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Soen – “IMPERIAL”

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Dentro de la escena del metal progresivo existen varios actos que han tratado de mantener viva la llama del género, considerando que ya ha pasado medio siglo desde su incubación y posterior desarrollo, donde músicos han dedicado prácticamente gran parte de su vida a continuar con una tradición rica en sonidos y estructuras musicales que rompen los esquemas reconocidos. En esa línea, Soen, supergrupo originado en Suecia con más de 10 años de trayectoria, ha reestructurado su modus operandi de crear y componer, a propósito de la pandemia que azota al globo, trayendo a nuestros oídos su quinto disco, “IMPERIAL”, nutriendo de diversas tonalidades a nuestros estados de ánimo, con una muralla sónica basada en virtuosismos y ejecuciones que recogen influencias de Tool y especialmente de Opeth, de donde proviene Martin Lopez, figura fundadora del quinteto.

Si hubiera que definir a Soen, para quienes desconozcan a la banda, podría decirse que su mezcla de cánticos melódicos con riffs agresivos se desmarca rápidamente de las etiquetas básicas de la escena prog. Con el vocalista Joel Ekelöf y el mentado Lopez en la batería como miembros originales, han editado cuatro anteriores álbumes, siendo “Lotus” (2019) el disco con mejor recibimiento, con un sonido que muta entre el progressive rock setentero y el djent instrumental. En esa rama, “IMPERIAL” logra aún más aquella cohesión en los instrumentos, imprimiendo su propio sello, con Cody Ford manejando la guitarra y ocupando efectos interesantes de escuchar. Completando la ecuación, Lars Åhlund sirve de guitarra rítmica y teclados, y Oleksii Kobel acompaña en el bajo en estas ocho canciones que componen el álbum.

El doble pedal de Lopez suena potente en “Lemurian”, el track que abre, con una estructura musical que irá guiando al resto del álbum, pero que reluce por los solos de Ford, donde es imposible no apreciar la influencia pinkfloydiana. La voz de Ekelöf es suave, sedosa y de fácil digestión en tracks como “Deceiver” o “Antagonist”, pero también adquiere vigor en “Monarch”, al alero del mensaje que muestra el tema. En cambio, “Illusion” posee vibras de balada que ayudan a equilibrar al álbum. En “Modesty” y “Fortune” se apoyan de cellos y violines para brindar más emocionalidad al discurso que quieren mostrar. En “Dissident”, sin embargo, vuelven a los ritmos sincopados para construir un coro que cae como martillo en los oídos, pero que en el bridge baja las revoluciones para volver al ataque, como una serpiente viendo a su presa.

Los tópicos que aborda el quinteto sueco en este disco hablan acerca de la pérdida de identidad, el dejarse engañar por un impostor que sonríe y hace promesas de un mejor cambio. Quizás no se acerque tanto a un álbum conceptual, pero “IMPERIAL” retrata la realidad de una población subyugada a punta de armas y miedo psicológico, donde ningún atisbo de humanidad se muestra por no ser lo suficientemente fuerte. Una vivencia de todos los días alrededor del mundo y que, tal como la serpiente de la portada que representa a quienes gobiernan y se vuelven más poderosos, no escatima en recurrir a matar a sangre fría a quienes se oponen al sistema. Todo sea por engrandecer un imperio de destrucción y temor colectivo.

En estos momentos, donde las pandemias y los totalitarismos han mellado a la humanidad, Soen ha creado una banda sonora perfecta para pensar en cuáles serían los límites del ser humano y cuán dispuestos estamos a cambiar nuestra manera de pensar si despertamos cada día con menos libertad. Con un progressive metal que intensifica el mensaje, tal vez la serpiente nos está dando la oportunidad de no caer víctimas de un imperio que busca deshumanizarnos a toda costa. Sin duda, “IMPERIAL” es el disco que está dando qué hablar en la comunidad prog.


Artista: Soen

Disco: IMPERIAL

Duración: 42:04

Año: 2021

Sello: Silver Lining Music


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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