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We Are Not Your Kind We Are Not Your Kind

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Slipknot – “We Are Not Your Kind”

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La masividad no es algo ajeno en el panorama actual de los oriundos de Iowa, y mucho menos la controversia relacionada a sus miembros y su variopinta discografía. Retomando el encabezar grandes festivales sobre el globo (incluido el que lleva su nombre), Slipknot elevó el nivel de ansia frente a un inminente nuevo lanzamiento, contemplando efectivas estrategias, como el misterio detrás de las nuevas máscaras a modo de ritual de inicio de cada nuevo ciclo, o declaraciones que avivan el esperar algo cercano a lo efectuado a cabalidad y brutalmente en “Iowa” (2001). Todo esto como los primeros pasos hacia un nuevo capítulo en la historia de Slipknot, una agrupación que despegó con un ensordecedor ruido e impactante propuesta audiovisual y escénica gracias a su primer larga duración, el homónimo de 1999.

Aún con tremendas entregas de estudio, era imposible vaticinar lo que podía deparar lo venidero y, cercano al vigésimo aniversario de su primer álbum, la agrupación nos brinda “We Are Not Your Kind”, un trayecto que invita a deshacerse de comparativas y aceptar que cada época tiene definido un enfoque, por más experimental y ambicioso que éste sea.

Una breve intro titulada “Insert Coin” conecta –atravesando la densidad del track– con “Unsainted”, segundo single que llegó a ser incluido en el listado de canciones, y que es una ganchera maquinaria rebosante de momentos precisos para conectar y verse inmerso en ella por su efectivo armado. En contraste, “Birth Of The Cruel” toma la batuta, donde una galopante percusión acompaña la voz limpia de Corey Taylor, empleada en la creación de un clima oscuro y transformándose en un recurso técnico que brinda una vibra especial y magnética. Los momentos de agresión sonora se encuentran en un impecable nivel en este disco, con el feroz vozarrón de Taylor, quien tiene un desempeño vocal notable, demostrado en las variaciones que ejecuta. “Nero Forte” es inmutable, conteniendo un paralelo entre gutural y falsete, junto a un entramado rítmico que nos remonta a antaño, como en la potente “Red Flag” o la machacante “Orphan”, una combustión absoluta.

Este sexto disco desafía al oyente, no hay un patrón fijo que pueda satisfacer la nostalgia o alguna señal de estancamiento creativo y/o condescendiente, cayendo en un riesgoso y fructífero plano, donde “A Liar’s Funeral” o “Spiders” se pueden tomar con lejanía por lo peculiar en sus respectivas formas. Y, no obstante, los últimos pasajes superan los seis minutos de duración, donde se percibe la libertad en la composición y participación no menor de Sid Wilson y Craig Jones, quienes, con capas sintetizadas y teclados sombríos, guían pasajes diversos en “My Pain”, una extensa muestra de introspección y aspereza inquietante en toda su extensión. Estos elementos se incorporan a interludios utilizados para mantener la expectación alejada totalmente de lo convencional, como en “Solway Firth”, canción que finaliza la reciente propuesta de los nueve, moviéndose dentro de lo ambiental en leves dosis y lo caótica que se puede tornar la experiencia, apoyado por el potente groove de las cuerdas de Jim Root, Mick Thomson y Alessandro Venturella, enriquecido por los arreglos presentes que engrandecen la, a estas alturas, inesperada pieza.

Concebir un disco como un trabajo integral requiere de una claridad importante en el concepto como hilo conductor de la atmósfera global que lo envuelve y, además, claridad en la estructura que sostiene cada canción para no caer en una inconsistencia durante la escucha. Para Slipknot, desde hace bastante tiempo la reformulación es carta obligada, y también producir un álbum cohesionado. Si bien, los atisbos de emplear recursos ya conocidos se encuentran en ciertos tramos –lo que comenzó con “Vol. 3: (The Subliminal Verses)” de 2004)–, se expande en sorpresivos giros en la intensidad por los elementos que colaboran a crear una atmósfera que brinde identidad propia a este nuevo opus. No cabe duda de que gran parte de la esencia de los creadores de “People = Shit” es bordear el límite de la provocación y, teniendo una gran cantidad de seguidores, una jugada maestra es la de brindarnos un grupo único y más complejo de canciones dentro de su discografía, tal vez único en su clase.


Artista: SlipknotWe Are Not Your Kind

Disco: We Are Not Your Kind

Duración: 63:29

Año: 2019

Sello: Roadrunner


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U.S. Girls – “Heavy Light”

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Heavy Light

Con su séptimo álbum bajo el proyecto de U.S. Girls, Meghan Remy nos ofrece un material libre de restricciones, reflexivo, listo para la pista de baile, lleno de nostalgia y apuntando hacia las ilimitadas experimentaciones, representando el estado musical que engloba 2020. Durante los últimos diez años, U.S. Girls se ha asegurado de evolucionar a la vez que lo ha hecho la industria musical, enriqueciendo su material y su aguda visión sobre el mundo que la rodea, alcanzando un peak de maestría con “In A Poem Unlimited” (2018), disco que le valió aclamación crítica y la atención de un público fiel.

“4 American Dollars”, el tema inicial de “Heavy Light”, es un paso en la dirección correcta y un gran indicio de la calidad que se avecina. El sencillo engloba la dualidad presente en el disco, contrastando las dulces cuerdas y percusiones, acompañadas de un coro que convierten un himno en un góspel veraniego, con alarmantes líricas sobre la pobreza bajo el capitalismo, la conciencia de la mortalidad y la banalidad de la vida misma. “Overtime” dinamiza el inicio del álbum, ofreciendo un acercamiento más tradicional al art rock y al soul, combinando las potentes vocales con fuertes percusiones y un saxo que ayuda a alcanzar un dramático clímax.

Lamentablemente, el resto del disco no logra alcanzar el nivel de los dos primeros cortes, pero se asegura de explorar las distintas facetas de la artista, a la vez de ofrecer múltiples riesgos líricos y sonoros. “IOU” es una existencialista pieza de art pop que cuestiona su mismo nacimiento; una glamorosa balada que utiliza la voz de la cantante como otro instrumento para ampliar la experiencia sonora. Mucho del resto del disco funciona a partir de este escenario: un viaje onírico a través de las distintas etapas de la vida, que es narrado por la dulce y multifacética voz de Remy. “Born To Lose” (un claro guiño a “Wooly Bully”) es un experimento musical que se enriquece por la fuerza de sus partes individuales, con el coro que potencia a la cantante principal, un delicado piano y un setentero instrumental, motivando una experiencia multisensorial.

A través del álbum, los interludios “Advice To Teenage Self”, “The Most Hurtful Thing” y “The Color Of Your Childhood Bedroom” se encargan de orientar la narración y propósito del mismo, dándole protagonismo a múltiples voces anónimas para que relaten sus propias vivencias individuales, otorgándole globalidad a las temáticas presentes. Las voces cumplen una funcionalidad doble, por una parte asegurando que las problemáticas a enfrentar no son únicas, sino que compartidas por múltiples sujetos, y por otra funcionando como múltiples voces de un solo oyente, agregándole un tono claustrofóbico a este viaje onírico. Son por momentos las piezas más calmas y tensas del disco, pero vitales para comprender la intencionalidad de este. Detrás de este dolor social que la cantante percibe, se esconden una serie de dolores individuales, que son los que han construido una sociedad como la presente y, para poder hacer algo sobre ello, es fundamental no callarlos y expresarlos sin miedo.

La batalla más grande que enfrenta “Heavy Light” es su fluidez sin caer en lo monótono. Al usar la fuerza principalmente en su inicio, la segunda mitad, y en especial la última parte del disco, palidecen en comparación, pero sirven para apreciar las distintas texturas vocales e instrumentales. “Denise, Don’t Wait” es una bella balada que utiliza exitosamente elementos del glam y del synthpop, en un melodramático momento que le agrega misterio a este viaje. De esta forma, mucho del disco se encarga de reivindicar géneros o movimientos musicales vistos con desdén. El coro que acompaña la mayoría de las canciones es una inventiva estrategia para revivir bandas de mujeres de los setenta y ochenta, mientras que canciones como “Woodstock ‘99” realizan un guiño a la música disco y en especial a “MacArthur Park”. Por su parte, “The Quiver To The Bomb” toma elementos clásicos del glam rock, como sus guitarras y teatralidad, nunca cayendo en una parodia, sino que homenajeando claras influencias.

Al finalizar, “Heavy Light” deja con la sensación de no haber superado a su antecesor, pero, a la vez, de nunca haber intentado recorrer ese camino. Y es que, con este material, U.S. Girls ofrece un trabajo que no se limita ni presiona por el éxito de su antecesor, sino que se da la libertad de recorrer distintos pasajes, de divertirse mientras recorre distintas experiencias a través de un ejercicio onírico. Durante todos estos años, Meghan Remy se ha encargado de analizar y estudiar el ambiente musical y social, logrando ofrecer en esta ocasión un disco introspectivo y optimista; una mirada necesaria de los dolores, tanto individuales como globales.


Artista: U.S. Girls

Disco: Heavy Light

Duración: 37:29

Año: 2020

Sello: 4AD


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