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The Bouncing Souls – Comet

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“The Gold Record” (2006) fue un disco de una calidad tan impresionante, que terminó otorgando una suerte de segundo aire a una banda que por esos días se acercaba a los veinte años de existencia. Lo anterior no significa que The Bouncing Souls haya pasado alguna vez por una fase de letargo ni nada por el estilo. Al contrario, este conjunto de New Jersey siempre se ha caracterizado por entregar obras que poseen una intensidad casi rejuvenecedora, que ya quisieran muchas bandas novatas. La discusión pasa por otro lado, y es que “The Gold Record” ayudó a consolidar una impronta que se define más por la sensibilidad y la dulzura, que por la potencia o la velocidad. Se instituía así, una identidad que dejaba de lado los clichés y estereotipos del punk rock para dar paso a una banda mucho más madura y centrada. Seis años después nos llega “Comet”, un disco que mantiene dicha identidad, pero que posee ciertas reminiscencias de épocas pasadas, mucho más juveniles en su tratamiento.

“Baptized” es el tema encargado de dar inicio a la placa, con el que se cumple una de aquellas máximas que se repiten en innumerables obras punk rock: iniciar el disco lanzando toda la carne a la parrilla. Si bien no es uno de los puntos altos de la placa, el corte ayuda a demostrar que esta banda puede poner el pie sobre el acelerador sin perder noción del fin último de la obra.

“Fast Times” es quizás el tema que mejor ayuda a definir a “Comet”. Con una línea de bajo sumamente juguetona y un coro delicadamente entusiasta, logra reflejar de buena manera aquella dicotomía que nos habla de las oportunidades y amenazas que conllevan los tiempos modernos. No es una canción demasiado profunda ni nada por el estilo, pero en su simpleza radica su genialidad.

“Coin Toss Girl” es quizás lo más cercano a una balada en este disco. Y si de dicotomías estamos hablando, las letras de esta canción nos entregan una de aquellas. “I think I’d like to marry her, I think I’d like to bury her”. “Comet”, canción que da nombre al disco, continua con esta yuxtaposición de sensaciones y motivos. La historia de un Apocalipsis inminente recibe el trato típico de The Bouncing Souls, transformando así lo que debiera ser una obra lúgubre, en un verdadero himno a la vida.

“We Love Fun” hace cien por ciento honor a su nombre. Con un sonido, ritmo y coros similares a aquellos entregados por Green Day o The Living End, esta canción destaca por ser la más directa en su ejecución, toda vez que su letra se condice completamente con los arreglos interpretados por la banda. “Put on your party pants, the time has come for us to make a stand”. ¿Qué más se puede pedir? Sumado a una buena dosis de “na-na-nas” y esta canción se vuelve perfecta para cantarla junto a los amigos acompañando de unas cuantas cervezas.

“Ship In A Bottle” finaliza la obra, evocando imágenes y situaciones que no hacen más que celebrar aquellas viejas amistades, que con el paso de los años suelen quedar en el olvido. Y esto es quizás una de las tantas muestras de que esta banda es capaz de entregar obras sumamente introspectivas, pero que en su tratamiento no dejan de perder esa sensibilidad pop (utilizando la palabra en el mejor sentido posible), que muchas veces se extravía en el proceso creativo.

Un disco casi adolescente en su esencia, pero que no abandona el proceso de maduración por el que atraviesa la banda. Alegre, y a ratos complejo, pero con una jovialidad capaz de iluminar cualquier día de invierno.

https://play.spotify.com/album/41Q2t5H9NdnuDY2a2Laf3E

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Björk – “Utopia”

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Utopia

El espejo es inclemente. El paso del tiempo es implacable. Los cambios forzosos desgastan, y eso se nota en las arrugas que no irrumpen de golpe, pero que se acumulan al pasar los años. Cuando hay traumas, asociados a derrumbes reales y metafísicos, las heridas pueden estar dentro o fuera del cuerpo, y el espejo en las mañanas lo recuerda sin necesidad de memorias. Desde esa falta de perdón deviene la reconstrucción, la reinvención y, a veces, hasta la resurrección. Son esos procesos, y la capacidad de pasar por encima de ellos, lo que mueve a Björk en su décimo álbum, “Utopia”, donde la islandesa muestra su nueva forma de enfrentar la vida tras quiebres familiares, de pareja y con ella misma. Esto se nota con claridad en la música, donde Arca se vuelve su perfecto partner para exponerse con transparencia, brutal como sólo se le pudo ver en “Vulnicura” (2015), pero además versátil como en los mejores pasajes de “Homogenic” (1997). En ambos discos, de hecho, pareciera que se erigieran parajes completos, con montañas, mesetas y lagos, con mares, nubes y vegetación, porque nuevamente se trata de Björk construyendo luego de un desastre, claro que en esta ocasión la tarea le es más monumental.

Como ella se nota que está llena de amor, la gran tarea es transformar lo vasto de su persona en algo factible de asir, porque la dificultad que se presentaba en la era más reflexiva de Björk –post “Volta” (2007)– fue evitar lo celestial de un trabajo de características casi divinas como el de la cantautora. Todo lo que vino después de “Volta” iba en pos de dotar de un halo extraterrenal a sus sensaciones: en su momento de mayor humanidad, materializando una familia, quizás lo más común de una vida; sus ansias de ir más allá la iban alienando un tanto.

Musicalmente, hubo una tendencia por evitar el pop sintético y abrazar lo teatral, y eso se acentuó en “Vulnicura”, que era un disco de pleno quiebre. La inmensidad quedó más clara que nunca, pero a través del vacío, de la carencia, de las ausencias que generaban ecos y un disco con mucho espacio y belleza dentro de la tristeza. Ahí es donde “Utopia” puede elaborar: en vez de invitar al espejo a hacer lo suyo, Björk lo pone en frente de ese abismo, expande aún más los horizontes y les da sentido.

El hablar de espejos no es casual. Hay canciones en “Utopia” que se disponen como una respuesta directa a las del disco anterior. “Body Memory” es una de las piezas más largas del álbum, y en este caso es un complemento a “Black Lake”, track más desgarrador de “Vulnicura”, donde en vez de pensar en ese lago negro, se busca darle vida, recordando los ecos de un pasado en el cuerpo, en las huellas que quedan. Otro punto relevante del sonido que define a “Utopia” es la presencia de flautas, un instrumento que es mucho más humano, dependiendo de la respiración y el ritmo dispuesto, casi igual a la voz, uno que había sido objeto de la atención de Björk en “Medúlla” (2004). Las flautas otorgan calidad, en tanto que la electrónica dispuesta por Arca (quien aparece como colaborador directo en casi la totalidad de los tracks) genera quiebres que complejizan a las canciones aún más.

“Utopia” brilla en terrenos densos, y es prácticamente un big bang para la artista islandesa. Luego de que un universo se termina, de inmediato surge otro, y los primeros momentos son frenéticos, bellos, y el tiempo se flexibiliza para finalmente entregar definiciones y un nuevo espacio, amplio, oscuro, pero que mediante una vocación de transparencia y honestidad Björk saca adelante en su disco más largo a la fecha, uno donde ella misma se dispone como un imposible, y lo entiende y abraza. Genialidad desde el dolor, desde el reflejo del alma, como sólo ella puede hacerlo.


Artista: BjörkUtopia

Disco: Utopia

Duración: 71:39

Año: 2017

Sello: One Little Indian


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