausencia. Ya con la aparición de “The Walk” y su contenido melódico, luego de una pieza ambiental como la anterior, se establece un patrón en la estructura de “Screen Time”. Aquí Moore va sutilmente coloreando la melodía, al jugar con las perillas de un pedal de efectos que difumina las alturas.

El uso del rasgueo hace su aparición en “The Upstairs”, lo que permite a Moore incrementar progresivamente la tensión de esta violenta pieza, y con relación al título, la música no deja lugar a dudas: algo inquietante ocurre en el piso de arriba. Luego, “The Dream” establece una tranquilidad casi sin perturbaciones, pero con una nostalgia subyacente, proyectando una imagen algo triste de este sueño, que acaba con un final abierto. La penúltima canción, “The Parkbench”, destaca por su sonido brillante y por el timbre acústico de la guitarra, que, a partir de notas repetidas, construye una atmósfera tensa, aunque ambigua en su significado. El disco termina con “The Realization”, proponiendo un desarrollo a partir de loops sobre una armonía estática, con timbres novedosos gracias al uso de muchos efectos, entre los que destaca el flanger, armando un carácter etéreo que ayuda a comunicar una revelación, como propone su título.

Luego de este recorrido, queda claro que Thurston Moore ha adquirido con el paso de los años un dominio acabado de la guitarra, no en un sentido virtuoso, sino que de conocer las posibilidades tímbricas del instrumento y cómo generar diversos colores con este. Lo que en Sonic Youth eran efectos que condimentaban las canciones, colaborando sin duda a la identidad noise de la banda, en “Screen Time” adquieren independencia y permiten a Moore sustentar un disco de 40 minutos sin necesidad de otro instrumento, rehuyendo la monotonía.


Artista: Thurston Moore

Disco: Screen Time

Duración: 40:12

Año: 2022

Sello: Southern Lord Records


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Zeal & Ardor – “Zeal & Ardor”

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Zeal & Ardor

La banda suiza Zeal & Ardor nació en 2013 como un proyecto solista del músico suizo-estadounidense Manuel Gagneux, pero no fue hasta 2017 que se consagró como un grupo propiamente tal. El proyecto comenzó a partir de un ejercicio creativo en el que Gagneux pedía a usuarios de un foro online dos géneros musicales para combinarlos en una composición que realizaría en sólo media hora. Le sugirieron mezclar black metal con “música de negros” y, en el álbum homónimo lanzado este año (el tercero de la banda), esa fusión sigue igual de vigente. Además, aquella identidad dual es sazonada con pequeños vistazos a otros estilos, generando combinaciones inesperadas y resultados sonoros frescos.

En “Zeal & Ardor” la banda es también coherente con su pasado en los aspectos líricos, ya que las letras del álbum continúan con lo propuesto en “Devil Is Fine” (2016) y “Stranger Fruit” (2018), relatando una historia alterna en la que los esclavos estadounidenses no se hubieran convertido al cristianismo, sino que habrían volteado hacia el satanismo. Esto permite contextualizar de mejor manera títulos como “Death To The Holy” o “Church Burns”, y es precisamente esta orientación anti-religiosa, junto con la técnica vocal (de gritos agudos), lo que permite a Gagneux enlazarse con la historia del black metal, aun cuando su proyecto no es demasiado dogmático en relación con la música, ya que recoge gestos característicos del djent (“Death To The Holy”) e incluso del nu metal (“I Caught You”). El otro pilar del disco, la música de raíz africana, se manifiesta a través del canto soul, los coros de influencia gospel y el énfasis en los ritmos sincopados.

En términos globales, el álbum refleja una notable mejora en su producción comparado con los discos anteriores, con un timbre moderno, tanto de guitarras como baterías, y profundidad en los arreglos de voces y sintetizadores, alcanzando un sonido que llena el espectro, es decir, sonando pesado, pero con una buena dosis de agudos. En relación con su estructura, la primera canción, “Zeal & Ardor”, funciona como una sinopsis, exponiendo el contraste entre las distintas voces que usará Gagneux, y la postrera “A-H-I-L (All Hope Is Lost)” cumple el rol de outro al ser una pista instrumental de timbres electrónicos, que no tiene mayor relación con el resto del disco. Pese a ello, durante sus 43 minutos de duración, el álbum transita por varios niveles de energía sin establecer ningún patrón particular, lo que permite oír las canciones de manera desordenada sin perderse de mucho.

Por lo anterior, sin un concepto o un título que unifique el contenido del disco, la cohesión recae en la característica sonoridad derivada del cruce del metal y el soul.  Desde un punto de vista compositivo, el desafío de congeniar dos géneros tan distintos es resuelto a través de dos caminos: la yuxtaposición (o contraste directo entre los dos géneros) y la síntesis. Como ejemplos de la primera, encontramos a “Feed The Machine” y “Hold Your Head Low”, donde se recurre a un violento contraste entre los dos mundos sonoros sin que estos se integren con posterioridad. En el caso de la síntesis, “Erase” y “Run” son algunas de las piezas más logradas, ya que consiguen superponer los elementos característicos de cada género de manera efectiva. Por otro lado, hay otras canciones que no se quedan en la dualidad ya mencionada, entre las que destaca “J.M.B. (Jazz Metal Blues)”, que incorpora acordes extendidos característicos del jazz, pero cuyo ritmo y energía la asemejan más al math-rock, o “Emersion” donde se revelan influencias del post-rock.

Pese a ser considerada una banda avant-garde, la propuesta de Zeal & Ardor en este álbum es bastante accesible, e incluso llega a transitar por sonoridades casi publicitarias, gracias a la mezcla de melodías sin letra y ritmos basados en bombo y aplausos. De todos modos, la banda logra situarse dentro del linaje del black metal, encontrando un interesante punto de equilibrio entre novedad y familiaridad. No obstante, cuando prefieren la yuxtaposición de “momentos soul” y “momentos metal” por sobre la síntesis de ambos géneros, las canciones bordean el pastiche, generando a veces un efecto cómico por lo brutal del contraste, que parece ser indeseado, debido a la seriedad con que se comprometen en materia lírica. De todas formas, la impresión global que deja el álbum es positiva y demuestra coherencia con las placas anteriores de la banda.


Zeal & ArdorArtista: Zeal & Ardor

Disco: Zeal & Ardor

Duración: 43:57

Año: 2022

Sello: MVKA


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