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The Claypool Lennon Delirium – “Monolith Of Phobos”

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Es inevitable que un proyecto en el que participan Les Claypool (Primus, Oysterhead, The Les Claypool’s Frog Brigade) y Sean Lennon (The Ghost Of A Saber Tooth Tiger) no llame rápidamente la atención de los curiosos. Sin embargo, si bien de entrada puede parecer que lo llamativo del combo radica en los nombres, lo cierto es que la oferta se hace particularmente interesante desde lo musical al aventurarse a fusionar el funk rock progresivo del que Claypool ha hecho una marca registrada, con el indie pop psicodélico de delicadas melodías que ha cultivado Lennon. Con este desafío por delante y en un ejercicio de equidad casi perfecta, el dúo se hace cargo de la totalidad de la ejecución instrumental (con Claypool a cargo del bajo y mellotrón y Lennon a cargo de la guitarra, batería, y mellotrón), la composición, el liderazgo en los vocales e incluso la producción.

THE CLAYPOOL LENNON DELIRIUM 01El primer tercio del álbum rápidamente sienta las bases de la entrega. El tema que da nombre al trabajo abre los fuegos, sumergiéndonos rápidamente en una atmósfera digna de un viaje a Phobos, deslizándose cansinamente hacia tierras que rememoran los trabajos de Syd Barret y que destacan por los precisos arreglos de mellotrón y un Claypool sencillo, pero acertado en los vocales. La continuación con la cinemática “Cricket And The Genie”, compuesta de dos movimientos, abandona el ánimo espacial y nos revela otra de las facetas de este delirio, dejando al bajo de Claypool como amo y señor del corte, para golpearnos desde la entrada con un inflamable y contagioso groove sobre el que se desarrolla la historia del pequeño Cricket, adicto desde su infancia a las drogas de prescripción legal (uno de los tópicos que se repite a lo largo del álbum). Por último, y para cerrar este primer tercio en que la banda muestra sus cartas, la historia del voyerista “Mr. Wright” se anota el momento más bailable y funk del álbum.

“Boomerang Baby” nos devuelve por completo al sonido lisérgico; progresa pausada e hipnóticamente, dejando espacio hacia la mitad del corte para un excelente quiebre en el estilo de las atmósferas generadas por Ray Manzarek y compañía hace más de cuarenta años. Lo que sigue  con “Captain Lariat” destaca como uno de los puntos altos del álbum. En seis minutos, la canción progresa desde sonidos que atraviesan un paisaje marino, una pesada y cadenciosa línea de bajo, quiebres de mellotrón en el estilo de los Fab Four y dos minutos finales de desatada guitarra y bajo que amalgaman cada una de las identidades del track.

“Ohmerica”, si bien puede no destacar especialmente por lo musical, se anota el único momento de crítica política del álbum, dictando sobre una base folk rock armoniosa y sutil “Sabemos cuando estas durmiendo y cuando estas despierto / pero si has sido bueno no tienes nada que temer / es mejor no cuestionar las cosas que te han dicho / porque tenemos todo bajo control”. Ya hacia el final, THE CLAYPOOL LENNON DELIRIUM 02“Oxycontin Girl” revisa nuevamente el tema del abuso de drogas y deja la pista abierta para que “Bubble Burst” y “There’s No Underwear In Space” cierren el disco. La primera lisérgica y polémica en igual medida, haciendo referencia a la vida de “Bubbles”, el icónico chimpancé  mascota del rey del pop, repasando la vida del personaje y los riesgos de alcanzar la madurez en Neverland; la segunda, espacial y atmosférica, lentamente nos devuelve a Phobos para terminar la travesía.

Uno de los riesgos que tienen los proyectos que involucran a músicos de identidad musical tan marcada como Les Claypool, es que finalmente el combo suene únicamente a ellos (un ejemplo emblemático de esto, es lo que sucede con buena parte de los proyectos paralelos de Josh Homme), no obstante, el dúo sortea sin problemas este desafío, dando origen a un trabajo que no sólo fusiona de excelente manera los estilos y escuelas de ambos músicos, sino que además logra hacer más amigable la propuesta de Claypool para los oyentes no habituados a ella, y al mismo tiempo agrega esa energía e impacto que por momentos escasea en la oferta musical de Lennon, en una ecuación que sólo tiene ganadores. En este sentido “Monolith Of Phobos” se instala sin problemas como un trabajo con identidad propia, que logra desmarcarse de los nombres que dan origen a su existencia. Para sorpresa de muchos, se han anotado un trabajo que merece con holgura estar en el playlist de lo destacado del año.

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El Álbum Esencial: “Corazones” de Los Prisioneros

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Corazones

“Corazones”, el cuarto álbum de Los Prisioneros, puede ser considerado como el primer registro solista de Jorge González, luego de que Claudio Narea abandonara la banda un año antes del lanzamiento de su lanzamiento y sólo Miguel Tapia permaneciera a su lado, sumando a la alineación oficial a Cecilia Aguayo, miembro del grupo performático Las Cleopatras, quien ni siquiera era músico, pero González decidió hacerla parte del grupo por su carisma, alegando que, si no sabía tocar, podía aprender a hacerlo. Aguayo se sumó a Los Prisioneros como la encargada de los teclados durante la época en que la emblemática banda de la comuna de San Miguel dejó de lado el rock y el punk para caer de lleno en el pop y la electrónica, dando vida a un conjunto de canciones que sembró el camino para una serie de artistas que en la actualidad son referentes absolutos del pop chileno.

Alex Anwandter, Javiera Mena, Ases Falsos, Gepe, entre otros, deben su sonido a lo que hizo González en “Corazones”, una placa que se adelantó a su tiempo y, de forma maestra, dio un giro a la fórmula de Los Prisioneros para realizar un disco que es pura visceralidad y sentimientos. No es que antes no hayan jugado con estos sonidos; ya en “Muevan Las Industrias” o en la mismísima “El Baile De Los Que Sobran” los sintetizadores tenían gran presencia dentro de la mezcla, pero en esta ocasión los teclados, samples y percusiones digitales tomaron la batuta para secundar las desgarradoras líricas de Jorge González, que van desde la amargura del desamor hasta la crítica a una sociedad que cada día busca parecerse –hasta el día de hoy– a la imagen idealizada de la sociedad yankee. Como siempre, Jorge González dio en el clavo en cada uno de sus descargos, en composiciones cuyo mensaje se mantiene vigente hasta nuestros días, como ocurre con casi todas las canciones de Los Prisioneros.

El LP abre con “Tren Al Sur”, uno de los cortes más memorables en la historia de la agrupación, el que además funciona como transición perfecta entre el pasado y el presente del grupo, dejando que el charango acompañe a la melodía principal y a un coro honesto y conmovedor, del que es imposible no hacerse parte. Durante los próximos dos cortes el viaje se vuelca completamente hacia lo romántico, entre postales de amor ideal en la bella “Amiga Mía” o imágenes llenas de pasión e intimidad, como en la bailable “Con Suavidad” y el suspirado “preciosa” con el que González da la partida a una de las canciones más representativas de la revolución sonora que significa para el pop chileno el disco “Corazones”.

Si se echaba de menos la crítica dura y sin pelos en la lengua, “Corazones Rojos” puede ser considerada uno de los manifiestos más duros que el grupo ha parido. Como una especie de crudo discurso machista, la canción sirve como un llamado a las mujeres para que despierten y hagan valer su rol dentro de la sociedad. En su época sacó chispas entre quienes no entendieron el mensaje detrás de líneas como “En la casa te queremos ver, lavando ropa, pensando en él / Con las manos sarmentosas y la entrepierna bien jugosa”, pero finalmente “Corazones Rojos” se erigió como una de las canciones más sólidas y poderosas en la historia de Los Prisioneros.

Sigue en la lista “Cuéntame Una Historia Original”, cuyo coro juega con el cinismo de aquellos que dicen sufrir como nadie y saber cómo es la vida, pero son los más ilusos. Otro gran hito del larga duración lo marca “Estrechez De Corazón”, quizás la canción romántica más recordada de la banda junto a “Para Amar”. Dueña de otro coro brutal, esta composición muestra la faceta más melodramática y visceral de Jorge González, acompañada de sintetizadores grandilocuentes que dan un aire de romance fatal, tal como lo hacían personajes como Raphael en sus sufridas composiciones, del que Jorge González era un ferviente admirador. Sin lugar a dudas, uno de los himnos inmortales del trío. “Por Amarte” va por los mismos senderos: doliente y quejumbroso.

“Noche En La Ciudad (Fiesta!)” es el Jorge González de “Lo Estamos Pasando Muy Bien” o el de “Brigada De Negro”: ácido y lleno de ironía y sarcasmo, mofándose duramente de la sociedad conservadora que quiere pintarlo todo color de rosa, apartando “al descarriado” con tal de mantener una imagen ordenada y pulcra. “¡Orden, moral!”, gritaba el vocalista, en una época donde los militares habían abandonado el país, pero su doctrina seguía más presente que nunca. Lamentablemente, a la fecha las cosas no han cambiado mucho.

De la fiesta artificial pasamos a la canción más extraña de la placa y de toda la discografía de Los Prisioneros. “Es Demasiado Triste” es el corte más desgarrador, más sufrido, incluso patético, que ha salido de la mente y alma de Jorge González. El último tema que presenta “Corazones” es tan real y gemebundo, que hasta musicalmente suena a un espiral en descenso, como un castillo que se derrumba y cuya destrucción no conoce final, mientras el fade out y el descarnado verso “Este maldito amor le gusta reírse, reírse en tu cara”, que González repite una y otra vez hacia el final de la canción, dan por finalizado un disco donde el baile y el llanto se encuentran constantemente a lo largo de nueve memorables canciones.

“Corazones” y su legado se mantienen vigentes en la música de numerosos artistas chilenos contemporáneos, músicos que se alimentaron de su sonido y liricas para dar vida a una escena que hoy vive su mejor momento. A pesar de que el grupo terminó su época de gloria con este LP, “Corazones” se mantiene en la historia como uno de los mejores lanzamientos de la música popular chilena, cuyas canciones contienen un mensaje que aún se encuentra vigente y un sonido que, pese a los años, se sigue oyendo fresco y lleno de energía. Para nosotros, “Corazones”, la obra magna de Jorge González, es un álbum esencial.


Artista: Los PrisionerosCorazones

Disco: Corazones

Duración: 45:26

Año: 1990

Sello: EMI Records / Odeon


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