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The Jesus And Mary Chain – “Damage & Joy”

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Los hombres de negro han vuelto. Desde 1998, cuando lanzaron el correcto “Munki”, que no se sabía mucho de The Jesus And Mary Chain. Desaparecieron de manera tan decente, que muchos quedaron preguntándose si cabía la posibilidad de un nuevo trabajo discográfico a futuro, y todo eso cambió este año con el lanzamiento de “Damage & Joy”. Sus discos siempre tuvieron un sello en particular, cosa que trascendió su pasada del noise de los primeros años a sus bases más melódicas e incluso sesenteras de sus siguientes trabajos. “Damage & Joy” es un disco que resume esta movilidad de estilos de los Mary Chain transmitiendo la vibra que los ha caracterizado siempre: una forma casi felina de hacer sonar la guitarra, un sonido algo descuidado que de azaroso no tiene nada, y temas de duración estándar que, por la variación de ritmos, hacen más vertiginosos sus trabajos de estudio.

Son catorce canciones, y algunas de ellas habían sido grabados años antes para proyectos paralelos que los escoceses llevaban aparte de JAMC. Un ejemplo de esto es el primer track del disco, “Amputation”, que incluso fue lanzada con otro nombre hace una década y parte con una consigna quemando en la garganta de Jim Reid: I´m a rock and roll amputation. Lo de los Reid siempre ha estado cruzado por estados anímicos que se contraponen: no han hecho discos que suenen parejo y, en lo que duran, se puede encontrar introspección, desenfreno, desgano, delicadeza y éxtasis. Es esa misma fórmula la que siguen en “Damage & Joy”, trabajo que fue producido por uno de los miembros fundadores de Killing Joke, Martin Glover (Youth), y que nos muestra de una manera bastante pulida los sellos noise pop, rock, revival y experimental que han caracterizado a los álbumes de los de Glasgow. Aparte de lo anterior, y no importando lo contradictorio que pueda sonar, hay algo también muy femenino en el estilo de The Jesus And Mary Chain. Las voces de ciertas mujeres con las que han versionado algunos temas de su catálogo, armonizan muy bien con su concepto y sonido. En este último trabajo podemos escuchar a Linda Fox en dos tracks: acoplándose delicadamente a la voz de Jim en la minimalista y hermosa “Los Feliz (Blues And Greens)” y “Can’t Stop The Rock”; y el pop noise de “Always Sad” en la voz de Bernardette Denning y una onda que recuerda al track de “Stoned & Dethroned”, “Sometimes Always”, con Hope Sandoval cantando bellamente.

Importante también fue la participación de la ex Belle And Sebastian, Isobel Campbell. Su voz ya es reconocida en los círculos del vintage musical y los Mary Chain aprovecharon bien esto al incluirla en “The Two of Us” y “Song For A Secret”. Con la primera, a pesar de lo bien que suena (con un órgano bien sesentero), saltan algunos reparos en el sentido de que el tema se hace muy parecido a “I Could Be Dreaming” de la antigua banda de Campbell y se siente como una canción que fue adaptada para que ella la cantara, dándole esa vibra retro que tanto se le asocia. La segunda, donde destaca un crescendo sonoro y una guitarra hipnótica, es algo menos forzada y tiene una base rítmica que hace recordar a “Just Like Honey”.

La gran sorpresa del disco, sin lugar a dudas, es la participación de Sky Ferreira en “Black And Blues”, no por haber sido contactada para colaborar -pues ya lo había hecho con Primal Scream-, sino por lo linda que suena su voz en esta canción de marcados coros retros. Lo de “War On Peace” y “Simian Split” se acerca más a la parte experimental y ruidista de JAMC: sonidos envolventes y sugestivos, quiebres deconstructivistas y delays que se ejecutan en el tiempo justo, son la tónica en estos tracks. La mezcla perfecta entre psicodelia sesentera y el noise está en “Get On Home”; y el retorno a los sonidos de “Psychocandy” (1985), seguramente uno de los álbumes más importantes de los escoceses, se vive con “Facing Up To The Facts”, tema con base rítmica más que parecida a “Sidewalking”.

Es indiscutible que los hermanos que sirvieron de precedente a las conductas poco familiares de los Gallagher han vuelto en gloria y majestad. Han entregado un disco que supo alimentar las expectativas que rodearon su proceso de construcción y que, más que copiar fielmente el pasado, nos muestra las distintas formas en la que una fórmula reconocida puede sonar a medida que va pasando el tiempo. No es un imprescindible en la discografía de la banda, pero sí un necesario para ver en lo que están ahora.

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Angel Olsen – “Whole New Mess”

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Whole New Mess

Hace menos de un año, Angel Olsen lanzó un álbum digno de definir una carrera. “All Mirrors” (2019) se estableció como el punto donde su composición y visión alcanzó un nuevo nivel, y el dramatismo de sus letras fue ampliado por la magnitud del sonido orquestal que acompañó al disco, combinación que lo convirtieron en uno de los mejores lanzamientos del año. Cuesta creer entonces que su concepto original sea todo lo contrario. “Whole New Mess” recopila las grabaciones originales de lo que conocimos en su disco anterior, reintroduciéndonos el corazón roto de la cantautora sólo a través de su voz y guitarra, demostrando que la grandiosidad de sus canciones no depende de los elegantes arreglos, sino que de su ilimitada capacidad de retratar el dolor.

Originalmente, “Whole New Mess” vería la luz junto a “All Mirrors” como una doble invitación al mundo de Olsen, pero su lanzamiento no pudo ser más oportuno. Como mucho del mundo actual, las versiones son solitarias, nostálgicas, envueltas en una atmósfera de confinamiento, como si hubieran sido compuestas en estos meses. Sin embargo, sería un error decir que son más silenciosas, pues la música presente introduce otra clase de poder. Tal es el caso de “Impasse (Workin’ For The Name)”, que puede parecer más minimalista en sonido, pero la voz y cuerdas de Olsen rugen de igual manera y su capacidad de electrizar no se pierde, a pesar de la desnudez mostrada.

Es a través de su capacidad para moldear su voz según sus emociones por donde la cantante logra diversificar los sonidos de un disco uniforme. Su voz es desgarradora, pero confortante, como en “Too Easy (Bigger Than Us)” o “Chance (Forever Love)”, donde sus tonos son clásicos, reminiscentes de dolores antiguos, aunque sus melodías son cálidas, como si confortaran sus lamentos. “Chance” pierde los arreglos que la convirtieron en un cierre tan catártico, pero no por eso deja de ser un fuerte golpe de emociones. Las vocales de “Tonight (Without You)” son potentes, pero necesarias, y aun sin el aplaudido final orquestal este parece ser un punto de catarsis, sin violines ni órganos, es su voz la que encuentra luz.

El peso más grande recae en las versiones originales de “All Mirrors” y “Lark”, ahora retituladas “(We Are All Mirrors)” y “Lark Song”. La primera es una pieza de folk mucho más tradicional, con un simple rasgueo que acompaña al relato universal de Olsen, intensificado por el constante reverb. Por su parte, “Lark Song” no pierde su fuerza y sigue arrastrando la responsabilidad emocional del disco, explotando a través de sus seis minutos en un crescendo de emociones. Si bien, estas versiones son mucho más íntimas, también reflejan una fuerte universalidad de experiencias, sin reducirse a las penurias del amor, sino que explorando múltiples relaciones humanas y sus efectos en las personas. La desnudez de su melodía ha permitido centrarse en el aspecto lírico, que presenta potencia por sí solo.

Existen dos canciones que no tienen punto a comparar: la apertura homónima y “Waving, Smiling”, que reemplazan a “Spring” y “Endgame”. La carta inicial lleva el espíritu del disco, mostrándose vulnerable y de un intencionado desorden, tal como los sentimientos que evoca, reconociendo una vida en constante cambio, pero aceptando la repetición de sus estados emocionales. El otro corte original es aún más vulnerable que el resto, tanto en melodía como en lírica es directa, sin rodeos, donde la soledad logra materializarse, pero un brillo esperanzador la ilumina: “El sol está brillando, estoy saludando, sonriendo, al amor por siempre, vivo y muriendo”.

Decir que las canciones en “Whole New Mess” son sólo demos inacabados sería minimizar las expresiones originales que se convertirían en “All Mirrors”. Esta colección de temas es tan fundamental como cualquier otra pieza de su discografía, donde la melancolía y desnudez no deben confundirse con una constante tristeza, sino como una invitación honesta a entender el mundo de una artista. Tan solo con su voz y su guitarra, Angel Olsen logra minimizar el sonido sin perder jamás la potencia, encontrando una nueva forma de hacer rugir sus sentimientos y dejando en claro que, lejos de los arreglos majestuosos, puede encontrar momentos de dramatismo, catarsis y, sobre todo, esperanza.


Artista: Angel Olsen

Disco: Whole New Mess

Duración: 42:05

Año: 2020

Sello: Jagjaguwar


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