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The Black Keys – Turn Blue

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Después del arrollador éxito de “El Camino” (2011), cualquier hubiera esperado que los muchachos de The Black Keys se durmieran en sus laureles e intentaran ordeñar aquella prodigiosa vaca por el mayor tiempo posible. Un disco que funcionara como la secuela a dicho álbum sería, a todas luces, una decisión sensata y rentable. Pero la predictibilidad no es una de las cualidades del dúo estadounidense, y las apuestas arriesgadas suelen ser parte de su ideología. Y es que, a pesar de haberse aliado con un viejo conocido, como lo es Danger Mouse, “Turn Blue” termina siendo un trabajo que echa por la borda aquellas preconcepciones que podríamos tener sobre el rumbo que la banda THE BLACK KEYS 01ha tomado en los últimos años, porque este nuevo disco pareciera ser una verdadera vuelta en U, abandonado casi por completo la impronta inquieta de “El Camino”, alimentándose, en cambio, de elementos encontrados en trabajos anteriores.

Para nadie es un misterio que el sonido de The Black Keys ha sufrido variaciones significativas en los años recientes. Desde el excelente “Brothers” (2010) la banda ha adoptado una doctrina bastante más tradicional, dejando de lado aquel sonido más crudo, característico de sus primeros trabajos. Y por tradicional hablamos de aquella estructura que no se limita a la posición minimalista estilo The White Stripes. Obviamente aquello pudo haberles traído críticas de algunos de sus fanáticos, pero no cabe duda alguna que el resultado terminó siendo sumamente positivo, entregándole a la banda nuevas oportunidades de desarrollo y de progreso. Lo interesante, en este caso, es que “Turn Blue” pareciera ser una excusa para adentrarse aún más en esos sonidos nuevos e inexplorados. Y si bien podemos encontrar resabios de “El Camino” en canciones como “Fever”, la verdad es que buena parte del disco pareciera ser un trabajo autocomplaciente, en el mejor sentido de la palabra.

Desde la aletargada “Weight Of Love”, hasta la armoniosa “Turn Blue”, y pasando por la sufrida “Year In Review”, las temáticas que toca este disco tienen que ver con el desamor y con más de una frustración producto de relaciones malogradas. Y aunque estos temas nunca han sido ajenos para The Black Keys, en esta ocasión adquieren una importancia inusitada, configurando así un trabajo sumamente personal, mas no inaccesible.

THE BLACK KEYS 02Lo que llama profundamente la atención tiene que ver, entonces, en cómo este disco conjuga aquel deseo de introspección, con la que debe ser la ejecución más pulcra en la historia de la banda. El producto del trabajo con Danger Mouse es, sin lugar a dudas, preciso y despojado de todo desorden. Y es que, si se le pudiera culpar de un pecado a “Turn Blue”, este tendría que ver con la falta de sorpresas a lo largo de la obra. Si bien podemos encontrarnos con notables momentos, como es el caso de “Gotta Get Away” (uno de los puntos altos de todo el disco), la verdad es que, llegando al final del recorrido, uno puede preguntarse (legítimamente) si este disco es en verdad el gran álbum que se esperaba de The Black Keys, o si finalmente terminará siendo un paréntesis en el nuevo rumbo que ha elegido el dúo estadounidense. Y tampoco es que “Turn Blue” no tenga con qué defenderse. La solidez y la confianza son sus aliados, qué duda cabe. ¿Su enemigo? La uniformidad. Y es que la desfachatez le sienta muy bien a The Black Keys. Quizás más que la exactitud.

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3 Comentarios

3 Comments

  1. Vero Vera Aguayo (@_verota_)

    01-Jul-2014 en 11:07 am

    No me gustó tanto como El camino, pero se agradece la variedad y algunas letras son bastante rescatables. Nota aparte el video de fever que me pareció genial!

  2. Don Jp.

    01-Jul-2014 en 9:17 pm

    El disco de frenton es malo, pero bueno no eres el único que trata de justificarlo y buscar el lado bueno. La banda había hecho un excelente trabajo desde Magic Potion, tras cada entrega traia algo nuevo, diferente y fresco, pero el tinte excesivamente comercial o radial que pusieron en este disco, dio como resultado un bodrio.

  3. chestoff

    05-Jul-2014 en 5:56 pm

    Si es malo, la disquera presionan hasta que pasan cosas como estas.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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