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The Kills – “Ash & Ice”

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Cuando una banda está tan ligada a un estilo o sonido en particular, un cambio no siempre es bien recibido, menos aún para los fans más puristas, que no quieren aceptar el hecho de que su amada banda esté experimentando procesos diferentes a los ya vividos. Hace un par de años, The Kills deslumbraba a la crítica con lo que sería su mejor disco a la fecha, “Blood Pressures” (2011), lleno de matices y composiciones más maduras que los anteriores tres trabajos del dúo. Las expectativas eran altas cuando se trataba del quinto álbum de Jamie Hince y Alison Mosshart; algunos adelantos en vivo dejaban en evidencia el cambio de dirección que preparaban, ya que, tal como lo habían advertido en entrevistas, “Ash & Ice”, sería absolutamente distinto a cualquier cosa que “VV” y “Hotel” habían producido anteriormente.

THE KILLS 01Como si se tratara de una transición, el track que inicia el disco, “Doing It To Death”, parte con los clásicos sonidos de la drum machine que utiliza el dúo, para transformarse en una canción apasionada y meticulosa, con la guitarra tomando un protagonismo muy particular, basado en el pegajoso riff y un coro que posiciona a esta canción como una de las más destacadas y, por qué no, la mejor de su discografía. “Heart Of A Dog” sigue un camino que se prolonga por todo el disco, los riffs toman un protagonismo constante en cada composición, y es aquí cuando se puede notar el cambio sonoro que decidió Hince y Mosshart: ahora la batería suena más real y continua, todo esto debido a la incorporación de un baterista y bajista, tanto en vivo como para el estudio, algo que tal vez estandariza su sonido a lo “normal” dentro del indie. Pero tratándose de una banda que no acostumbraba a una formación de ese tipo, logra que suene más novedoso de lo que todos pensarían. No se trata de un cambio de raíz, es más bien una evolución, ya que esa amada drum machine que caracteriza cada tema de su carrera sigue sonando igual de atrevida y juguetona, y “Hard Habit To Break” da cuenta de ello. El bajo y la batería pueden estar ahí, pero la combinación ganadora de guitarra, batería electrónica y distorsión no se puede dejar de lado, es un hábito difícil de romper.

En entrevista con HumoNegro el año 2011,Jamie Hince declaraba que deseaban ser como Sonic Youth o The Cure, ambas grandes influencias del dúo, y “Bitter Fruit” recoge parte del efecto generado por las bandas de los noventa en las canciones de The Kills, en este punto la adición de batería y bajo se solidifica y sustenta en una canción con riffs potentes y beats que permiten una fusión ideal entre pasado y presente. “Days Of Why And How” recae en una particular demostración de versatilidad, una “balada” al estilo The Kills, con esa furia primitiva que descarga la guitarra de Hince, pero que también tiene tiempo para la sofisticación, como en “Let It Drop”, una entretenida canción con toques de new wave y un tempo más acostumbrado al The Kills pre-2011, algo así como lo que existía en épocas de “Midnight Boom” (2008) o inclusive “Keep On Your Mean Side” (2003). Alison se luce durante todo el álbum, pero sorprende de manera notable en “Hum For Your Buzz”, donde evidentemente desprende toda la experiencia adquirida en The Dead Weather, con esas composiciones arraigadas hacia el blues que Jack White depositó en Mosshart para la creación de “Horehound” (2009), que con la estudiada linea sonora de The Kills termina rememorando a los desaparecidos The White Stripes, una de sus principales influencias a la hora de hacer música. Esos riffs tan pesados y fuera de lugar, generan una balada de corte épico y dramático, algo que –mediante una elegante simpleza– demuestra la calidad de composición que es; una madurez que el dúo alcanza con la increíble variedad sonora que despliega este trabajo.

THE KILLS 02Lo salvaje y elegante se toma su tiempo para asomarse, para entregar cada sentimiento reprimido que puedan encerrar las canciones. “Siberian Nights” responde muy bien al salvajismo musical, con esa particular tensión sexual que se les ha etiquetado en algunas ocasiones, mientras que “That Love” es la calma de esas baladas desnudas que acostumbran a entregar para bajar las revoluciones entre tanta bomba sonora. Para poder describir “Impossible Tracks” y “Black Tar”, es necesario hacer ese paralelo entre el sonido de las bandas noventeras y el indie de hoy, puesto que los riffs se pasean entre una época y otra, rebotando en el tiempo y transformándose en canciones incomparables. La balada “Echo Home” entrega el sonido sofisticado y melancólico que desarrollaron principalmente en “Blood Pressures”, el mismo que evoluciona y entrega su mejor versión en este disco, cerrando con “Whirling Eye”, una canción de buen coro y pasajes de guitarras que son la respuesta de The Kills en un track que sella la experiencia de la evolución, desplegada en un viaje de 50 minutos por una diversidad de estilos.

Es evidente que estamos ante el disco más maduro de la carrera de The Kills; si es superior o no a su antecesor, eso sólo el tiempo lo dirá. Un álbum bien articulado, diferente y que cumple con lo prometido, absolutamente distinto a todo lo hecho por Hince y Mosshart anteriormente. Una muestra de arte en toda su expresión, sustentada en el acercamiento de ambos a otras expresiones culturales. “Ash & Ice”, más que un disco, es un proyecto de arte, una manifestación cultural que traspasa las barreras de la música. Por algo existe un símbolo por cada canción, ya que cada una de ellas ha sido tatuada de manera permanente en su trayectoria, no siempre un disco puede lograr ese efecto, y esta vez es claro que ninguna composición pasará al olvido. Es una nueva era para The Kills, y es probable que Jamie Hince y Alison Mosshart no estén tan equivocados cuando dicen que quieren desarrollar una trayectoria que marque a las generaciones futuras. Con discos como este, van por el camino correcto.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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