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Hand. Cannot. Erase. Hand. Cannot. Erase.

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Steven Wilson – “Hand. Cannot. Erase.”

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Antes de hablar de rock progresivo, Steven Wilson prefiere definir a sus trabajos como algo más cercano a lo conceptual; esa herramienta que no sólo permite modelar una canción individualmente, sino que también, dentro del marco de un álbum completo, puede llevar al conjunto hacia una interpretación global, teniendo en ese estado el sentido más amplio que pueda conferir el hilo conductor puntualizado en la concepción del mismo. Y es que el inglés, de 47 años, no es quien se adapta al vaivén de la industria musical, por el contrario, parece ser su figura la que naturalmente STEVEN WILSON 03trasciende en la música, aquella que en su propia visión, reflejada principalmente en su gestión como líder de Porcupine Tree, ubica al concepto como el elemento medular.

En “Hand. Cannot. Erase.”, su cuarto disco en solitario, Wilson se inspira en la historia de Joyce Carol Vincent, una mujer que, abstraída de la realidad, es encontrada muerta en su departamento luego de tres años. Esta historia está registrada en el documental “Dreams Of A Life” (2011), película desde la que Wilson plantea el fondo de su nuevo trabajo discográfico, donde el sentimiento de orfandad es un tópico recurrente. “First Regret” abre desde ese prisma; su melodía casi disonante conduce el carácter introductorio de la canción por un espacio de desasosiego, la primera muestra de una sombra que se mantendrá en diferentes estadios sobre el ancho del álbum. “3 Years Older” nace a partir de un implacable mellotron –instrumento con el que Wilson ha patentado su distintivo sonido- para entrar a sus múltiples pasajes sonoros, repletos de distintas intensidades, cada uno sobrecogedor dentro de su timing.

Pasada la armónica limpieza de “Hand Cannot Erase”, se produce la primera inflexión en el disco. “Perfect Life” comienza con la mezzosoprano Katherine Jenkins recitando un fragmento que habla sobre una relación fracturada por el paso del tiempo, por el distanciamiento que provoca la madurez entre dos personas. “Tenemos una vida perfecta” canta sentidamente Steven en la segunda parte de la canción, sólo para evocar con nostálgica fuerza la peligrosa ilusión de un período que alguna vez fuera amable. La belleza de “Perfect Life” se ajusta de manera exacta con “Routine”, donde también STEVEN WILSON 01interviene la cantante israelí Ninet Tayeb, quien en compañía de Wilson, o sola, puede hacer brillar con luz propia su enorme talento, recordando por momentos un color vocal muy similar al de Lee Douglas, de Anathema. La inclusión de voces femeninas es casi un nuevo resquicio –muy acertado, por cierto- para un Steven Wilson que, a excepción de “Significant Other” de su primera placa solo, “Insurgentes” (2008), no había tenido colaboración de mujeres.

Es en “Routine” donde también se puede establecer una sólida conexión con Rush, la legendaria banda canadiense, pues si Wilson ya había reproducido su sonido en “3 Years Older”, la conclusión de “Routine” se muestra con una suave y bella reflexión final que, en un dulce tono, abre una ventana de paz respecto a la posible historia que se está contando, tal como los canadienses hicieran con “Cygnus X-1 Book II: Hemispheres” en su “Hemispheres” (1978). Siguiendo esta tendencia, el tándem “Home Invasion” / ”Regret #9” parece estar dispuesto entre las bases del “Relayer” (1974) de YES y el King Crimson de Adrian Belew. Paralelamente, el final de “Regret #9” en la actividad de un banjo –otro de los instrumentos que Wilson usara en varios discos de Porcupine Tree-, recupera la tonalidad perdida hacia dos pistas atrás para hacer lugar a “Transience”, que no apunta a más de lo que realmente es: transitoriedad. ¿De qué? ¿De notas musicales que constantemente deben ir progresando? ¿De condiciones emocionales que están determinadas por el aburrimiento? ¿O del espejismo de felicidad que inevitablemente llega al sentimiento de desolación surgido como una sombra cuando estás solo?

STEVEN WILSON 02“Ancestral” emprende su devastador paso convirtiendo a la parsimonia en caos; es la confusión transformada en violencia, la que ve en el desapego su forma de castigo más cruel. 13:33 minutos de duración para un tema que forja sus matices en lo incandescente, y que se abandona hacia el desenlace de la historia con todo su dolor expuesto. “Happy Returns” trae de vuelta la melodía de “First Regret”, pero esta vez sin la inestabilidad de un teclado que proyectaba sólo abatimiento. En “Happy Returns” ya todo está asumido, no hay mayor regocijo que saber la verdad: “¿Los niños me recordarán?”. La última imagen de Joyce Carol Vincent, junto a todo lo que representa, se desvanece con “Ascendant Here On…”.

Steven Wilson nos entrega un álbum que, teniendo todos los antecedentes en torno a su producción, puede ser brillante para quien escucha. Ahí, donde “The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)” (2013) se siente más compacto, “Hand. Cannot. Erase.” aprovecha toda la complejidad dentro del universo compositivo del músico, permitiendo que con cada vuelta el disco desprenda nuevas lecturas.


Artista: Steven Wilson

Disco: Hand. Cannot. Erase.

Duración: 65:44

Año: 2015

Sello: Kscope


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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