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Soccer Mommy – “color theory”

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Dos años después del álbum que la puso al frente de la nueva generación de cantautoras del indie, “Clean” (2018), Sophie Allison regresa con “color theory”, un disco de su proyecto Soccer Mommy plasmado por la nostalgia de la música de su niñez y composiciones que exploran los sentimientos más oscuros presentes en su discografía.

Las primeras notas de “bloodstream” hacen un gran trabajo en establecer la gama sonora presente en el disco: una mirada retrospectiva a la escena indie rock de los noventa, que juguetea con el pop alternativo con el que creció. La melancolía presente en la melodía es fortalecida por la dulce voz de Allison, contrastando la optimista producción con vulnerables e introspectivas composiciones: “La felicidad es como una libélula en libres tardes veraniegas, la siento escaparse por mis dedos”. Esta es una técnica presente a través de todo el disco: el uso de la música de su niñez chocando con los problemas que enfrenta como adulta. circle the drain” suena como un directo homenaje a los mejores años de Avril Lavigne, mientras confiesa algunas de sus luchas en los últimos años. Es un triunfante corte que no sólo permite reconocer su talento como compositora y música, sino su capacidad para descifrar la construcción de un éxito pop.

Si bien, sus relatos hablan a toda una generación, sus vivencias han influenciado gran parte de la temática de “color theory”, trabajo dividido en tres secciones representadas por colores: azul la tristeza, amarillo el dolor físico y emocional, y gris la oscuridad. Desde su adolescencia, Allison ha batallado con su salud mental y complicaciones familiares, pero nunca había sido tan directa al enfrentarlas como en esta obra. Dichas complicaciones también pueden ser identificadas en las melodías del disco, donde “royal screwup” y “night swimming” dejan de lado las partes más brillantes del pop para ofrecer íntimos acordes que fortalecen los sentimientos expresados en sus letras. Acá las cuerdas no solo musicalizan las composiciones, sino que son parte de la narrativa que propone el álbum.

Desde el lanzamiento del mencionado “Clean”, la música de Soccer Mommy se había alejado de los arreglos lo-fi de sus primeros materiales para ofrecer un trabajo más pulido y profesional. Sin embargo, esta es la primera vez que graba con su banda en vivo, logrando una sonoridad no antes alcanzada. La segunda sección del disco es una clara prueba de aquello, donde la riqueza instrumental que presentan temas como “crawling in my skin” y “lucy” recuerdan los esfuerzos realizados por bandas de la escena de los noventa. En “color theory” mientras más brillantes los instrumentos, más sombrías son las temáticas que relata y el ambiente pareciera decaer, como en el track de siete minutos “yellow is the color of her eyes”, una poderosa balada sobre su madre, la que juega con la infinidad de posibilidades creativas que su música puede alcanzar gracias a su madurez como cantautora y el esfuerzo de su banda.

La sección final es incómodamente vulnerable, con una oscura musicalización para ilustrar su enfrentamiento a la mortalidad. “stain” parece ser uno de los momentos más recatados, aunque rápidamente se transforma en el punto de mayor tensión del disco, con acordes alejados de los elementos bombásticos, pero con un poder en su voz no alcanzado antes. El disco cierra con “gray light”, trayendo de nuevo a juego los elementos brillantes y encapsulando todos los anhelos y frustraciones presentes a través del material. “No puedo perderla, la sensación de estar cayendo, no puedo perderla, observo a mi madre ahogarse”, culmina en los últimos acordes, confesando las dificultades que enfrenta, pero reconociendo la importancia de decirlas en voz alta.

“color theory” (todo lo del disco está estilizado en minúsculas) termina con la nostalgia con la que comenzó, como un cassette de fines de los noventa, recordando los mejores años de la juventud, pero enfrentándose con los desafíos de la adultez. Dejando de lado su fuerte lírica, la producción presente logra tanta maestría como la composición, fortaleciendo los sentimientos melancólicos y consagrando a Soccer Mommy como un importante referente generacional.


Artista: Soccer Mommy

Disco: color theory

Duración: 44:08

Año: 2020

Sello: Loma Vista


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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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