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Sun Kil Moon – Universal Themes

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Sobre el ánimo de clasificación que hubo a principios de los 90, aquel que hacía lugar para todo sonido capaz de principiar una nueva vertiente musical, la prensa del cuarto arte acuñaba el término sadcore, que básicamente ordenada a las bandas venidas desde otra categorización –esencialmente desde el rock alternativo-, para re-enmarcarlo a partir de sus letras y tonos melancólicos y/o depresivos. Cat Power, Portishead o My Bloody Valentine pueden ser los ejemplos más claros de artistas sujetos a este tag. También estuvo dentro de aquel grupo Red House Painters, la primera banda de Mark Kozelek (quien ahora asume con total propiedad el nombre de Sun Kil Moon, desarticulando la condición colectiva que esta tuvo hasta 2010), que fuera extinta en 2001.

SUN KIL MOON 01Punto y aparte para hablar concretamente de Sun Kil Moon, un proyecto que nace en 2002 con un semblante muy parecido al de Red House Painters, sobre el que Kozelek, en un período que completa 13 años hasta hoy, fue cambiando la estructura para hacerlo más cercano al folk tradicional; el sonido de las guitarras eléctricas que en ocasiones se volcaba hacia el pop de ensueño –o dream pop, para no salirnos de las etiquetas- y, a veces, hacia la agresividad de sus cuerdas, asumía un carácter que sólo podía ser compuesto en los tonos de un instrumento desenchufado. Los tres últimos discos del cantautor fueron modelados exclusivamente bajo este formato, concluyendo este ciclo en el trabajo más sobresaliente de Kozelek a la fecha, “Benji” (2014). Claro, todo esto coincide con la plena potestad que tiene el de Ohio sobre el dominio Sun Kil Moon desde su cuarto LP, “Admiral Fell Promises” (2010).

En este sentido, lo que representa una placa como “Universal Themes” corresponde a un Mark Kozelek desenfadado, quien ya no tiene que probar nada en absoluto, y puede ser todo lo autorreferente y egocéntrico que se le dé la gana con sus letras, haciéndose paralelamente con una fracción de cada etapa de su dilatada carrera, para terminar en un producto como el que nos entrega este año. El patrón más evidente de esto último pasa por la transición que existe entre “Birds Of Flims” y “With A Sort Of Grace I Walked To The Bathroom To Cry” –segundo y tercer corte del registro, respectivamente-, pues, en cuanto el primero comienza a sonar exactamente como los mejores temas de “Benji”, el segundo, rasgando toda vestidura con el overdrive manifestado, puede borrar cualquier presunción que afirme a este álbum como una copia exacta de su antecesor.

En “Universal Themes” los cambios de ritmo en la propia permanencia de sus tracks –una ventaja que otorga el desarrollo de canciones largas- son totalmente vírgenes con respecto al trabajo que apenas lanzara el año pasado, donde predominan excepcionales melodías que logran evocar con fuerza la nostalgia del que escucha. Algo similar pasa con el timbre de voz utilizado por Kozelek: mientras en “Benji” su vocalización se acomoda a la melancolía de sus letras, en la presente placa se suma muchas SUN KIL MOON 02veces al vértigo de las cadencias con una mayor fluctuación en sus tonos, y con una carraspera mucho más decidida, que acompañan a la palabra hablada que acá también tiene su espacio.

Cuando parece que al disco le van sobrando minutos, advirtiéndose más agotador de lo que podrían soportar las personas que no están familiarizadas con el folk de alto trajín, aquel que es necesario entender más por su guión y no tanto por su sonido, surgen pasajes que son realmente buenos, como el arreglo en medio de “Garden Of Lavander”, que sugiere hacer lo prohibido y decirle al artista qué es lo que debió haber hecho. Bajo ese prisma, es el trabajo de producción en el álbum el que establece todo un valor agregado en el último.

A Mark Kozelek se lo puede calificar como un tipo que maneja con desparpajo la retórica, alguien que se ha transformado en el gran cuenta historias de la última camada de artistas que adhieren al folk, quedando casi nivelado con antiguos ilustres del tipo Bob Dylan, Nick Drake o Neil Young. Teniendo en cuenta esto, en rigor “Universal Themes” resulta tan parecido a sus predecesores como para considerar que Sun Kil Moon sigue sacando rentas de una fórmula que lo tiene en el podio de los compositores más sobresalientes de su generación, pero tan desprendido de los mismos como para pensar que este registro se desarrolla con base en la ambición intimista del músico, logrando hacer comulgar su deseo de elocuencia escrita, y su porción instrumental.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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