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Soccer Mommy – “color theory”

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Dos años después del álbum que la puso al frente de la nueva generación de cantautoras del indie, “Clean” (2018), Sophie Allison regresa con “color theory”, un disco de su proyecto Soccer Mommy plasmado por la nostalgia de la música de su niñez y composiciones que exploran los sentimientos más oscuros presentes en su discografía.

Las primeras notas de “bloodstream” hacen un gran trabajo en establecer la gama sonora presente en el disco: una mirada retrospectiva a la escena indie rock de los noventa, que juguetea con el pop alternativo con el que creció. La melancolía presente en la melodía es fortalecida por la dulce voz de Allison, contrastando la optimista producción con vulnerables e introspectivas composiciones: “La felicidad es como una libélula en libres tardes veraniegas, la siento escaparse por mis dedos”. Esta es una técnica presente a través de todo el disco: el uso de la música de su niñez chocando con los problemas que enfrenta como adulta. circle the drain” suena como un directo homenaje a los mejores años de Avril Lavigne, mientras confiesa algunas de sus luchas en los últimos años. Es un triunfante corte que no sólo permite reconocer su talento como compositora y música, sino su capacidad para descifrar la construcción de un éxito pop.

Si bien, sus relatos hablan a toda una generación, sus vivencias han influenciado gran parte de la temática de “color theory”, trabajo dividido en tres secciones representadas por colores: azul la tristeza, amarillo el dolor físico y emocional, y gris la oscuridad. Desde su adolescencia, Allison ha batallado con su salud mental y complicaciones familiares, pero nunca había sido tan directa al enfrentarlas como en esta obra. Dichas complicaciones también pueden ser identificadas en las melodías del disco, donde “royal screwup” y “night swimming” dejan de lado las partes más brillantes del pop para ofrecer íntimos acordes que fortalecen los sentimientos expresados en sus letras. Acá las cuerdas no solo musicalizan las composiciones, sino que son parte de la narrativa que propone el álbum.

Desde el lanzamiento del mencionado “Clean”, la música de Soccer Mommy se había alejado de los arreglos lo-fi de sus primeros materiales para ofrecer un trabajo más pulido y profesional. Sin embargo, esta es la primera vez que graba con su banda en vivo, logrando una sonoridad no antes alcanzada. La segunda sección del disco es una clara prueba de aquello, donde la riqueza instrumental que presentan temas como “crawling in my skin” y “lucy” recuerdan los esfuerzos realizados por bandas de la escena de los noventa. En “color theory” mientras más brillantes los instrumentos, más sombrías son las temáticas que relata y el ambiente pareciera decaer, como en el track de siete minutos “yellow is the color of her eyes”, una poderosa balada sobre su madre, la que juega con la infinidad de posibilidades creativas que su música puede alcanzar gracias a su madurez como cantautora y el esfuerzo de su banda.

La sección final es incómodamente vulnerable, con una oscura musicalización para ilustrar su enfrentamiento a la mortalidad. “stain” parece ser uno de los momentos más recatados, aunque rápidamente se transforma en el punto de mayor tensión del disco, con acordes alejados de los elementos bombásticos, pero con un poder en su voz no alcanzado antes. El disco cierra con “gray light”, trayendo de nuevo a juego los elementos brillantes y encapsulando todos los anhelos y frustraciones presentes a través del material. “No puedo perderla, la sensación de estar cayendo, no puedo perderla, observo a mi madre ahogarse”, culmina en los últimos acordes, confesando las dificultades que enfrenta, pero reconociendo la importancia de decirlas en voz alta.

“color theory” (todo lo del disco está estilizado en minúsculas) termina con la nostalgia con la que comenzó, como un cassette de fines de los noventa, recordando los mejores años de la juventud, pero enfrentándose con los desafíos de la adultez. Dejando de lado su fuerte lírica, la producción presente logra tanta maestría como la composición, fortaleciendo los sentimientos melancólicos y consagrando a Soccer Mommy como un importante referente generacional.


Artista: Soccer Mommy

Disco: color theory

Duración: 44:08

Año: 2020

Sello: Loma Vista


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Jack White – “Entering Heaven Alive”

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Entering Heaven Alive

Como si el estreno de “Fear Of The Dawn” no fuera suficiente, Jack White hizo lo impensable al publicar dos trabajos solistas en un mismo año, los que, pese a claras diferencias en lo sonoro, presentan una línea que los une como dos obras hermanas, o bien, como un solo gran disco, dependiendo desde el punto de vista que se le escuche. “Entering Heaven Alive” es el nombre de la segunda placa que presenta el hombre a cargo de múltiples proyectos, como The White Stripes, The Raconteurs o The Dead Weather, entregando una versión suya mucho más calmada y reflexiva que la alocada sonoridad que reina en su trabajo anterior, dándole un especial protagonismo a la guitarra acústica sobre una base rítmica que bailotea entre el teclado y la batería, elementos esenciales cada vez que el autor de “Seven Nation Army” ha querido estructurar canciones más robustas, musicalmente hablando.

Las diferencias no se hacen esperar apenas inicia la primera canción del disco, donde se evidencia una orientación mucho más calma en comparación a la ruidosa experimentación de su álbum hermano. “A Tip From You To Me” es el track responsable de ejecutar esa primera impresión, con un White que se escucha mucho más cercano a The White Stripes que en sus últimas aventuras solistas. A pesar de que la amplia instrumentación siempre ha sido ley en el trabajo del guitarrista, es en el tipo de canciones como esta –o las siguientes “All Along The Way” y “Help Me Along”– donde se aprecia mejor la capacidad que tiene de verter elementos acústicos al son de un teclado y batería para generar canciones cálidas, cercanas y con una introspección necesaria entre los furiosos guitarrazos que predominan en su música.

Esos elementos en esta aventura quedan fuera, de ahí su naturaleza de disco hermano con “Fear Of The Dawn” y un lado mucho más salvaje del guitarrista, optando por momentos mucho más convencionales en lo que conlleva al uso del instrumento de seis cuerdas, siempre con una intimidad directa desde el alma y voz de White, quien logra dar finalmente con ese ansiado disco de corte acústico que había entregado en cierta forma con el recopilatorio “Acoustic Recordings 1998–2016” (2016), donde echó mano a algunas composiciones de The White Stripes y The Raconteurs, junto con parte de su catálogo solista. Es así como una canción del tipo “Love Is Selfish” perfectamente puede ser parte de “Icky Thump” (2007) o incluso “Elephant” (2003), para acompañarse posteriormente de experimentos como “I’ve Got You Surrounded (With My Love)” y la primera presencia de guitarras eléctricas, o “Queen Of The Bees” y su juguetona base concentrada en distintos modelos de teclados y sintetizadores.

Hacia la segunda mitad de “Entering Heaven Alive”, White ejecuta claramente una postura más cómoda y jugando a la segura, donde se pueden escuchar algunas de las canciones más impregnadas de su fórmula en todo su catálogo, tales como “A Tree On Fire From Within”, “If I Die Tomorrow” o “Please God, Don’t Tell Anyone”, paseándose por un sinfín de estructuras melódicas sacadas de prácticamente cada etapa de The White Stripes en lo que respecta a su sonido. Si hay algo que más caracteriza a este disco como la segunda parte de una obra más grande, es lo presentado hacia el final, donde, luego de “A Madman From Manhattan”, Jack decide cerrar con “Taking Me Back (Gently)”, versión en clave country de la canción que abre el álbum “Fear Of The Dawn” y que le entrega un cierre completo a todas las variantes de experimentación y uso de fórmulas ya probadas que utilizó el artista durante estos dos larga duración. ¿Por qué esto último? Porque el artista cierra inteligentemente con el mismo sonido de la guitarra que abre “Taking Me Back”, haciendo que estas 11 canciones formen un bucle junto con las 12 del LP anterior.

Es difícil hacer un análisis de un disco que tenga su antecesor con tan poco tiempo de diferencia, pero se entiende cuando la propuesta que White ofrece no es algo tan diferente, sino más bien un complemento. El único “pero” que está quedando todavía pendiente en la música del hombre detrás de Third Man Records es de ver cómo sonaría con un productor externo, que sepa explotar sus cualidades o lo guíe en la exploración de terrenos diferentes, más allá de seguir transitando los mismos caminos, pero con distintos métodos de transporte. Tanto este disco como el anterior fueron fruto de un prolifero período creativo durante la pandemia, donde se nota que Jack mantuvo sus esfuerzos en desarrollar y afinar su propuesta, ejecutando fórmulas un poco más accesibles y sacando del nicho a su carrera solista para situarla en un terreno más parecido a lo que hacía con su proyecto principal. Dejando todo esto sobre la mesa, donde más se nota la evolución de White como artista es en el sentido de comprender y estar consciente de sus capacidades y el sello que imprime en sus composiciones, permitiendo que la ejecución de estos factores consiga un claro beneficio más que un intento de autoplagio.


Entering Heaven AliveArtista: Jack White

Disco: Entering Heaven Alive

Duración: 40:06

Año: 2022

Sello: Third Man Records


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