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Stone Gossard – Moonlander

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Stone Gossard, guitarrista de Pearl Jam, Brad y Green River, decidió sacar del congelador su carrera solista y, tras doce años de inactividad, editar el sucesor del exitoso álbum “Bayleaf” (2001). Este nuevo material, titulado “Moonlander”, está conformado por once cortes registrados entre 2003 y 2011, y corresponden a maquetas que no fueron utilizados en sus proyectos paralelos. La placa fue producida por Peter Droge y cuenta con una selecta lista de colaboradores, entre los que destacan Matt Cameron, Matt Chamberlain, Regan Hagar, Barbara Ireland, entre muchos otros, además de Vivian Sparks, la hija de cinco años de Gossard, que contribuyó con el arte gráfico del disco.

El primer sencillo que se desprende del álbum, “I Need Something Different”, es el encargado de abrir el recorrido a través de la placa y, como era de esperar, destaca por su pegajoso riff de guitarra, adornado por precisos solos, algunas pinceladas de sonido electrónico y una batería que suena potente y decidida. “Moonlander”, el corte que le da el nombre al disco, baja las revoluciones respecto a su predecesor, apostando por una melodía mucho más relajada, que se fundamenta en un precioso coro de voces femeninas y una base rítmica que fluye naturalmente. En la lúdica y enérgica “Both Live”, la voz de Gossard suena particularmente nítida, contando con el preciso acompañamiento de un teclado que suena en un segundo plano y donde la instrumentación delega todo el protagonismo en el guitarrista. “Your Flames” mantiene la línea de los sonidos suaves y delicados, una hermosa melodía que exuda sentimiento en cada una de sus líneas, estructurando un ambiente de tranquilidad e introspección. Una base cósmica y una percusión en tono de marcha marcan la introducción de “Battle Cry”, para posteriormente incorporar todo el dinamismo e intensidad de la guitarra, jugando con cambios de ritmo y múltiples texturas.

En “King Of The Junkies” la sensible voz de Stone Gossard sigue siendo la protagonista excluyente, con secuencias de guitarra que aparecen en su justa medida, golpeando como ráfagas de energía y matizando la pieza con una faceta más cercana al rock. Toda la sensibilidad de “Remain” se apodera de los sentidos, con una hermosa y delicada melodía que brilla por su pasividad y su exquisita facilidad para transmitir serenidad. Sin lugar a dudas, una de las gemas más bellas que se pueden desprender del álbum. Con “I Don’t Want To Go To Bed” se produce un cambio radical, y así lo evidencia una guitarra que suena mucho más cruda, y una atmósfera oscura y melancólica. El sonido acústico de “Bombs Away” vuelve a jugar con los ritmos a medio tiempo, fundamentándose en una atractiva base que destaca por su bien lograda instrumentación y dinámicos quiebres. “Witch Doctor” STONE GOSSARD 02vuelve a mostrar una cara totalmente nueva de Moonlander, una pieza que derrocha optimismo y vitalidad, y que sin ser de los mejores cortes del álbum aporta con la diferencia de su textura. El cierre del disco corre por cuenta de “Beyond Measure”, que tal como lo describe Gossard en su letra, es simplemente una canción góspel, que amalgama los elementos tan propios del estilo, para ofrecer una exquisita forma de terminar esta sorprendente experiencia.

Qué agradable sorpresa nos entrega Stone Gossard con “Moonlander”, ofreciendo algo tan distinto a lo que se esperaría de un personaje identificado con el sonido grunge y el punk rock, en complicidad con toda una variedad de matices y texturas que hablan muy bien del potencial artístico del guitarrista. Evidentemente la mayor parte de los créditos se los llevan las melodías sensibles y delicadas, destacando la belleza de “Your Flames”, “Remain”  y “Beyond Measure”, pero sin abandonar la potencia e intensidad que inyecta el sonido de la guitarra, como lo denota “I Need Something Different”. El álbum se consume con extrema facilidad y esto se justifica en el atractivo de las piezas que lo componen, aportando cada una de ellas con algo totalmente nuevo. Sin temor a equivocarme, uno de los mejores retornos de la última década.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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