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Spiritualized – Sweet Heart Sweet Light

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Partamos del resumen más claro: este es el mejor registro de Spiritualized desde el mítico “Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space” (1997), y punto. Si alguien le dice lo contrario, miente o no entiende el trabajo realizado por el atribulado talento de Jason Pierce.

Ahora, hay que argumentar esto, y la verdad, no es muy complicado. Desde la hermosura de la intro (“Huh?”) hasta el épico y tierno final de “So Long You Pretty Thing”, el séptimo disco de la banda, “Sweet Heart, Sweet Light”, es una muestra de belleza, emoción, arrojo y vida en múltiples dimensiones.

Y esto sorprende cuando pensamos que Jason Pierce –también conocido como J Spaceman-, compositor y productor del álbum, estaba medicado con un cóctel de pastillas para controlar sus adicciones a las drogas y el alcohol. Por eso el Huh? de la intro y la portada del disco, casi como un cartel de advertencia del estado anímico de quién armó la placa.

No hay que desconocer que Spiritualized cae en los mismos clichés de siempre: religión, redención, dolor, espiritualidad. La diferencia, es que suenan más iluminados y creíbles que nunca en los 2000.

La influencia de sonidos armónicos se nota. En entrevistas, Pierce atribuyó a los Beach Boys gran parte de la frescura del álbum y eso sí que es cierto. Pero también hay referencias a la psicodelia Beatles (el inicio de “Get What You Deserve” es “Within Without You” cien por ciento), o al blues R&B (“I Am What I Am”) o hasta tristes canciones de cuentos de hadas (“Too Late”).

Claro que hay tantos experimentos en “Sweet Heart, Sweet Light”, que escucharlo de una vez resulta desgastante, dada la montaña rusa de emociones a la que se somete al oyente.

Desde la aplanadora tosca al estilo Velvet Underground de “Headin’ For The Top Now” hasta el fallido country emo de “Freedom”, y volviendo al groove de “I Am What I Am”, para llegar al lamento de “Mary”, la maravillosa belleza de la tristeza de “Life Is A Problem”, para cerrar con la épica construcción de “So Long You Pretty Thing”. Y eso que nos saltamos los 5 primeros tracks. Todo un viaje emocional, ¿no?

El adelanto del disco fue con una canción tosca, ágil y llena de armonías como “Hey Jane”, que además tiene un video de antología. Y fue un buen aperitivo porque denota que, pese a los clichés de Jason Pierce, el producto tiene un momentum digno de las grandes composiciones.

Más que la coherencia del álbum completo, aquí hay 3 años de trabajo que se nota que fueron tortuosos y donde se refleja cuán genuino es Pierce, lo que permea al trabajo de Spiritualized. Porque al final de todo, “Sweet Heart, Sweet Light” es un puñado de música puesta al servicio de la emoción, en todas sus extensiones, y eso hace que de inmediato esa frescura del “Ladies And Gentleman We Are Floating In Space” vuelva y nos haga flotar, otra vez. De lo mejor del año, sin dudas.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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