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The Scenes – “Sex, Drugs And Modern Art”

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The Scenes podría engrosar la lista de agrupaciones que nos estamos perdiendo por la distancia geográfica que nos separa. ¿Por qué valen la pena los finlandeses? Aparte de ser un acto muy potente en vivo, por la personalidad que han logrado cosechar como banda. No por nada el vocalista, Konsta Koivisto, es casi una superestrella, y si no lo es, al menos se lo cree. El principal letrista de la banda, Miki Liukkonen, es un tipo que recuerda en estilo compositivo al Richey Edwards más maldito, aquel de “Holy Bible”. Con esto no sólo hablamos de una agrupación finlandesa que hace música, sino que de una banda que es un manifiesto en sí mismo, y su último disco no es más que la manifestación de un existencialismo casi post moderno, de un nerviosismo que está con nosotros por el solo hecho de nacer y que, lamentablemente, no nos abandona jamás.

the-scenes-01En cuanto a formato, el disco cumple casi con todos los requisitos del punk: canciones muy potentes, tanto musical como líricamente, que no exceden los cuatro minutos (salvo una excepción), voz tratada según el estilo, y una actitud que no los podría encasillar en otra corriente. La primera tripleta de canciones, “Catch-22”, “Petals” e “Hypermobility”, son patadas sonoras que abren un disco con influencias punketas, alternativas, psicodélicas, indies, entre otras. De hecho, se hace casi imposible no reconocer algo de “Gish” de The Smashing Pumpkins, unos tempranos Placebo o incluso de The Hives.

Una acelerada guitarra, seguida por una línea de batería que hace recordar el sonido del post punk es lo que se escucha al empezar “Despair Of Zeitgeist”. Si alguna vez la banda confirmó que este trabajo se basaba en los estados nerviosos y de ansiedad, en esta línea es donde todo queda más claro: “Soy un maldito retorcido, pero no tomaré mis pastillas. Mi conciencia no lo merece“, grita Konsta, haciendo notar un egocentrismo que se opone a la enfermedad que se origina en las sociedades actuales.

La calma se deja caer en el disco con “Amusing Notes For Cynics”, donde el peso lírico recuerda mucho a los Manic Street Preachers del año 1994. “Louis Wain” es otra pieza que aporta tranquilidad a la tormenta, bellamente ejecutada en piano, dando muestra de la versatilidad de The Scenes y la the-scenes-02calidad vocal de Koivisto. “Fainting Clerks” nos hace sentir –musical como letrísticamente– la influencia de unos incipientes Nirvana, algo que no puede quedar más claro al escucharlo vociferar con rabia casi adolescente: “Me frustra saber que soy yo y que siempre lo seré“. Así, en el siguiente tema, “Always Lie About Your Childhood”, se podría pensar en que seguirá la misma línea musical, pero sorprende escuchar algo con un toque de psicodelia setentera para dar paso sólo a una guitarra y voz.

El disco cierra con la dupleta “Death Of A Common” y “Absolution, Please”. La primera es la más larga del trabajo de los finlandeses, logrando una apertura hacia formas de experimentación sonora, pero sin perder la línea melódica. La segunda da un término muy potente, haciendo –al más puro estilo de los Pumpkins en “Mellon Collie And The Infinite Sadness”– que hablar de absolución no sea necesariamente un ansia de vivir en el perdón que no llega. Sin duda, “Sex, Drugs And Modern Art” sorprende. No tanto por provenir de una banda desconocida en esta parte del mundo, sino que por rescatar tan poderosamente estilos no explorados en las escasas bandas finlandesas que han sido exitosas mundialmente.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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