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The Walkmen – Heaven

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Entre visitas a nuestro país o transmisiones en vivo por YouTube, nos hemos dado cuenta de un síndrome –si puede llamarse así- que aqueja a un par de bandas en la actualidad. Pasó con MGMT en Lollapalooza Chile 2012 o con Kaiser Chiefs en Coachella: no logran volver a su mejor nivel, pareciera que estuviesen cansados, o que tocan “choreados”. Pues bien, The Walkmen, con “Heaven”, su más reciente disco, corre en sentido contrario y por un camino espléndido: el de disfrutar su música; algo que se nota en cada una de las canciones de su nuevo trabajo.

Suena el primer punteo de “We Can’t Be Beat” que, de a poco, comienza a tomar forma folk, acompañada de una historia de amor con un final feliz: una pareja unida con el mundo a sus pies. El inicio destaca tanto por su simpleza como por la voz de Hamilton Leithauser, que se transforma en el actor principal, preparándonos para lo que será “Heaven”, más intenso canción a canción.

Empieza a aparecer el desfile de guitarras con “Love Is Luck”, las mismas que se aceleran y distorsionan cuando el hombre –charlatán, quizás- tras “Heartbreaker” nos quiere convencer que sus buenos tiempos se acabaron. Y podría sonar convincente, porque es uno de los buenos elementos que componen “Heaven”.

Hasta acá, la temática es el tormento sentimental, que se vuelve más profunda cuando brotan las primeras notas de “The Witch”, diciendo que un beso es un beso, que con eso se parte, que todo es sonrisas; pero terminamos deambulando sin sentido cuando el amor muere.

Primer quiebre sentimental y musical, porque The Walkmen comienza de cero en la acústica “Southern Heart”, donde Hamilton, dotado sólo de una guitarra y su voz, nos regala pura melancolía. Melancolía que se vuelve eléctrica con “Line By Line”, otra de las grandes canciones de “Heaven”, con una introducción, a sólo una guitarra, de más de un minuto que deja en vilo esperando a que esta estalle, algo que nunca ocurre, porque no son los neoyorquinos los que deben ponerle la pólvora, sino nosotros. Porque “Line By Line” estalla en nuestra cabeza, no en nuestros oídos. Luego pasa una amigable “Song For Leigh”, para seguir sacándole filo a las guitarras a una pegajosa “Nightingales” y terminar este segundo bloque con la instrumental “Jerry Jr.’s Tune”.

Y si hasta este momento “Heaven” parecía demasiado contenido, comienza a liberarse, en esta especie de tercera y última parte, con “The Love You Love”, donde se desata la batería, se prenden las guitarras y se suelta el bajo; con el dueño de la fiesta, Hamilton Leithauser, como maestro de ceremonias. Y en esta dinámica aparece el hit, también primer single del disco, que da nombre y define al último trabajo de The Walkmen: donde todo el desamor descrito anteriormente desaparece, y la consigna se transforma en quedarnos juntos. Ese “recuerda, recuerda todo por lo que hemos peleado”, debe ser una de las mejores líneas de “Heaven”. Y si incluimos el video promocional de la canción dentro de la descripción, perfectamente podría hablarnos de ellos mismos como banda, el momento que están viviendo, que es único y que debería terminarse nunca. Quién sabe.

El último larga duración de los neoyorquinos comienza a apagarse lentamente con los dos tracks finales, “No One Ever Sleep” y “Dreamboat”, adecuados para cerrar, quizás, el mejor disco de The Walkmen hasta ahora. Porque superar e, incluso, mantener el nivel con un trabajo anterior tan destacado como “Lisbon” (2010), es extremadamente difícil, pero mientras sigan disfrutando de su música, Leithauser y compañía no nos defraudarán.

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Björk – “Utopia”

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Utopia

El espejo es inclemente. El paso del tiempo es implacable. Los cambios forzosos desgastan, y eso se nota en las arrugas que no irrumpen de golpe, pero que se acumulan al pasar los años. Cuando hay traumas, asociados a derrumbes reales y metafísicos, las heridas pueden estar dentro o fuera del cuerpo, y el espejo en las mañanas lo recuerda sin necesidad de memorias. Desde esa falta de perdón deviene la reconstrucción, la reinvención y, a veces, hasta la resurrección. Son esos procesos, y la capacidad de pasar por encima de ellos, lo que mueve a Björk en su décimo álbum, “Utopia”, donde la islandesa muestra su nueva forma de enfrentar la vida tras quiebres familiares, de pareja y con ella misma. Esto se nota con claridad en la música, donde Arca se vuelve su perfecto partner para exponerse con transparencia, brutal como sólo se le pudo ver en “Vulnicura” (2015), pero además versátil como en los mejores pasajes de “Homogenic” (1997). En ambos discos, de hecho, pareciera que se erigieran parajes completos, con montañas, mesetas y lagos, con mares, nubes y vegetación, porque nuevamente se trata de Björk construyendo luego de un desastre, claro que en esta ocasión la tarea le es más monumental.

Como ella se nota que está llena de amor, la gran tarea es transformar lo vasto de su persona en algo factible de asir, porque la dificultad que se presentaba en la era más reflexiva de Björk –post “Volta” (2007)– fue evitar lo celestial de un trabajo de características casi divinas como el de la cantautora. Todo lo que vino después de “Volta” iba en pos de dotar de un halo extraterrenal a sus sensaciones: en su momento de mayor humanidad, materializando una familia, quizás lo más común de una vida; sus ansias de ir más allá la iban alienando un tanto.

Musicalmente, hubo una tendencia por evitar el pop sintético y abrazar lo teatral, y eso se acentuó en “Vulnicura”, que era un disco de pleno quiebre. La inmensidad quedó más clara que nunca, pero a través del vacío, de la carencia, de las ausencias que generaban ecos y un disco con mucho espacio y belleza dentro de la tristeza. Ahí es donde “Utopia” puede elaborar: en vez de invitar al espejo a hacer lo suyo, Björk lo pone en frente de ese abismo, expande aún más los horizontes y les da sentido.

El hablar de espejos no es casual. Hay canciones en “Utopia” que se disponen como una respuesta directa a las del disco anterior. “Body Memory” es una de las piezas más largas del álbum, y en este caso es un complemento a “Black Lake”, track más desgarrador de “Vulnicura”, donde en vez de pensar en ese lago negro, se busca darle vida, recordando los ecos de un pasado en el cuerpo, en las huellas que quedan. Otro punto relevante del sonido que define a “Utopia” es la presencia de flautas, un instrumento que es mucho más humano, dependiendo de la respiración y el ritmo dispuesto, casi igual a la voz, uno que había sido objeto de la atención de Björk en “Medúlla” (2004). Las flautas otorgan calidad, en tanto que la electrónica dispuesta por Arca (quien aparece como colaborador directo en casi la totalidad de los tracks) genera quiebres que complejizan a las canciones aún más.

“Utopia” brilla en terrenos densos, y es prácticamente un big bang para la artista islandesa. Luego de que un universo se termina, de inmediato surge otro, y los primeros momentos son frenéticos, bellos, y el tiempo se flexibiliza para finalmente entregar definiciones y un nuevo espacio, amplio, oscuro, pero que mediante una vocación de transparencia y honestidad Björk saca adelante en su disco más largo a la fecha, uno donde ella misma se dispone como un imposible, y lo entiende y abraza. Genialidad desde el dolor, desde el reflejo del alma, como sólo ella puede hacerlo.


Artista: BjörkUtopia

Disco: Utopia

Duración: 71:39

Año: 2017

Sello: One Little Indian


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