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The Decemberists – What A Terrible World, What A Beautiful World

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Intentar ejecutar música con influencias de los Estados Unidos profundos, es hoy algo bastante común entre el mundo indie. Sin embargo, lo complejo es hacerlo estando conscientes de que una gran cantidad de expresiones y de reputados artistas forman parte de un paisaje musical ampliamente consolidado con los años. Por lo mismo, quienes se arriesgan en esta faceta de música con raíces en el pasado, siempre tienen mucho que perder a la hora de presentar un nuevo trabajo. Con todo ello a cuestas, al poco andar de este joven 2015, The Decemberists retorna al mercado discográfico después de tres años de intensas y prolongadas giras, y nos presentan su séptimo trabajo de estudio, el que puede ser catalogado como el disco de la madurez de sus ya longevos y experimentados integrantes.

THE DECEMBERISTS 01En ciertas ocasiones, el título de un disco no alcanza a perfilar la profundidad y amplitud de las temáticas de sus composiciones, pero este claramente no es el caso. De entrada, el nombre de la placa nos habla de un estado anímico cambiante, contradictorio a ratos y profundamente enraizado en el humano acto de observar y pensar el mundo tan típico de los de Portland. El interior norteamericano retoma así sus colores, pero reformulado en un country y folk moderno y tristón, profusamente acústico y cargado de un carácter lúdico, que rotundamente le imprime el sello que identifica a la banda liderada por Colin Meloy.

Una acompasada canción abre el disco, se trata de “The Singer Adresses His Audience”, tema que finalmente desemboca en una explosión instrumental muy bien cuidada y ornamentada. El momento popero llega con “Calvary Captain”, canción que saca a relucir unos coros en medio de unos toques de vientos, que bien podrían estar en la discografía de The Beach Boys. “Philomena” es una hermosa balada muy sesentera, con teclados y coros femeninos, que describe el sueño de un típico chico nerd que piensa en el amor de una mujer inalcanzable. “Make You Better”, el primer single promocional del disco, es una composición romántica que conjuga unas definidas líneas de guitarra, mezclada con una batería que apenas susurra su golpeteo. Canción que representa junto con la siguiente, “Lake Song”, el sentido del título del disco; aun en la terrible tormenta habrá algo de paz y tranquilidad.

THE DECEMBERISTS 02“Till The Water’s All Long Gone” es una bien lograda composición folk que, en cuanto brotan sus primeros acordes de guitarra, recuerda el amplio abanico de influencias de The Decemberists, desde Bob Dylan hasta Nick Cave. Para salir de la nostalgia en la que el disco ha caído, los norteamericanos nos entregan “The Wrong Year”, una canción alegre pese a su título. Con “Carolina Low” volvemos al interior norteamericano, sólo la lírica de Meloy con su guitarra podrían ejecutar una canción tan despiadadamente folk. “Better Not Wake The Baby” abre con un cuidado acordeón hasta transformarse en una canción épica, llena de instrumentos, sonidos y voces. Esta última sirve de antesala para “Anti-Summersong”, tema con un toque country que desliza una melódica armónica y acordeón. “Easy Come, Easy Go” va de la mano con “12-17-12”, dos composiciones que actúan como contrapuntos: la primera por su frescura, la segunda por su dramatismo. El conjunto lo cierra “A Beginning Song”, que si bien clausura el ciclo, deja entrever que todo final es un nuevo comienzo. Una guitarra sencilla, una batería contundente, unos cuidados arreglos en medio de una letra llena de esperanza y confianza en el a veces terrible pero siempre hermoso mundo.

“What A Terrible World, What A Beutiful World” no saca a The Decemberists de su senda sonora, por el contrario, la reafirma y consolida. Es un disco trabajado en el fragor de una larga pausa discográfica, que cumple altamente con las expectativas de la crítica y de los fans. Si ha de ser cierto que es un riesgo explorar por el mundo de las raíces musicales de los Estados Unidos profundos, The Decemberists navega sin problemas entre pasado y presente.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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