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The Gaslight Anthem – Handwritten

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En su corta, pero prolífica carrera, The Gaslight Anthem ha logrado posicionarse como una de las bandas nuevas más importantes de los últimos años en los Estados Unidos. Discos como “The ´59 Sound” (2008) y el notable “American Slang” (2010), lograron llevarse los aplausos de la crítica y la admiración de los fanáticos, creándose así una suerte de consenso que señalaba que esta banda podía ser lo que los anglos llaman “the next big thing”. Sabemos, eso sí, que en los últimos años han sido muchas las bandas que no han logrado estar a la altura de las expectativas creadas (de manera artificial o no) por la industria. Para los oriundos de New Jersey, esta situación de ruido y murmullos pareció no haberles afectado en lo más mínimo, toda vez que “Handwritten” es por lejos su obra más autentica y sincera; alejada de falsas posturas y excéntricas pretensiones.

Este, su cuarto álbum, sigue las huellas dejadas por su trabajo anterior, “American Slang”, pero logra alejarse lo suficiente, de manera tal de entregar un trabajo mucho más directo y frontal, siempre manteniendo, la dulzura y la sabiduría tan característica de Brian Fallon y compañía. En ese sentido, la presencia de Bruce Springsteen (una verdadera institución de New Jersey) pareciera pasar a segundo plano, dando espacio a sonidos que, de manera precisa, mezclan el punk con el folk.

Así y todo, The Gaslight Anthem logra mantener la vista en el horizonte, sin dejar de entregar aquellas canciones que han transformado a esta banda en uno de los números más solicitados tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido.

Con “45”tenemos lo que en un comienzo pareciera ser una canción típica de la agrupación, pero rápidamente cambia a un ritmo mucho mas vertiginoso, con un Brian Fallon que demuestra que es capaz de dejarlo todo en cada una de sus canciones. Y es que este disco, a diferencia de los anteriores, muestra a un Fallon con más facetas, y sobre el cual recae buena parte del peso del álbum. “Here Comes My Man” y “Mulholland Drive” son por lejos, los temas que más se asemejan a lo hecho en “American Slang”, con un tempo más pausado y guitarras que logran construir una base sólida, sobre la cual se apoya Fallon. Y es que la mancomunión entre voces y guitarras se ha transformado en una de las características más importantes de esta banda, y es gracias a dicha dinámica que “Howl” y “Desire” logran alzarse como dos de los cortes más destacados de todo el disco.

El lugar más alto del podio está, sin embargo, reservado para “National Anthem”, tema encargado de cerrar el disco. Una hermosa obra, donde la voz de Fallon, acompañada del sonido de una guitarra acústica, logra imponerse ante todo el ruido y la ferocidad, dejando la interrogante de si en verdad debiera ser Simon & Garfunkel el faro que guíe el trabajo de estos muchachos y no así “The Boss”. Como sea, “Handwritten” se transforma en una obra esencial en la historia de The Gaslight Anthem, dejando bien en claro que todas las alabanzas previas se encontraban más que justificadas.

En un año donde la calidad de los discos y obras lanzadas ha sido más bien exigua, “Handwritten” logra brillar en base a sentido y honestidad. De lo mejor del año, qué duda cabe.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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