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Therapy? – Disquiet

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Es recurrente etiquetar a bandas de “alternativas” cuando estas cambian de dirección violentamente, rehusándose a seguir cierto patrón de conducta que los enriele dentro de un determinado estilo. Esto ha sido especialmente cierto con Therapy?, ícono del rock británico (en rigor, Irlanda del Norte) constantemente catalogados como tal, debido a que a lo largo de su trayectoria su música se ha bifurcado hacia territorios extraños. Cómo no rememorar la época de “Infernal Love” (1995), en donde  los arreglos de cellos y canciones más pausadas marcaron un precedente vital para entender cuál es la quintaesencia de su música: el cambio.

THERAPY 01Justo veinte años después de aquel disco –que los llevó a tocar en Reading Festival junto con nombres consolidados como Metallica-, Therapy? parece hoy buscar su lado más crudo, que lo asemeja a bandas como Helmet o los subvalorados Pete, pero sin perder la libertad esquemática en la elaboración compositiva siempre presente en su ADN. En tal orden de cosas, “Disquiet” es un álbum que recurre nuevamente al overdrive del rock áspero de antaño, que parece tanto gustarle al cerebro de la banda, Andy Cairns, lo cual otorga el fondo preciso para que estribillos más accesibles y pegadizos brillen con naturalidad. En tal sentido, este álbum está construido de manera inteligente; la banda sabe con claridad qué quiere hacer y apunta hacia allá sin remilgos. El oyente, entonces, no debe desentrañar segundas intenciones: la finalidad de los irlandeses es hacer un rock de guitarras sucias, pero que a la vez sea memorable. Y lo consigue.

Una cualidad que es necesaria remarcar de “Disquiet”, es el hecho de que las letras y la música parecen estar en una conversación ininterrumpida: hablan lo mismo a través de distinto lenguaje. “Still Hurts”, por ejemplo, abre el opus con riffs desenfrenados que evocan el dolor permanente que trae la decepción que carraspea Cairns, algo que de manera más oscura se reitera en “Idiot Cousin” y en “Vulgar Display Of Powder” (guiño a Pantera), en la que la música parece mandar “todo a la mierda” de la misma manera que lo hace las letras. No son muchas las bandas que traspasan la evocación de sus sentimientos a los acordes de manera tan prístina como lo hace Therapy? en este disco, aspecto que entrega identidad al trabajo de riffs y a la construcción del bajo por parte de Michael McKeegan.

Reforzando lo anterior, el desasosiego y la apatía más sombría se reflejan en temas como “Tides” o “Good News Is No News”, en donde se nota la madurez compositiva de la banda. En el primero, se observa claramente la intención de volver a reeditar los tiempos del exitoso “Troublegum” (1994), pero en una versión algo más gótica, aunque no limitada a ese espectro. En la segunda, en tanto, la crudeza y el lado más catchy confluyen en una métrica actualizada y agresiva del rock británico THERAPY 02clásico, pero sin perder la consonancia de sus pergaminos más duros. A su vez, y sin perder la directriz trazada, temas como “Torment Sorrow Misery Strife” y “Fall Behind” recapitulan la actualidad de la banda con su primigenia incursión al punk, resaltando –lamentablemente- el aspecto negativo de la producción en la batería: el hi-hat mal amplificado, ensucia fútilmente su rapidez. Empero, esto no constituye ninguna mácula en la rebeldía que aportan estas composiciones.

Therapy? es una banda que reacciona ante lo que impera en el mercado. De alguna u otra manera en sus discos existe al menos una declaración de insubordinación frente al estatus comercial seguro que entregan temas más accesibles. En el caso de “Disquiet”, tal afirmación se encuentra en “Helpless Still Lost” y en el grandilocuente, pesado y cargado “Deathstimate”, una obra mayúscula en calidad que, además, rompe el perímetro dibujado por la banda en las diez canciones anteriores. Así las cosas, vuelve el cambio, el eterno retorno de buscar lo distinto que siempre los ha caracterizado y que los hace diferentes. Pincelada final que sólo músicos con apatía a las etiquetas pueden lograr.

Y así, Therapy? ha vuelto a liar sus bártulos, pero esta vez para volver al rumbo trazado en la medianería de los noventa, sin dejar de lado la innovación, que a estas alturas es su sello. Los irlandeses, entonces, a través de este disco, ejecutan su música con pericia, lo cual les permite ser confirmados en su sitial de banda de culto.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Alejandro

    12-May-2015 en 5:44 pm

    Lo mas grande Therapy? loco!

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Discos

Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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