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The Jesus And Mary Chain – “Damage & Joy”

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Los hombres de negro han vuelto. Desde 1998, cuando lanzaron el correcto “Munki”, que no se sabía mucho de The Jesus And Mary Chain. Desaparecieron de manera tan decente, que muchos quedaron preguntándose si cabía la posibilidad de un nuevo trabajo discográfico a futuro, y todo eso cambió este año con el lanzamiento de “Damage & Joy”. Sus discos siempre tuvieron un sello en particular, cosa que trascendió su pasada del noise de los primeros años a sus bases más melódicas e incluso sesenteras de sus siguientes trabajos. “Damage & Joy” es un disco que resume esta movilidad de estilos de los Mary Chain transmitiendo la vibra que los ha caracterizado siempre: una forma casi felina de hacer sonar la guitarra, un sonido algo descuidado que de azaroso no tiene nada, y temas de duración estándar que, por la variación de ritmos, hacen más vertiginosos sus trabajos de estudio.

Son catorce canciones, y algunas de ellas habían sido grabados años antes para proyectos paralelos que los escoceses llevaban aparte de JAMC. Un ejemplo de esto es el primer track del disco, “Amputation”, que incluso fue lanzada con otro nombre hace una década y parte con una consigna quemando en la garganta de Jim Reid: I´m a rock and roll amputation. Lo de los Reid siempre ha estado cruzado por estados anímicos que se contraponen: no han hecho discos que suenen parejo y, en lo que duran, se puede encontrar introspección, desenfreno, desgano, delicadeza y éxtasis. Es esa misma fórmula la que siguen en “Damage & Joy”, trabajo que fue producido por uno de los miembros fundadores de Killing Joke, Martin Glover (Youth), y que nos muestra de una manera bastante pulida los sellos noise pop, rock, revival y experimental que han caracterizado a los álbumes de los de Glasgow. Aparte de lo anterior, y no importando lo contradictorio que pueda sonar, hay algo también muy femenino en el estilo de The Jesus And Mary Chain. Las voces de ciertas mujeres con las que han versionado algunos temas de su catálogo, armonizan muy bien con su concepto y sonido. En este último trabajo podemos escuchar a Linda Fox en dos tracks: acoplándose delicadamente a la voz de Jim en la minimalista y hermosa “Los Feliz (Blues And Greens)” y “Can’t Stop The Rock”; y el pop noise de “Always Sad” en la voz de Bernardette Denning y una onda que recuerda al track de “Stoned & Dethroned”, “Sometimes Always”, con Hope Sandoval cantando bellamente.

Importante también fue la participación de la ex Belle And Sebastian, Isobel Campbell. Su voz ya es reconocida en los círculos del vintage musical y los Mary Chain aprovecharon bien esto al incluirla en “The Two of Us” y “Song For A Secret”. Con la primera, a pesar de lo bien que suena (con un órgano bien sesentero), saltan algunos reparos en el sentido de que el tema se hace muy parecido a “I Could Be Dreaming” de la antigua banda de Campbell y se siente como una canción que fue adaptada para que ella la cantara, dándole esa vibra retro que tanto se le asocia. La segunda, donde destaca un crescendo sonoro y una guitarra hipnótica, es algo menos forzada y tiene una base rítmica que hace recordar a “Just Like Honey”.

La gran sorpresa del disco, sin lugar a dudas, es la participación de Sky Ferreira en “Black And Blues”, no por haber sido contactada para colaborar -pues ya lo había hecho con Primal Scream-, sino por lo linda que suena su voz en esta canción de marcados coros retros. Lo de “War On Peace” y “Simian Split” se acerca más a la parte experimental y ruidista de JAMC: sonidos envolventes y sugestivos, quiebres deconstructivistas y delays que se ejecutan en el tiempo justo, son la tónica en estos tracks. La mezcla perfecta entre psicodelia sesentera y el noise está en “Get On Home”; y el retorno a los sonidos de “Psychocandy” (1985), seguramente uno de los álbumes más importantes de los escoceses, se vive con “Facing Up To The Facts”, tema con base rítmica más que parecida a “Sidewalking”.

Es indiscutible que los hermanos que sirvieron de precedente a las conductas poco familiares de los Gallagher han vuelto en gloria y majestad. Han entregado un disco que supo alimentar las expectativas que rodearon su proceso de construcción y que, más que copiar fielmente el pasado, nos muestra las distintas formas en la que una fórmula reconocida puede sonar a medida que va pasando el tiempo. No es un imprescindible en la discografía de la banda, pero sí un necesario para ver en lo que están ahora.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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