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The Center Won't Hold The Center Won't Hold

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Sleater-Kinney – “The Center Won’t Hold”

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¿Hasta qué punto se considera un cambio de dirección? Muchas veces se genera un debate cuando una banda decide incursionar en otras veredas sonoras en algún momento de sus carreras, algo que la mayoría de las veces va ligado a la necesidad de avanzar y no estancarse por décadas haciendo lo mismo entre un disco y otro.

En el caso de Sleater-Kinney, desde el momento que apareció el primer adelanto de “The Center Won’t Hold” quedó claro que la banda iría por un lado bien diferente a lo que fue su triunfal regreso “No Cities To Love” (2015), y muchos apuntaban a St. Vincent y su labor de productora como la principal artífice de un sonido que dejaba de lado los atrevidos guitarrazos que el trío solía mostrar en sus obras por un sonido más moderno, tanto estética como sonoramente más plástico que de costumbre. Así fue como este álbum ya venía con un prejuicio que no hizo más que incrementarse luego de que su baterista Janett Weiss abandonara la agrupación, apelando al no deseo de participar en la nueva dirección que Corin Tucker y Carrie Brownstein estaban tomando. Más claro echarle agua: para los fans, Sleater-Kinney nunca más sería lo mismo.

Con todo el peso de esos antecedentes, el noveno álbum de la banda se presenta desde el primer minuto con una propuesta mucho más arriesgada, abriendo con el track que da nombre al disco y que se construye pausadamente hasta llegar a un clímax que suena al Sleater-Kinney de siempre, pero claramente con matices que dan el paso a otros instrumentos. Siempre que se presenta una propuesta que tenderá a dividir a los fanáticos, esta avanza a paso lento, muchas veces poco firme, pero no queda duda de que este no es el caso, ya que la forma en que el álbum se va desentrañando a medida que avanza es de una manera segura, confiada de lo que está mostrando y estableciendo un parámetro muy importante: los cambios radicales no siempre tienen que ser malos. Y es que, seamos justos, el cambio acá no es algo tan espantoso como todos podrían imaginar (excepto tal vez por una canción tan fuera de lugar como “LOVE”), pero, independiente de que el álbum señale a gritos “producido por Annie Clark” en todos lados, eso no impide que entregue momentos de genialidad en su desarrollo.

Si hay que nombrar algunos de dichos momentos, canciones como “Reach Out” y “Bad Dance” juguetean con elementos típicos del trío de una manera actualizada y acorde a la totalidad del producto que ofrecen, reiterando la idea de que esta es una obra que sabe muy bien lo que está siendo, por ende, plantarle la etiqueta de “experimentación” no va mucho al caso cuando existe una coherencia en todo el proceso. Distintas señales se pueden tomar de cosas como la interpretación, la duración total del disco o lo limitado del recurso de dos voces con Brownstein y Tucker, que ha entregado momentos altísimos en la discografía de la banda, pero que ahora no está tan presente como muchos quisieran.

Ese tipo de cambios, que terminan por amplificar el espectro de interpretación de la banda para ocasiones en vivo, son parte de una panorámica mayor, donde es hora de que comencemos a plantearnos la necesidad de abordar estos procesos de cambios para los artistas, de esos que muchas veces leímos, pero pocas veces vivimos. Este álbum, dentro de todo lo que se pueda desprender de él, termina siendo el primer capítulo de una nueva saga que comienza a escribirse para el conjunto, coronándolo con una composición de aquellas, como “The Future Is Here”, cuyo mensaje es evidente frente al escepticismo de la fanaticada. La banda los necesita, el futuro ha llegado, y ya no hay vuelta atrás. Si “The Dog/The Body” es la escena final, entonces “Broken” es los créditos, en un movimiento que puede desconcertar a los fans, pero que exponen un cambio positivo que es muy difícil de negar.

Muchas veces solemos leer sobre tal o cual disco que cambió completamente la forma en que cierto artista hacía música, y esos procesos se estudian con mucha admiración, abordando los contextos que rodearon su creación o de cuán positiva fue la decisión de modificar algunos factores dentro de su interpretación. Cuando esos procesos se viven en tiempo real, la gente suele ser más injusta, despotricando incansablemente debido a una sociedad que muchas veces teme a los cambios, principalmente por el miedo natural que puede significar el salir de la zona de confort. Sleater-Kinney se atrevió, y apostó por seguir adelante y avanzar en la dirección que ellas sienten que es necesario. Podremos estar de acuerdo o no, pero finalmente el tiempo irá demostrando que este fue un punto de inflexión para una etapa diferente y, como todo inicio, podrá ir armándose en base a ensayo y error hasta equilibrarse en su totalidad. Es tiempo de avanzar, porque el futuro está aquí y ya no podemos volver.


Artista: Sleater-Kinney

Disco: The Center Won’t Hold

Duración: 36:10

Año: 2019

Sello: Mom + Pop


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The Avalanches – “We Will Always Love You”

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We Will Always Love You

Aunque la irresponsabilidad de quienes creen que la pandemia no ha terminado haga creer lo contrario, 2020 fue el año de los puentes cortados, de las relaciones a distancia, de la pérdida de habilidades comunicativas y/o emocionales que viene desde la conciencia extrema de lo dañino que es un contacto humano sin cuidado. Es una derrota muy profunda para la espontaneidad y sensaciones accesorias, como la euforia o la fluidez, y mucho tiene que ver la erradicación de las pistas de baile o los puntos de encuentro. Pero la música se encargó de, al menos, entregar cuotas sonoras que no dejen en el olvido que la humanidad se conecta desde lo consciente, y también desde lo inconsciente.

The Avalanches, casi en el cierre del año más duro para las sociedades contemporáneas en décadas, no sólo nos hace recordar las emociones de la compañía, sino que exalta el amor por esta mera posibilidad. En el tercer disco del ahora dúo australiano, “We Will Always Love You”, hay una exaltación de la vida y del acto de tener memoria desde, justamente, la creación de recuerdos. En la onda del pegoteo del samples, que los hizo mundialmente reconocidos con el precioso “Since I Left You” (2000), este trabajo fluye con maestría por los oscuros y psicodélicos pasillos que llevan de un ambiente al otro. Pero una novedad es que, para dotar de otra profundidad a sus canciones, muchísimos elementos que antes hubieran sido sampleados, ahora son interpretados específicamente para el disco, y así se da un listado ecléctico y brillante de colaboraciones, desde Rivers Cuomo hasta Pink Siifu, pasando por Perry Farrell, Blood Orange, MGMT, Johnny Marr, Karen O, Neneh Cherry o Leon Bridges.

En un año de muerte y vacío por doquier, no es extraño que el concepto que aterriza “We Will Always Love You” sea la muerte y el vacío que se puede sentir en el espacio exterior, pero en este caso con la esperanza contenida y eterna de un deseo cuya grabación lo hizo esperanza eterna. Ann Druyan, directora creativa del Voyager Golden Record, es quien aparece en la portada (imagen pasada por un espectrógrafo para volverla sonido, y luego volver a convertirla en una foto), e inspiró a la banda cuando supieron que los latidos grabados para esos vinilos dorados del Voyager fueron de ella, el día después de que Carl Sagan le propusiera matrimonio. Es ese anhelo de capturar un momento el que impulsa la luz que nunca deja de brillar en este disco.

No es el álbum más sencillo de escuchar, con la variedad que lo lleva desde lo abrasivo en “Until Daylight Comes” con Tricky, y luego, de inmediato, a la fiesta más carnal en “Wherever You Go”, donde hasta se mezcla “Magalenha” de Carlinhos Brown como si las fiestas de hace 20 años se materializaran en este espacio exterior. También existen secciones de transición y tracks que ayudan más a la narrativa del disco que a la canción en sí, como “Gold Sky” o “Born To Lose”, antes del gran final con “Music Is The Light”. Sin embargo, si hay algo que no tiene “We Will Always Love You” es la sensación de que hay rellenos innecesarios. Incluso los momentos débiles se ponen como parte de un disfrute colectivo, casi generando patrimonio desde el presente para su rescate en un futuro desconocido.

“Weightless” y el inquietante código binario que contiene ADN humano y de especies terrestres es la representación final de ese anhelo de trascendencia que tiene el disco o, mejor dicho, las emociones que busca resaltar. Si Ann Druyan buscaba rescatar los sonidos del planeta, The Avalanches quiere exaltar la vida y sus emociones en forma de canción, por si alguna vez se nos olvida en medio de tanta barbarie, tanto bárbaro, y tanta inhumanidad. En medio de momentos difíciles, el rescate de lo bello que es ser humano parece un esfuerzo de otra era, y calza muy bien que el resultado sea un disco que parece, en cada escucha, como el manifiesto de lo que puede ser un nuevo mundo.


Artista: The Avalanches

Disco: We Will Always Love You

Duración: 71:29

Año: 2020

Sello: Modular


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