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Soundgarden – King Animal

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La década de los noventa, además de cobijar muchos de los movimientos relevantes dentro de la escena underground, se transformó de alguna forma –y prematuramente– en la instancia casi predefinida para las separaciones y recesos de bandas que encontraron su apogeo previo a la mitad de aquel período. Así pasó con Soundgarden, quienes desde su “Down On The Upside” (1996), último disco de estudio –no recopilatorio–, decidieron bajar el telón y desaparecer de las pistas como conjunto antes de que las cosas se pusieran más turbulentas de lo que ya estaban. Y parece que ese ciclo de silencio les vino de maravilla, porque tras el anuncio de Chris Cornell hace dos años vía Twitter sobre la reunión de esta banda, se declaraba formalmente el regreso de estos norteamericanos a los estudios de grabación. Lo que hacía de este retorno algo aún más interesante, era que volvían con la misma formación de sus últimas tres placas de estudio. Lo que significó que pudieron limar asperezas para darle en el gusto a la no menor cantidad de seguidores que tienen alrededor del mundo.

“King Animal” fue producido en el Studio X, en Seattle, en conjunto con Adam Kasper, quien ha trabajado con bandas como Pearl Jam y Foo Fighters. Está conformado por trece tracks, mientras que las versiones japonesas y australianas poseen cuatro y cinco demos adicionales, respectivamente. Este disco está disponible para ser escuchado gratuitamente vía iTunes.

Esta nueva travesía se inicia con el primer single de esta placa, “Been Away Too Long”, donde la potencia y entusiasmo parece ser el punto de enganche para que, quien se tope con esta producción, no pueda declarar a Soundgarden como cosa del pasado. Particularmente en este tema se hacen notar las influencias de Pearl Jam, que Matt Cameron acumuló, comparado específicamente con “The Fixer” del “Backspacer” (2009). Le sigue “Non-State Actor”, segundo adelanto, en el que las guitarras toman mayor parte de la atención con excelentes punteos y distorsiones, que mantienen viva la esencia que les caracterizó en su época de mayor plenitud. “By Crooked Step” se podría considerar uno de los cortes más pegajosos de esta producción. La sincronía entre los riffs de Kim Thayil y la base rítmica de Matt Cameron, junto a los efectos vocálicos sobre la voz de Cornell, consiguen otorgarle a esta pieza atemporal una complicidad innegablemente perceptible. Articulaciones menos pesadas aparecen en “A Thousand Days Before”, que explora una atmósfera más sosegada, pero no por ello menos potente. Los efectos orientales de las guitarras configuran una corriente mística al inicio de esta reproducción.

En “Blood On The Valley Floor” los sonidos se tornan más espesos, posiblemente un poco más oscuros y con un Cornell arrastrando su voz junto con cada riff. En “Bones Of Birds” y “Taree” descubrimos los temas más bajos vocal y emocionalmente hablando. Ambos encuentran su clímax en los coros, que les otorgan fuerza aunque en mínima cuota. “Attrition” se relaciona más con el hard rock e indiscutiblemente adopta una estructura más radial de lo que podríamos estar acostumbrados. No así en “Black Saturday”, que es el tema más acústico de “King Animal” y que, llegado cierto momento, adquiere una estructura sombría y psicodélica. “Halfway There” posiblemente no proporcione a esta lista de tracks más de lo que se podría pedir, es un tema bastante melodioso que en momentos coquetea con lo pop. “Worse Dreams” tiene aires levemente siniestros que decrecen cada vez que el coro se hace presente. Hacia el final está “Eyelid’s Mouth”, pieza con acordes lentos y repetitivos, y “Rowing” que se desarrolla aún más lentamente, pero con tintes más parecidos a lo que se puede encontrar en lo más psicodélico del rock clásico.

Este “King Animal” logra evocar los característicos sonidos pesados y distorsionados del Soundgarden de antaño, sin embargo aquí se puede encontrar variedad más relacionada con el hard rock que con el grunge, algo que posiblemente muchos esperaban. Este es un disco que debe ser repasado varias veces antes de encontrarle el gusto, lo cual no quiere decir que sea difícil de digerir, pero sí es necesario para acostumbrarse a las nuevas técnicas que Chris Cornell fue acuñando en ese período no funcional de Soundgarden, sin dejar de mencionar a los demás integrantes que no perdieron su tiempo quedándose en el pasado. Este sexto álbum de estudio, de una de las bandas más emblemáticas de los noventa, cumple con traernos novedades sin impactarnos con las temidas reinvenciones.

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Jack White – “Entering Heaven Alive”

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Entering Heaven Alive

Como si el estreno de “Fear Of The Dawn” no fuera suficiente, Jack White hizo lo impensable al publicar dos trabajos solistas en un mismo año, los que, pese a claras diferencias en lo sonoro, presentan una línea que los une como dos obras hermanas, o bien, como un solo gran disco, dependiendo desde el punto de vista que se le escuche. “Entering Heaven Alive” es el nombre de la segunda placa que presenta el hombre a cargo de múltiples proyectos, como The White Stripes, The Raconteurs o The Dead Weather, entregando una versión suya mucho más calmada y reflexiva que la alocada sonoridad que reina en su trabajo anterior, dándole un especial protagonismo a la guitarra acústica sobre una base rítmica que bailotea entre el teclado y la batería, elementos esenciales cada vez que el autor de “Seven Nation Army” ha querido estructurar canciones más robustas, musicalmente hablando.

Las diferencias no se hacen esperar apenas inicia la primera canción del disco, donde se evidencia una orientación mucho más calma en comparación a la ruidosa experimentación de su álbum hermano. “A Tip From You To Me” es el track responsable de ejecutar esa primera impresión, con un White que se escucha mucho más cercano a The White Stripes que en sus últimas aventuras solistas. A pesar de que la amplia instrumentación siempre ha sido ley en el trabajo del guitarrista, es en el tipo de canciones como esta –o las siguientes “All Along The Way” y “Help Me Along”– donde se aprecia mejor la capacidad que tiene de verter elementos acústicos al son de un teclado y batería para generar canciones cálidas, cercanas y con una introspección necesaria entre los furiosos guitarrazos que predominan en su música.

Esos elementos en esta aventura quedan fuera, de ahí su naturaleza de disco hermano con “Fear Of The Dawn” y un lado mucho más salvaje del guitarrista, optando por momentos mucho más convencionales en lo que conlleva al uso del instrumento de seis cuerdas, siempre con una intimidad directa desde el alma y voz de White, quien logra dar finalmente con ese ansiado disco de corte acústico que había entregado en cierta forma con el recopilatorio “Acoustic Recordings 1998–2016” (2016), donde echó mano a algunas composiciones de The White Stripes y The Raconteurs, junto con parte de su catálogo solista. Es así como una canción del tipo “Love Is Selfish” perfectamente puede ser parte de “Icky Thump” (2007) o incluso “Elephant” (2003), para acompañarse posteriormente de experimentos como “I’ve Got You Surrounded (With My Love)” y la primera presencia de guitarras eléctricas, o “Queen Of The Bees” y su juguetona base concentrada en distintos modelos de teclados y sintetizadores.

Hacia la segunda mitad de “Entering Heaven Alive”, White ejecuta claramente una postura más cómoda y jugando a la segura, donde se pueden escuchar algunas de las canciones más impregnadas de su fórmula en todo su catálogo, tales como “A Tree On Fire From Within”, “If I Die Tomorrow” o “Please God, Don’t Tell Anyone”, paseándose por un sinfín de estructuras melódicas sacadas de prácticamente cada etapa de The White Stripes en lo que respecta a su sonido. Si hay algo que más caracteriza a este disco como la segunda parte de una obra más grande, es lo presentado hacia el final, donde, luego de “A Madman From Manhattan”, Jack decide cerrar con “Taking Me Back (Gently)”, versión en clave country de la canción que abre el álbum “Fear Of The Dawn” y que le entrega un cierre completo a todas las variantes de experimentación y uso de fórmulas ya probadas que utilizó el artista durante estos dos larga duración. ¿Por qué esto último? Porque el artista cierra inteligentemente con el mismo sonido de la guitarra que abre “Taking Me Back”, haciendo que estas 11 canciones formen un bucle junto con las 12 del LP anterior.

Es difícil hacer un análisis de un disco que tenga su antecesor con tan poco tiempo de diferencia, pero se entiende cuando la propuesta que White ofrece no es algo tan diferente, sino más bien un complemento. El único “pero” que está quedando todavía pendiente en la música del hombre detrás de Third Man Records es de ver cómo sonaría con un productor externo, que sepa explotar sus cualidades o lo guíe en la exploración de terrenos diferentes, más allá de seguir transitando los mismos caminos, pero con distintos métodos de transporte. Tanto este disco como el anterior fueron fruto de un prolifero período creativo durante la pandemia, donde se nota que Jack mantuvo sus esfuerzos en desarrollar y afinar su propuesta, ejecutando fórmulas un poco más accesibles y sacando del nicho a su carrera solista para situarla en un terreno más parecido a lo que hacía con su proyecto principal. Dejando todo esto sobre la mesa, donde más se nota la evolución de White como artista es en el sentido de comprender y estar consciente de sus capacidades y el sello que imprime en sus composiciones, permitiendo que la ejecución de estos factores consiga un claro beneficio más que un intento de autoplagio.


Entering Heaven AliveArtista: Jack White

Disco: Entering Heaven Alive

Duración: 40:06

Año: 2022

Sello: Third Man Records


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