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The Brian Jonestown Massacre – “Don’t Get Lost”

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Lo extrasensorial tras la música siempre queda de manifiesto en los trabajos de The Brian Jonestown Massacre. Su último disco, “Don’t Get Lost”, sigue siendo una muestra de esto, y en tiempos donde se exige un valor agregado a todo lo que se compra, se ve o se escucha, más que se agradece. Sin embargo, lo de TBJM nunca ha obedecido a las leyes del marketing musical, sino que a un estado interno que ha marcado el camino a la hora de componer, haciendo que la experiencia de sus discos sea alucinógena, por llamarla de alguna manera. Ya en su trabajo anterior, “Third World Pyramid”, los Jonestown decidieron dar pista de lo que sería su último larga duración titulando un tema “Don’t Get Lost”. Sin embargo, hay diferencias sustanciales entre ambos: duración y sonido. El anterior se ligaba más al post-punk y sólo contaba con siete temas; el segundo presenta una fusión más rica de estilos: acid rock, dance, funk, psicodelia, rock revival, entre otras, y cuenta con catorce “viajes”.

Una poderosa línea de bajo acompañada de un inteligente uso de los sintetizadores es lo que abre los ocho minutos y fracción de “Open Minds Now Close”. La voz distorsionada de Newcombe suena a intervalos y de manera muy sucia, cosa que es la tónica del disco, y deja intuir que los tonos vocales no son tan importantes como en “TWP”. Le sigue “Melodys Actual Echo Chamber”, que con un pitido magnético presente a lo largo de todo el tema y guitarras en modo trémolo, produce la sensación de estar encerrado en una cápsula en la que todo se magnifica. Una pandereta y batería se anteponen al sonido de cuerdas en “Resist Much Obey Little”, y su base recuerda a una versión acelerada de “Love Burns” de Black Rebel Motorcycle Club, banda amiga de los Jonestown, y, por lo tanto, se encasilla en los sones del moderno revival que el rock ha ido desarrollando hace ya un buen tiempo.

El acid rock podemos notarlo en temas como “UFO Paycheck” y “Groove Is In The Heart”. Este último cambia de ese estilo al noise de manera muy rápida, mientras una sugerente voz femenina se pasea por unos sexys acordes de guitarra para seguir hipnotizando en “Throbbing Gristle”, oda a esos héroes de la escena industrial y experimental de antaño.  Acá los Brian Jonestown elaboran un paisaje sonoro más duro, que se refleja en un uso más pesado del bajo y una batería mucho más definida. “Charmed I’m Sure” y “One Slow Breath” tienen algo de oscuro: en la primera se hace uso de los sintetizadores de una manera casi sugestiva; una base grave se funde en un chirrido agudo que da la impresión de estarse derritiendo, mientras se desliza por una suave secuencia de percusión. La segunda hace lo suyo con una repetitiva melodía de piano y una reverberante voz que susurra versos casi inentendibles.

Los momentos bailables del álbum se representan en “Fact 67”, con una vibra muy funky y far west, y “Acid 2 Me Is Not Worse Than War”, que mezcla beats electrónicos con sonidos de sirenas que van y vuelven, registros vocales que entran y se pierden en el eco de la misma música, recordándonos los movimientos dance de mediados de los ochenta. Lo más “dreamy” es “Dropping Bombs On The Sun”; de hecho, la canción es tan relajada y hermosa con sus silbidos sintetizados, que se hace muy difícil proyectar una imagen mental de lo terrible que sería lanzar bombas sobre el sol. El álbum va cerrando con un tema que destaca por el giro sonoro que realiza en comparación al grueso de este: “Geldenez Herz Menz” se caracteriza por un tempo de batería y trompeta que definen los jamming de corte jazzero, imprimiendo un salto de estilo que, a fin de cuentas, es más que reconocido.

Todo lo anterior, para lanzar un último estallido de garage noise en “Nothing New To Trash Like You”. Recursos auditivos usados en la década de los sesenta, cuerdas sucias y voces que se describen casi en bits, hacen de este tema una bala que se dispara a cielo abierto. Todo, para volver a la calma cósmica de “Ich Bin Klang” y poner broche de oro a un disco extenso pero disfrutable. Quizás la clave de “Don’t Get Lost” no está en “no perderse”, sino que en viajar y volver muchas veces para, así, dejarse ir todas las ocasiones que sea necesario conocer realidades que sólo se describen en nuestros estados inconscientes.

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Colleen Green – “Cool”

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Cool

Una caja de ritmos y una guitarra fueron suficientes para que Colleen Green llamara la atención en 2013 con “Sock It To Me”, su debut bajo la etiqueta de Hardly Art. Aquella propuesta minimalista y sencilla, pero tremendamente pegajosa y atractiva, se fortaleció en formato banda en el estudio con el interesante “I Want To Grow Up” (2015), con el cual visitó Chile en 2018, y pretende dar el salto cinco años después con “Cool”, su cuarto trabajo.

Si hacia 2015 Colleen, de anteojos oscuros sobre el escenario, exploraba en sus letras la decepción, frustración, su amor por la TV y otras ansiedades, hoy su propuesta lírica ha cambiado el foco y se centra en una madurez tan sencilla como reveladora: si antes no era cool, ahora se dio cuenta que sí lo es. “Cool” es un disco con pocas ambiciones, sencillo como todo el catálogo de Green, pero con matices que lo convierten en el más sólido y despreocupado. ¿Por qué complicarse la vida? El single “I Wanna Be A Dog” o la oda al amor propio y las buenas acciones de “It’s Nice To Be Nice” son ejemplos de aquella filosofía.

Con Gordon Raphael (que ha trabajado con The Strokes) en la producción, Green logró consolidar su sonido sin abandonar la esencia lofi y DIY que la hizo popular, pero manteniendo un nivel mucho más alto sin sonar a habitación o cinta vieja. Canciones de acordes sencillos y diseñadas para la aventura siempre en solitario de la artista, quien se resiste a tocar en vivo junto a una banda. “Cool” carece de arreglos o acabados, salvo detalles electrónicos y uno que otro bajo, como en la lenta “Highway” o “Natural Chorus”. Lo más relevante es descubrir el fondo del trabajo lírico de Green, sencillo y natural.

El avance de “Cool” es rápido, son tracks breves y en su mayoría pegajosos, recordándonos que no se necesitan grandes aparatos, pedales o destreza para hacer siempre buenas canciones. El disco tiene sus puntos altos en “You Don’t Exist” donde es posible apreciar la cautivadora voz de Green junto a instrumentos clásicos de banda, y “I Believe In Love”, de lento desarrollo, interesantes cambios de ritmo y un guitarreo sencillo pero explosivo, probablemente la mejor canción del álbum.

Resulta un año de interesantes lanzamientos para Hardly Art, el pequeño sello de Seattle. Marinero conmovió a la crítica con “Hella Love” y se esperan los lanzamientos de La Luz y Lala Lala para nuestra primavera. En este variopinto catálogo se encuentra Colleen Green, que vuelve a tomar sus sencillas composiciones en “Cool” sin mayor ambición que resistir y hacer buenas canciones por sí misma. Basta con verla y escucharla para darse cuenta de que su sola presencia es capaz de dotar de identidad y desplante cualquier catálogo o escenario. Casi única en su especie y estilo, gracias a una propuesta original y fresca para un ambiente saturado de clichés donde el “hazlo tú mismo” a veces deja de lado la calidad.


CoolArtista: Colleen Green

Disco: Cool

Duración: 36:00

Año: 2021

Sello: Hardly Art


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