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Stone Sour – House Of Gold And Bones, Part 2

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Fueron seis meses de espera, que para los fanáticos más acérrimos de Stone Sour debieron parecer una eternidad, pero al fin se podrá degustar la segunda parte del último álbum conceptual de los nativos de Iowa. Al igual que su predecesor (“House Of Gold And Bones, Part 1”), este disco fue grabado en los estudios Sound Farm, Des Moines, bajo la supervisión del aclamado productor David Bottril. El lanzamiento de este trabajo estará acompañado por la edición de un comic basado en la placa, el que estará disponible a través de la editorial Dark Horse, siendo su principal atractivo que fue el mismísimo Corey Taylor quien se hizo cargo de los guiones.

STONE SOUR 01El disco comienza con “Red City”, una melodía oscura, que en su primera parte tiene como protagonista excluyente al sonido del piano, para posteriormente evolucionar a un ritmo más potente de la mano de la batería de Roy Mayorga. El álbum sube las revoluciones drásticamente con “Black John”, un tema intenso y desenfrenado, con las guitarras de Jim Root y Josh Rand ofreciendo sólidas secuencias y mucho dinamismo. Con “Sadist” vuelven a aparecer los matices más delicados y acústicos, con una intensidad contenida que favorece al lucimiento vocal de Corey Taylor, y que juega con los cambios de ritmo hacia zonas más enérgicas. “Peckinpah” tiene un comienzo dubitativo, no innovando en la propuesta, para evolucionar a una melodía ágil y recargada, con hermosos solos de cuerdas y una certera percusión. El sonido de la guitarra acústica y los leves toques de teclas en “Stalemate” sugieren un sorpresivo cambio de ritmo, pero la potencia se eleva de imprevisto con la característica impronta del metal alternativo que profesa Stone Sour. El cierre de la primera mitad del álbum corre por cuenta de “Gravesend”, en donde el pulso de la batería marca el ritmo de la pieza y que, al igual que el resto de la placa, destaca por su diferencia de estilos, mezclando pasajes lentos con secuencias aceleradas, que ha ratos hacen recordar al Corey Taylor de Slipknot.

La segunda parte del álbum comienza de buena manera con la rápida y decidida melodía de “82”, que inyecta buenas dosis de energía e intensidad, fundamentada en una precisa base rítmica con preponderante influencia de las cuerdas. En “The Uncanny Valley” se quita levemente el pie del acelerador, con un desarrollo mucho más pausado y trabajado, estructurando una de las mejores piezas del disco. “Blue Smoke” comienza con la voz de Taylor sonando sombría y melancólica, bajo una atmósfera fúnebre, con preponderancia de sonidos místicos y un bajo que hacia el final asume el total protagonismo. “Do Me A Favor”, el primer sencillo que se desprende de la placa, es también uno STONE SOUR 02de los más frenéticos y enérgicos, con una potente instrumentación, buen apoyo en las voces y una melodía que expele dinamismo. El piano vuelve a aparecer en la balada “The Conflagration”, con una letra cargada de sentimiento y profundidad, además del inconfundible aporte del violín que hace aún más exquisita la ejecución de esta verdadera gema. El último corte en mostrar sus credenciales es “The House Of Gold & Bones”, una pieza que emana hard rock por los poros, con un riff embriagante y una potencia totalmente demoledora.

Las comparaciones pueden parecer odiosas, pero resulta inevitable confrontar ambas piezas que configuran House Of Gold And Bones, y es precisamente en este análisis que queda la sensación que esta segunda parte se encuentra algunos puntos más abajo que su antecesora. No hay que confundirse, en ningún caso estamos en presencia de un mal álbum, por el contrario, como pieza autónoma se encuentra muy por sobre la media, donde sólo le juega en contra la reiterativa mezcolanza de ritmos que no siempre terminan por encajar. Para 2014 se espera que Stone Sour se embarque en una gira especial, haciendo dos fechas por cada ciudad que visiten y donde cada día se presentaría íntegramente cada una de las partes que conforman “House Of Gold And Bones”. Este tour tendría un escenario especialmente diseñado y se presume será registrado para la edición de un DVD. Sólo queda esperar que este gran proyecto los traiga de vuelta por nuestras tierras, y que podamos ser testigos de esta hermosa experiencia conceptual, que sin lugar a dudas será memorable.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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