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Tenacious D – Rize of the Fenix

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Tuvieron que pasar seis años desde su anterior disco de estudio, “Pick Of Destiny” (2006), para que Tenacious D volviera a deleitarnos con su especial manera de hacer rock. Quizás puede sonar a cliché decir que la espera valió la pena, pero en este caso en particular, no cabe duda que así fue. De la mano de las dos mentes detrás de la banda, el actor Jack Black y el comediante Kyle Gass, es que nace “Rise Of The Fenix”, tercer larga duración de los americanos, y que no hace otra cosa que ratificar la teoría que el experimentar con nuevos estilos puede traer buenos dividendos. Como es costumbre, la batería está a cargo del multifuncional Dave Grohl (líder y vocalista de Foo Fighters), quien participa en 11 de los 13 temas que conforman el disco (dos de los tracks corresponden a diálogos que no cuentan con apoyo instrumental).

El tema encargado de abrir el álbum, es también el que le da su nombre, “Rise Of The Fenix”, el cual sorprende por su capacidad para cambiar constantemente de velocidad, pasando sin problemas desde una balada, a un ritmo mucho más rápido, y viceversa. La apuesta se mantiene alta con “Low Hanging Fruit”, que destaca por mantener una intensidad permanente y en donde Black demuestra su “constantemente subestimada” capacidad vocal. El tercer track, “Classical Teacher”, corresponde a un diálogo entre Kyle y Jack, en donde discuten la fórmula para convertirse en la mejor banda de mundo (inclusive haciendo un giño a los canadienses de Arcade Fire). Llega el turno de “Señorita”, que se mueve sobre una base española, a guitarras clásicas, trompetas, palmas y una que otra palabra en español, una muestra más de la diversidad musical de Tenacious D. La variación de ritmos vuelve a ser protagonista en “Deth Starr”, la cual comienza y termina con melodías lentas, pero que en el medio se desarrolla a gran velocidad. La primera mitad del disco termina con “Roadie”, un corte más cercano a lo melódico que a los sonidos más duros.

El tracklist continua con “Flutes And Trombones”, el segundo diálogo del álbum, en donde Jack y Kyle descubren que secretamente, durante la noche, van al estudio a practicar pistas de flauta y trombón. “The Ballad Of Hollywood Jack And The Rage Cage”, es sin lugar a dudas una de las mejores canciones de la placa, que destaca por la rabia y angustia que Jack logra imprimirle a la historia. Dando otra muestra de su capacidad para mutar de un estilo a otro, “Throwdown” ofrece una melodía que se acerca bastante al blues, pero que hacía al final se las arregla para pasar a un rock mucho más clásico. “Rock Is Dead” es casi una suerte de improvisación de un minuto y medio, en donde Kyle demuestra toda su destreza con la guitarra. Llega el turno de las dos canciones más cortas del disco, por un lado “They Fucked Our Asses”, que produce una profunda disonancia entre lo armónico de su música y lo poco consistente de su letra, y por otra parte “To Be The Best”, una canción potente, precisa y energética. Y el cierre del álbum no podía ser de mejor manera, con “39”, una hermosa canción de amor, que presenta algunos toques de música country, y que se lleva el premio a la balada del disco.

Un trabajo que destaca por la maduración musical que ha experimentado Tenacious D, y que en ningún caso lo aleja de ese estilo tan particular que lo caracteriza. Este álbum dejará gratamente sorprendidos a los seguidores de la banda, y a quienes los escuchen por primera vez, les despertará la curiosidad por conocer más de su música.

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6 Comentarios

6 Comments

  1. Cazaux

    15-May-2012 en 5:54 pm

    Grande Tenacious D!

  2. zeroechelon

    15-May-2012 en 7:25 pm

    Me cagué de la risa con “They fucked our asses” xD
    Excelente el disco. “Roadie” es un temazo de proporciones 😛
    Que mal que iTunes les haya censurado la caratula :/

  3. Don Mostro

    25-May-2012 en 11:49 am

    Oye pero la cara-tula ordinaria pos, que picantes, así no se puede…wajaoajoa!!

  4. Pablo

    25-May-2012 en 11:52 am

    Ya!!! que vengan a Maquinaria y dejan la caga mas grande del universo conocido!!!

  5. Fi2PaC

    25-May-2012 en 12:13 pm

    Tenacious D a Chile por favor!!! tan pintados pa Maquinaria por ej!!!

    aguante the D!!!!!!!

    buen aproach Gustavo, quede con puras ganas de escucharlo wn!!!

  6. Juan Edgar

    25-May-2012 en 12:31 pm

    Excelente el disco! Me cagé de la risa con las lecciones de guitarra de Felix y con el encuentro en el estudio de grabacion a las 2 de la mañana.

    Rize of the fenx es tremendo tema y el video esta la raja!

    TENACIOUS D A CHILEEEE!!! Como dice Fi2Pac, estan pintados pal Maquinaria!

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El Álbum Esencial: “La Voz de los ’80” de Los Prisioneros

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La Voz de los 80

Jorge González dijo una vez que el primer disco de una banda toma mucho tiempo porque el proceso parte desde que naces hasta que cumples edad para grabarlo, mientras que para el segundo sólo cuentas con un par de meses debido a la presión del sello. “Corazones” (1990), en rigor el primer trabajo de Jorge como solista, goza de un sonido pulcro y de una genialidad compositiva totalmente atemporal, “La Cultura de la Basura” (1987) cuenta con atisbos de experimentación y materializa el virulento sarcasmo social de la agrupación, y “Pateando Piedras” (1986) representa el cénit creativo del grupo produciendo un trabajo de alta calidad, que los posicionó como un suceso de masas. Pero es “La Voz de los ’80” el que encapsula esa energía primal, rudimentaria y cruda, que rompió con todo lo establecido como signo de una catarsis a nivel nacional en un país sumido en una gris dictadura.

Son diez cortes nacidos en la adolescencia de tres jóvenes de San Miguel que aplanaban las calles de la capital chilena entre interminables conversaciones sobre la música y su entorno. Nacieron como una banda de colegio, tocando en festivales escolares muchas veces con instrumentos prestados, sin embargo, su equipamiento más valioso eran sus canciones, creaciones que son la consecuencia de una mezcla ecléctica entre lo mejor de la música juvenil de la época, léase The Cars, Depeche Mode, New Order o The Clash, con la tradición auditiva de cualquier casa de clase media, como Raphael, Camilo Sesto o Salvatore Adamo. La sensibilidad pop con la aspereza del rock al servicio de letras inteligentes, llenas de sarcasmo, que se derraman en un disco que en la actualidad parece un compilado de grandes éxitos.

La capacidad que tuvo Claudio Narea, Jorge González y Miguel Tapia para retratar a su generación, el momento político y la cultura pop, es el gran valor que hace a este disco permanecer en el tiempo. La juventud que aparece en “Brigada de Negro”, esa que nada en alcohol y tabaco, es casi tan difusa como la sombría línea de bajo de González que serpentea por toda la canción, mientras Narea marca el ritmo con sus acordes y Tapia promueve una batería marchante, que narra la hipocresía juvenil de una felicidad hedonista que difícilmente era la realidad de la clase media asolada por la política neoliberal de los Chicago Boys. Parte de esa atmósfera aparece en “La Voz de los ’80”, canción que remece con la energía rabiosa de un trío que se quería comer al mundo desde el primer momento. A pesar de que cada obra esté anclada a su época, lo importante es cuando esta trata temas tan universales que se van repitiendo generación tras generación.

El primer larga duración de Los Prisioneros es un disco que siempre será joven, porque refiere a los temas que vive cada chiquillo o chiquilla desde que esta etapa de la vida humana emergió como una forma cultural en sí misma, después del destape mundial en los años 50. Tanto el relato del despertar sexual que se palpa en “Eve-Evelyn”, como la posterior desolación amorosa de carácter invernal de “Paramar”, son impulsivas y encaran la frustración amorosa con un relato original, el mismo que sale disparado de los parlantes de manera un poco más furiosa en “Mentalidad Televisiva”. Y ¿si la chica que perdió su imaginación para instalar un video tape ahora la perdiera para instalar la última actualización de YouTube, Snapchat o Instagram? Son los temas que, entre la ingenuidad y suspicacia, instalan esas verdades que siempre vamos a vivir, estemos en la época que estemos.

Esa aterrizada visión que ostentaba el trío siempre los hizo ver como algo distinto en un panorama musical un tanto agreste. En la primera mitad de los 80 la música de guitarras era marginal en nuestro país, el rock estaba relegado a encuentros que, si bien cimentaron gran parte de lo que después se expresaría en el underground criollo en estilos más extremos como el thrash o el punk, se veían aplastados por la culturalidad de un régimen que impuso firmemente su manera de ver la realidad, contexto clave para entender letras como “Latinoamérica Es Un Pueblo Al Sur De Estados Unidos” y “No Necesitamos Banderas”, que recogen elementos foráneos como el reggae y el ska para alinearlos a nuestras características locales. Esto choca de frente con la postura del sonido imperante en el mundo universitario dominado por el Canto Nuevo, forjado desde las raíces propias de nuestra música, y no al revés, como en el caso del rock.

Las letras pomposas y repletas de metáforas, adornadas con la complejidad de los acordes de una guitarra acústica, no podía ser más distinto al mensaje directo de “Sexo” o de “¿Quién Mató A Marilyn?” que, tomando elementos de la cultura pop, prefiguran un mensaje directo, conciso y simple de entender, aunque no por ello menos contundente. Es por eso que “Nunca Quedas Mal Con Nadie”, grabada el 6 de diciembre de 1984 –mismo día en que Jorge cumplía 20 años–, emerge como una crítica tanto a ese movimiento como también a la liviandad de las bandas que compartieron un terruño que Los Prisioneros nunca quisieron habitar. Aparato Raro, Cinema, Valija Diplomática, Emociones Clandestinas, seguidos de un largo etcétera, se subieron al carro del nuevo rock chileno y recibieron un mejor trato de las emisoras locales, cosa que no pasó con los de San Miguel, precisamente por lo filudo de su lírica.

Famoso por sus frases para el bronce, el otrora vocalista de la banda expresó: “Pocas veces nos hicieron una crítica en un diario, y las veces que lo hicieron, era para decirnos que éramos pésimos, lo último, que sonábamos mal, que no servíamos para nada y que éramos una moda no más”. El tiempo no se ha cansado de probar lo equivocado que estaban los tabloides del momento. Desde aquella foto tomada en la Vega Central en la que se ve a tres muchachos sosteniendo sus instrumentos, hasta esa camisa apuñalada como carta abierta a un amor imposible que vino a cerrar la primera etapa del grupo después de la vuelta a la democracia, Los Prisioneros marcaron a fuego la historia de nuestro país.

Su valor no está condicionado por el mero hecho de retratar a una generación que vivió momentos sombríos ­–lo que ya sería un mérito–, sino que recae en cómo tres miembros de esas escuelas numeradas, en las que les enseñaban humildad y resignación, lograron establecer un mensaje que resuena hasta el día de hoy y que se mantiene totalmente vigente. Eso habla tanto de la inteligencia de sus letras, como de una sociedad que siente un romanticismo exacerbado por muchos elementos de la cultura de épocas pasadas, sobre todo en lo que se refiere a los años 80; no por nada se sigue escuchando en la radio casi la misma música que alguna vez llamó la atención de Narea, Tapia y González.

En la actualidad, Chile sigue teniendo problemas limítrofes (“no necesitamos banderas, no reconocemos fronteras”), sigue luchando contra el machismo (“…y les sigues el juego, y les das tu dinero, y te sientes muy hombre y me río en tu cara de tu estupidez”) y seguimos presa del cinismo ahora exacerbado por las redes sociales (“pretendes pelear y sólo eres una mierda buena onda”). Los Prisioneros cambiaron la forma de ver la realidad, pero parece que somos nosotros los que no hemos cambiado tanto.


Artista: Los PrisionerosLa Voz de los 80

Disco: La Voz de los ’80

Duración: 40:22

Año: 1984

Sello: Fusión / EMI Music


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