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Everything Was Beautiful Everything Was Beautiful

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Spiritualized – “Everything Was Beautiful”

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Grabado casi en simultáneo con “And Nothing Hurt” (2018), pero trabajado durante toda la pandemia, con Jason Pierce a cargo de ejecutar nada menos que 16 instrumentos e involucrando en el proceso a más de 30 músicos, fácilmente se puede caer en el error de pensar que el noveno álbum de la banda inglesa es una suerte de continuación de su predecesor, por el contrario, el mismo Pierce se ha encargado de aclarar que esta nueva entrega viene a plasmar un momento diferente del conjunto y en ningún caso persigue ser una extensión del álbum previo. Es con esta certeza que el otrora Spacemen 3 nos invita a explorar este nuevo capítulo discográfico, en esta ocasión compuesto sólo por siete tracks, donde encontramos momentos de extrema belleza, oscuridad, una perfecta cuota de caos y los infaltables guiños del Spaceman a sus trabajos anteriores y, sobre todo, a sus eternas influencias, todo tremendamente Spiritualized.

Es difícil acercarse a “Everything Was Beautiful” en aleatorio porque, si bien no hubo una intención deliberada de confeccionar un trabajo conceptual, lo cierto es que el disco fluye muy bien si se aborda siguiendo el orden del tracklist. “Always Together With You” es posiblemente uno de los mejores tracks a cargo de abrir un disco que vamos a ver este año; no pasa ni un segundo de canción y la alusión a “Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space” (1997) es evidente, confirmando que Pierce está en el ánimo de “vengo a celebrar mi obra” para este álbum, y francamente lo consigue. Es imposible no notar cómo esta canción es un resumen perfecto de gran parte del sonido Spiritualized, construyéndose sin prisas, agregando capa tras capa de sonido en forma absolutamente natural y delicadísima, y cuando alcanza el éxtasis final y parece terminar (pero todos sabemos que no va a terminar), no lo hace y vuelve por una última gran explosión. Cuerdas, voces, teclados, campanadas, todo junto. Y funciona de manera asombrosa.

“Best Thing You Never Had (The D Song)” cambia las claves de la oferta y entra derecho a golpear en un ánimo más garajero y reverberante. Sin duda, es la sección de bronces lo que hace de la canción la experiencia catártica y cautivadora que es, sin embargo, las letras también aportan un pequeño detalle, particularmente cuando habla del viaje de “Holly”, donde probablemente están haciendo alusión a la misma “Holly” del álbum “Transformer” (1972) de Lou Reed y su inolvidable viaje al lado salvaje. Para continuar, y luego de dos cortes gigantes, el disco nos da un pequeño descanso con “Let It Bleed (For Iggy)” y “Crazy”, temas de texturas más amables y abiertamente más reflexivos en lo lírico, con el primero de ellos abordando lo angustioso que puede ser el proceso creativo cuando se siente que el destinatario merece algo perfecto y el segundo –con Nikki Lane en los acompañamientos vocales– completamente entregado a resucitar el lado más romántico de la banda.

El lado B de la placa consta de dos canciones enlazadas entre sí, y luego un gigantesco cierre. “The Mainline Song” inicia con sonidos que recuerdan a una estación de trenes, insistiendo en el concepto de viaje que ya nos había entregado el segundo corte del disco. La forma en cómo se construye este track, más el juego de capas sonoras, indudablemente apunta a las claves más tradicionales de la banda, sin embargo, en lo melódico es particularmente atractivo e inevitablemente rememora a “Pet Sounds” (1966) de The Beach Boys. “The A Song (Laid In Your Arms)” retoma desde la aparente pausa del corte anterior y prepara las cosas para la salida, no sin antes golpearnos con la clásica cuota de distorsión y caos que la banda siempre incluye en alguno de sus tracks. Para el final “I’m Coming Home Again” toma todo lo que habíamos venido experimentando y se encarga de darle una salida monumental. Inquietantes y cinematográficos diez minutos son los que dan vida a este magnífico opus de space rock, en el que no queda más que sumergirse y dejarse llevar.

Terminado el recorrido, es evidente que “Everything Was Beautiful” no es una segunda parte de su predecesor de 2018, no obstante, es inevitable notar que hay una suerte de ánimo recopilatorio de postales y claves sonoras que, sin ser un tributo al catálogo de la banda, apuntan claramente a reflotar su propio imaginario. La portada y la forma en que inicia el disco, rememorando al tercer trabajo del conjunto y los guiños a “Sweet Heart Sweet Light” (2012) en “The Mainline Song”, son sólo algunos ejemplos de lo anterior. Como el mismo Pierce resalta hacia el final del disco, algo de cerrar ciclos y volver a casa hay en el espíritu de esta aventura. Como sea, e independiente de las lecturas que uno quiera darle al significado del álbum, lo cierto es que el nuevo trabajo del inglés es un disco redondo. “Everything Was Beautiful” es atractivo en lo melódico, fiel a sus conceptos musicales (que a esta altura son únicos) y además amigable para aquellos que llegan por primera vez al conjunto. A 30 años del inicio de la aventura, Pierce solo parece seguir mejorando su fórmula.


Everything Was BeautifulArtista: Spiritualized

Disco: Everything Was Beautiful

Duración: 44:00

Año: 2022

Sello: Fat Possum


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Meshuggah – “Immutable”

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Immutable

Seis años pasaron desde “The Violent Sleep Of Reason” (2016) para que Meshuggah volviera a publicar un nuevo disco, y la banda sueca regresa con “Immutable”, una obra que se enfrenta al paso del tiempo y a un catálogo que ya los tenía con ocho trabajos de estudio en el cuerpo. Sin embargo, eso no parece ser un impedimento para desarrollarse creativa e interpretativamente con el mismo ímpetu de siempre, centrándose en hacer andar su visión creativa y llevar adelante una maquina que destruye todo a su paso. El concepto es simple y se desarrolla sutilmente desde el sonido, con las letras como un adorno a lo que Meshuggah realmente prioriza en su precisa forma de tocar. Como no era de extrañar, es la sección rítmica donde el peso de un disco como este más se hace sentir.

Mediante una idea central de inmutabilidad –aludiendo al título, por supuesto–, es que la banda toma el volante para avanzar a través de una carretera de sonidos y formas que a veces se siente sin rumbo. ¿Es eso algo malo? Para nada, Meshuggah tiene una calidad de interpretación y composición a la que saben sacarle partido desde los primeros acordes de “Broken Cog”, la canción que abre el disco y que dirige la senda de un ejercicio que pareciera un constante loop. Guitarras estridentes, precisión matemática y una batería que marca el ritmo de cada canción son los elementos principales en que el conjunto va sustentando el peso de su sonido, la tenacidad de sus letras y la naturaleza avasalladora y destructora de sus composiciones. Bajo ese contexto, golpes como “The Abysmal Eye” y “Light The Shortening Fuse” no hacen más que acrecentar esa destrucción de frentón que impregna el disco.

No cabe duda de que la sección instrumental es la que finalmente le da el enfoque a “Immutable”, ya que son las visiones creativas del guitarrista Mårten Hagström, el bajista Dick Lövgren y, sobre todo, el baterista Tomas Haake, las que se encargan de establecer los parámetros por los que desfila este noveno larga duración, que también cuenta con la participación en algunos solos de Fredrik Thordendal, guitarrista de Meshuggah que regresa luego de una pausa. Esto permite que todo el aspecto instrumental logre separarse y destacar de la parte vocal a cargo de Jens Kidman y, aunque exista una coherencia que permite hacer convivir ambas veredas, a su vez logra que cobren una fuerza propia que se une por el bien mayor de la obra. Es eso lo que también permite que los interludios instrumentales con “They Move Below”, “Black Cathedral” o el cierre del disco con “Past Tense”, funcionen tan impecablemente para dosificar la agresividad impoluta y constante del álbum.

Aunque la inmutabilidad como concepto no es necesariamente el tema central, el hecho de que el apartado lírico se vincule con el concepto permite que la banda se desarrolle con bases propias y una completa libertad creativa dentro de su visión, haciendo que esa naturaleza ajena de cambios se aplique a su sonido e interpretación, siempre pendientes de lo que ocurra a su alrededor. Desde ahí también cobra sentido la portada con el hombre en llamas, representando la violencia y la lenta destrucción de la sociedad en ciertos aspectos, mientras que el cuchillo empuñado en su mano habla de que aún se recurre a la violencia como una forma de comunicación, así como una herramienta completamente válida en un contexto ya empapado por la misma violencia. Con todo eso a cuestas, “I Am That Thirst”, “The Faultless” y “Ligature Marks” muestran perfectamente eso: la banda manteniendo su mismo sello y naturaleza de siempre, expandiéndose creativamente para mostrar más de lo mismo, por muy contradictorio que aquello suene.

Podríamos decir que hace mucho rato Meshuggah inventó la rueda, en cierta forma, pero regañarle que se quede en lo mismo es simplemente negarse a enfrentar su propuesta. La calidad de interpretación y las posibilidades que se pueden desprender desde una configuración como la que entrega la banda, son los elementos que deben priorizarse cuando se analice la calidad y valor que pueda tener una obra a estas alturas del partido. Llegar al noveno álbum no es una tarea menor, algo que muchas agrupaciones dentro del metal no logran resistir, pero la manera en que Meshuggah se enfoca en hacer lo suyo y crear su propio nicho es lo que les permite mantenerse estables ante el paso del tiempo. Fueron seis años desde su último trabajo y el hype no fue un impedimento para apreciar lo que logran. Aunque “Immutable” esté lejos de ser su mejor álbum, sí es una buena muestra de que esta banda sabe lo que hace, y no dejará de hacerlo por miedo o incertidumbre a que su obra no sea comprendida.


ImmutableArtista: Meshuggah

Disco: Immutable

Duración: 66:43

Año: 2022

Sello: Atomic Fire


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