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The National – “Sleep Well Beast”

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El motor de The National es la rabia y la desorientación causada por la falta de respuestas. No hay un ánimo de responder a las dudas, y probablemente nunca lo haya en las canciones del conjunto de Cincinnati, Ohio, sino que de plantear lo que está mal, a ver si alguien se da cuenta de eso y le interesa. Aunque no existen despliegues políticos explícitos en las canciones del conjunto, sin duda que su surgimiento y desarrollo ha ido en paralelo a los momentos más acontecidos de EE.UU., ese “Fake Empire” al que le cantaban mientras se estaba medio despierto.

En su séptimo disco no sólo hay un “imperio falso”, sino que este se encuentra en un declive evidente, quizás desde lo moral más que desde lo pragmático, y las eclécticas letras a lo largo del álbum pueden funcionar tan bien para un matrimonio a punto del colapso, como para un país dividido en problemas. Aunque la fórmula pareciera ser la misma desde “Alligator” (2005), hay matices mucho más oscuros en lo lírico –entregado de forma magistral por el intenso y profundo Matt Berminger– en medio de una luminosidad engañosa desde lo instrumental, con atmósferas donde los rayos se cuelan y dejan ver las sobras de un festín ajeno… ¿o tal vez será del propio?

Cuando se analiza la letra del track que le da nombre al disco, cerrando el trabajo con aires sonoros que hacen eco de otras canciones, se cae en cuenta que es toda una maquinaria del desecho humano la que se narra en “Sleep Well Beast”, y que esa bestia no es alguien en específico, sino que una forma de sentir y de llevar la vida que se manifiesta constantemente. Las emociones no son algo válido para los individuos si en ellas no reside un provecho individual, que se mida en valores de mercado como el ganar, perder, deber y mantener como propiedad.

En el disco más experimental que haya lanzado The National desde que se hicieron conocidos a nivel masivo, lo que trasciende puede ser el regreso de los coros pegotes que se extrañaron en el plano “Trouble Will Find Me” (2013), pero lo que subyace es el retrato de una forma completa de sentir, bastante triste y bastante pertinente al momento que se vive. Una búsqueda de la luz al saber que la oscuridad soñada por el sistema vive en cada uno de nosotros, y por lo tanto la esperanza no sólo puede ser vista desde lejos, sino que es algo externo. Las sobras de un festín o de cualquier hecho pasado son las de una forma de sentir que ya no es posible.

En medio de un eclecticismo evidente, las guitarras de los hermanos Aaron y Bryce Dessner no sólo construyen riffs y solos, sino que a veces consiguen configurar atmósferas que, más allá de la melancolía de parejas a punto del quiebre, también pueden servir para ciudades con polución o para bosques devastados. Los elementos electrónicos sirven con este fin, también, dando un componente más ambiental que se toma tracks como la radioheadesca “Guilty Party”, o que entregan un aire incómodo al propio deambular en la intrigante “Walk It Back”, que no sólo termina con un dramático giro con la frase “No te me oscurezcas / Está bien. Si algún día vuelvo a ti / te necesitaré iluminada”, sino que además presenta un (cuestionado) discurso atribuido al arquitecto político de la administración Bush, Karl Rove, donde se dice que “somos un imperio ahora y, cuando actuamos, creamos nuestra propia realidad”.

En medio de música consistente, con un ritmo claro en las intenciones sonoras, The National no sólo entrega su disco con más riesgos en mucho tiempo, sino que también lo hace sin dejar pasar la chance de sumergirse en el estado mental de un mundo más oscuro que nunca, que, sin embargo, suena cautivante y brillante, con más colores factibles de ver y sentir que nunca. De imperios y refugios.


Artista: The NationalThe National

Disco: Sleep Well Beast

Duración: 57:37

Año: 2017

Sello: 4AD


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El Álbum Esencial: “The Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd

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The Dark Side Of The Moon

No hay que ser seguidor de Pink Floyd para reconocer que “The Dark Side Of The Moon” marca uno de los momentos más altos en la historia del rock, metiéndose de lleno en ese selecto puñado de álbumes que todos deberían escuchar por lo menos una vez en la vida. Es tan así, que, si bien podemos estar todos de acuerdo en que los rankings no definen la grandiosidad de un álbum, no es menos cierto que funcionan como indicadores duros a la hora de evaluar un fenómeno musical. En esta línea, es imposible pasar por alto que al hablar de “The Dark Side Of The Moon” lo estamos haciendo de un disco con más de 45 millones de copias vendidas en todo el mundo, que además tiene la particularidad de haberse instalado majaderamente en el top 200 de Billboard desde su lanzamiento en 1973 hasta 1988, para luego (como si no hubiera sido suficiente) volver a meterse el año 2009. Si esto no es un indicador de vigencia y transversalidad, entonces nada lo es.

Sin embargo, los méritos que hacen de “The Dark Side Of The Moon” un álbum único, exceden largamente sus cualidades estadísticas. En lo concerniente a la banda, el disco marcaría sin duda una suerte de renacimiento. Después de debutar en 1967 con un fantástico larga duración bajo el liderazgo de Syd Barret, la inesperada salida del crazy diamond del cuarteto pondría en jaque el futuro de este, obligando al conjunto a entrar en un largo período de reinvención musical que no fue fácil. La experimentación sonora con marcados tintes de psicodelia y folk se tomaron la identidad de los londinenses y, si bien con el tiempo discos como “A Saucerful Of Secrets” (1968), “Ummagumma” (1969) y “Meddle” (1971) probarían ser imperecederos, lo cierto es que a principios de los setenta el conjunto comenzaba a hacerse difícil de seguir.

Por fortuna, una de las características de la banda siempre fue la capacidad de ir constantemente revaluando su propuesta. En esta línea, “The Dark Side Of The Moon” en ningún caso fue un accidente. La idea de aventurarse en un álbum de identidad lírica compacta, donde esto fuera incluso más relevante que la oferta sonora, hace rato se había apoderado de la mente de Waters, al punto que una de las cosas que demoró la salida del álbum tuvo que ver justamente con que Pink Floyd sintiera que el concepto se había logrado. Y dicho concepto era importante, sin duda la banda de sonido tenía que estar a la altura. Asentados durante ocho meses en los estudios Abbey Road y con Alan Parsons como ingeniero en sonido, echaron mano al uso de loops, samples de conversaciones grabadas en el estudio, sintetizadores análogos y la técnica del multi track recording para dar vida al trabajo que definitivamente haría de la banda un fenómeno reconocido a nivel mundial.

Para iniciar el viaje, el diseñador Storm Thorgerson nos regala una portada inmortal. De interpretaciones múltiples, la carátula de “The Dark Side Of The Moon” es el primer signo de que los cuarenta minutos de música que vienen de la mano de esta portada no son cosa trivial. “Speak To Me” funciona como obertura e incluye varios guiños a fragmentos que aparecerán a lo largo del disco. Corre como una sola pieza con “Breathe”, simbolizando el inicio de la vida, que estaría marcado por la batería de Nick Mason (a modo de latido cardiaco). Por su parte, el etéreo y acogedor ambiente de “Breathe” dominado por la guitarra de David Gilmour, abre las líricas del álbum (dejando de lado el pequeño fragmento de conversación de “Speak To Me”) en una imagen que evocaría al padre hablándole a su hijo recién nacido para que respire y lo haga sin miedo, no olvidando disfrutar la vida.

“On The Run” llega a sacudir la calma del corte anterior, destacando desde el inicio por una secuencia de sintetizador repetida de forma reverberante a altísima velocidad, representando de forma sublime el agobiante estrés al que nos vemos enfrentados en la inmisericorde maquinaria del día a día. La canción crece de forma sostenida a lo largo de sus casi cuatro minutos, explotando para dar paso a “Time”, uno de los cortes más celebrados de esta placa. Reconocible desde el primer segundo gracias al coro de relojes que abre el tema y el característico rototom con que Mason acompaña la introducción, “Time” se desarrolla directa y contundente, guiada de manera impecable por la avasalladora guitarra de Gilmour. Tratándose del único track firmado por los cuatro integrantes del conjunto, tiene además el mérito de abordar con elegancia uno de los tópicos más inquietantes de la existencia humana, la mortalidad y el sentido de trascendencia.

Y si de mortalidad se trata, el cierre de la primera cara de la placa termina graduando al registro en estos menesteres. Haciendo gala de una capacidad de improvisación vocal francamente excepcional, Clare Torry hace de “The Great Gig In The Sky” uno de esos cortes imposibles de ignorar. Único e irrenunciable (originalmente titulado “The Mortality Sequence”), logra expresar sin inconvenientes el dolor y paz que acompañan el proceso de la muerte. Sin embargo, no hay descansos en este viaje, ya que rápidamente la segunda cara del larga duración nos golpea con otra canción inmortal. Es el turno de “Money”, tema que, compuesto por Waters con el objeto de abordar el flagelo del dinero y la avaricia, no sólo incluye una de las líneas de bajo más reconocibles de los setenta, sino que además se da el lujo de completar la base rítmica del track con un loop de cajas registradoras, monedas y papel roto, para luego cerrar distorsionado y catártico. Brillante, sin duda alguna.

“Us And Them” baja las revoluciones, dejando al saxofón de Dick Parry como guía y protagonista de este maravilloso corte acerca del sinsentido de la guerra, donde el eco en la voz de Gilmour funciona tan bien a la hora de dar identidad a este track, que debería tener una mención adicional en los créditos. A continuación, “Any Colour You Like” repite casi sin cambios la estructura armónica de “Breathe”, sin embargo, a diferencia del primero, evita por completo las voces, entregándose del todo a generar atmósferas, haciendo uso y abuso del teclado sintetizado. Ya para ir tomando la recta final, “Brain Damage” habla del lado oscuro de la luna por primera vez en todo el trabajo, apuntando directamente a la figura de Syd Barret. Se trata de un tema de evidentes tintes psicodélicos, amablemente acompañado por guitarras, sintetizador y arreglos vocales, a través del cual Waters intenta reivindicar el derecho a ser distintos.

Hacia el final, “Eclipse” nos confronta con lo banal de la existencia. El órgano Hammond y los acompañamientos vocales funcionan de manera perfecta para enrostrarnos que nada de lo que hacemos o somos es finalmente tan importante. Al cierre, sólo nos queda el latido (último signo de vida al terminar esta travesía) y la paradoja con que la banda decide dejarnos, que dice “There is no dark side in the moon really / Matter of fact it’s all dark”. Sobrecogedor y liberador en igual medida.

“The Dark Side Of The Moon” se instalaría finalmente como un fantástico viaje a través de las problemáticas más universales que enfrenta un individuo a lo largo de su vida, logrando transcurrir de forma seductora y fluida desde la primera señal de vida de “Speak To Me” hasta el último latido que cierra el álbum. De hecho, la principal virtud de este trabajo terminaría siendo precisamente la excelente manera en que logra fluir a lo largo de sus cuarenta minutos. Se trata de un disco que, abordando temáticas tremendamente complejas, logra hacerlo de forma muchísimo más amigable, directa y efectiva que lo que venía haciendo la banda en sus trabajos anteriores. Este es el momento en que el conjunto terminaría de explotar, adquiriendo esa capacidad única de crecer en simpleza, sin sacrificar en nada la profundidad de su propuesta. El tiempo (y los siguientes discos) confirmaría que el giro había sido el correcto. Hoy, tal como hace décadas, la vida sigue siendo un camino difícil de recorrer, pero por fortuna siempre tendremos esta inmortal banda sonora para recordarnos que no hacemos el recorrido solos.


Artista: Pink Floyd

Disco: The Dark Side Of The Moon

Duración: 42:59 minutos

Año: 1973

Sello: Harvest Records / Capitol Records


https://open.spotify.com/album/4LH4d3cOWNNsVw41Gqt2kv

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