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The Jesus And Mary Chain – “Damage & Joy”

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Los hombres de negro han vuelto. Desde 1998, cuando lanzaron el correcto “Munki”, que no se sabía mucho de The Jesus And Mary Chain. Desaparecieron de manera tan decente, que muchos quedaron preguntándose si cabía la posibilidad de un nuevo trabajo discográfico a futuro, y todo eso cambió este año con el lanzamiento de “Damage & Joy”. Sus discos siempre tuvieron un sello en particular, cosa que trascendió su pasada del noise de los primeros años a sus bases más melódicas e incluso sesenteras de sus siguientes trabajos. “Damage & Joy” es un disco que resume esta movilidad de estilos de los Mary Chain transmitiendo la vibra que los ha caracterizado siempre: una forma casi felina de hacer sonar la guitarra, un sonido algo descuidado que de azaroso no tiene nada, y temas de duración estándar que, por la variación de ritmos, hacen más vertiginosos sus trabajos de estudio.

Son catorce canciones, y algunas de ellas habían sido grabados años antes para proyectos paralelos que los escoceses llevaban aparte de JAMC. Un ejemplo de esto es el primer track del disco, “Amputation”, que incluso fue lanzada con otro nombre hace una década y parte con una consigna quemando en la garganta de Jim Reid: I´m a rock and roll amputation. Lo de los Reid siempre ha estado cruzado por estados anímicos que se contraponen: no han hecho discos que suenen parejo y, en lo que duran, se puede encontrar introspección, desenfreno, desgano, delicadeza y éxtasis. Es esa misma fórmula la que siguen en “Damage & Joy”, trabajo que fue producido por uno de los miembros fundadores de Killing Joke, Martin Glover (Youth), y que nos muestra de una manera bastante pulida los sellos noise pop, rock, revival y experimental que han caracterizado a los álbumes de los de Glasgow. Aparte de lo anterior, y no importando lo contradictorio que pueda sonar, hay algo también muy femenino en el estilo de The Jesus And Mary Chain. Las voces de ciertas mujeres con las que han versionado algunos temas de su catálogo, armonizan muy bien con su concepto y sonido. En este último trabajo podemos escuchar a Linda Fox en dos tracks: acoplándose delicadamente a la voz de Jim en la minimalista y hermosa “Los Feliz (Blues And Greens)” y “Can’t Stop The Rock”; y el pop noise de “Always Sad” en la voz de Bernardette Denning y una onda que recuerda al track de “Stoned & Dethroned”, “Sometimes Always”, con Hope Sandoval cantando bellamente.

Importante también fue la participación de la ex Belle And Sebastian, Isobel Campbell. Su voz ya es reconocida en los círculos del vintage musical y los Mary Chain aprovecharon bien esto al incluirla en “The Two of Us” y “Song For A Secret”. Con la primera, a pesar de lo bien que suena (con un órgano bien sesentero), saltan algunos reparos en el sentido de que el tema se hace muy parecido a “I Could Be Dreaming” de la antigua banda de Campbell y se siente como una canción que fue adaptada para que ella la cantara, dándole esa vibra retro que tanto se le asocia. La segunda, donde destaca un crescendo sonoro y una guitarra hipnótica, es algo menos forzada y tiene una base rítmica que hace recordar a “Just Like Honey”.

La gran sorpresa del disco, sin lugar a dudas, es la participación de Sky Ferreira en “Black And Blues”, no por haber sido contactada para colaborar -pues ya lo había hecho con Primal Scream-, sino por lo linda que suena su voz en esta canción de marcados coros retros. Lo de “War On Peace” y “Simian Split” se acerca más a la parte experimental y ruidista de JAMC: sonidos envolventes y sugestivos, quiebres deconstructivistas y delays que se ejecutan en el tiempo justo, son la tónica en estos tracks. La mezcla perfecta entre psicodelia sesentera y el noise está en “Get On Home”; y el retorno a los sonidos de “Psychocandy” (1985), seguramente uno de los álbumes más importantes de los escoceses, se vive con “Facing Up To The Facts”, tema con base rítmica más que parecida a “Sidewalking”.

Es indiscutible que los hermanos que sirvieron de precedente a las conductas poco familiares de los Gallagher han vuelto en gloria y majestad. Han entregado un disco que supo alimentar las expectativas que rodearon su proceso de construcción y que, más que copiar fielmente el pasado, nos muestra las distintas formas en la que una fórmula reconocida puede sonar a medida que va pasando el tiempo. No es un imprescindible en la discografía de la banda, pero sí un necesario para ver en lo que están ahora.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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