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No Cities To Love No Cities To Love

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Sleater-Kinney – “No Cities To Love”

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El “disco de retorno” es un objeto cultural bastante prismático, que desde donde quiera que se le ilumine generará un espectro de resultados que son tan variados como coloridos. A veces, damos con los colores más bellos. Otras, simplemente con los más obvios; o las peores, con los más feos. Por ello es que hay mucho de riesgo cuando una banda indica que, tras volver a tocar en conjunto, sacarán un “disco de retorno”. De partida, ¿retorno a qué? ¿A escarbar en la nostalgia? ¿A repetir fórmulas para volver a lo básico? O tal vez la mejor opción: para ganar un sitial destacado en la música actual, tal como pasó en los tiempos dorados.

SLEATER-KINNEY 01Esta última opción la logran pocos artistas solistas, y pocas agrupaciones, principalmente porque la conjunción de factores para conseguir el éxito pleno de un disco de retorno es compleja. La química, la fuerza, el hambre de triunfo, tener algo que decir, decidir tirar de un mismo tren por un mismo riel al mismo tiempo. Y por ello es que “No Cities To Love”, el octavo disco de Sleater-Kinney, es tan fundamental y tan urgente de escuchar, diseccionar y disfrutar como toda su discografía. De hecho, “No Cities To Love” se instaló sin dudas como el primer, y tal vez más fuerte contendiente, a disco del año. Sí, en enero.

Es que lo que consigue Corin Tucker, Janet Weiss y Carrie Brownstein en este álbum es gigantesco. No sólo es imposible adivinar por el sonido de este disco que haya existido un bache de casi diez años en su historia, sino que también la energía desplegada es explosiva y llena de ganas, como si el trío estuviera re-debutando y sintieran que debían reclamar un lugar en el mundo. Una de las bandas más relevantes del rock norteamericano de las últimas décadas se puso la tarea de armar un disco prácticamente como si fueran debutantes. Lo mejor de todo es que lo logran, y este es uno de esos trabajos que no necesitan de contexto para ser comprendidos, como usualmente pasa con los discos de retorno. De hecho, ni siquiera merece ese apelativo, va más allá. “No Cities To Love” desafía al tiempo transcurrido y también a la necesidad del conocimiento previo de su trabajo.

SLEATER-KINNEY 02No es de extrañar que nos encontremos con un montón de gente que no haya escuchado antes a Sleater-Kinney y que ahora puedan convertirse en fanáticos. Aunque “The Woods” (2005), su disco anterior, era un gran disco y sus letras son las más profundas creadas por el trío, el sonido no era tan directo y urgente como ocurre en “No Cities To Love”. Lo mejor es que no retroceden un ápice en la crítica a grandes problemas de la sociedad contemporánea, como la relevancia excluyente del dinero (“Price Tag”), la dificultad de encontrar puntos de encuentro para los individuos (“No Cities To Love”) o la construcción errónea de referencias basales para las amistades (“Bury Our Friends”), todo esto con un sonido cargado de energía. Lo más interesante es que la perspectiva es absolutamente propia, sin buscar ser voces de una generación, sino que ser voz de sus pareceres, lo que deriva en algo mucho más genuino, honesto y humilde.

La batería de Janet Weiss está todo el tiempo al máximo, incluso en los matices más sencillos, en tanto que las guitarras de Carrie Brownstein y Corin Tucker se lucen con parte de los riffs más cargados de su historia. De hecho, el sonido es explosivo y catártico, pero al mismo tiempo todo está bajo control. Aunque la energía rememore al disco de una agrupación debutante, lo cierto es que la experiencia trasluce y da a entender que Sleater-Kinney debía volver a tener el hambre de antaño para sacar un disco digno de su historia, y lo logran con creces.

“No Cities To Love” es un disco urgente de escuchar y que toma tiempo de comprender en su totalidad. Como el sonido es tan directo y tan fácil de digerir, toma un montón de pasadas el llegar a SLEATER-KINNEY 03las profundidades de las capas de su sonido, o las letras, o el entendimiento de los espacios menos encendidos. Las armonías de canciones como “Surface Envy” son tan deliciosas como exigentes, y el cierre con “Fade” es el decantamiento perfecto de la sensación de liberación de energías, ira, alegría y urgencia que inundan a este, el octavo disco de la banda de Olympia.

Con “No Cities To Love”, Sleater-Kinney se ganará nuevos fans, reencantará a los antiguos, y también dice muchas cosas. De partida, dice presente, y nos devuelve a una de las principales bandas del rock independiente. También se instala con una voz que cualquiera puede tomarse porque, claro, el facilismo invita a mirar a S-K como una banda compuesta sólo por mujeres y ese filtro hace que nos fijemos en lo relevante de lo femenino y la voz de las mujeres en este álbum, pero eso sería injusto porque sería discriminación. Sleater-Kinney es una banda de rock, y punto, y como tal se dedica en su primer disco en casi una década a reclamar un lugar merecido con medio pie en el presente, medio pie en la energía adolescente, y un pie completo en el futuro que, como tal, luce brillante para el trío.


No Cities To LoveArtista: Sleater-Kinney

Disco: No Cities To Love

Duración: 32:17

Año: 2015

Sello: Sub Pop


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1 Comentario

1 Comentario

  1. Dj Loncho

    09-Abr-2015 en 5:45 pm

    Buen rock de estas minas de Seattle………

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Discos

Sufjan Stevens – “The Ascension”

Publicado

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The Ascension

Con cada disco, Sufjan Stevens pareciera ser un nuevo artista. Desde las complejas orquestaciones de “Illinois” (2005), el experimental y expansivo viaje de “The Age Of Adz” (2010), hasta el desgarrador “Carrie & Lowell” (2015), su discografía parece no tener brújula. Sin embargo, cada pieza es unida por el agudo sentido de percepción del cantante, que, con un trabajo de introspección y de mirada sustancial al estado del mundo, logra en “The Ascension” entregar un material crítico, angustioso e increíblemente necesario.

El disco comienza con un ultimátum. En su canción inicial, “Make Me An Offer I Cannot Refuse”, Sufjan le habla directamente a una de las presencias más regulares en su música: Dios, pero, de forma distinta que en su último material en solitario, su voz es ansiosa y demandante. El instrumental electrónico enfatiza el estado de crisis de la canción y los glitches electrizan la ambientación que estalla en un frenético outro. Lo anterior simboliza el ánimo presente en el disco, un símbolo de exclamación y un Stevens cansado de la falta de señales. “Muéstrame la gracia de un rey natural. Señor, necesito liberación”, exclama exhausto, comenzando con una catarsis.

Sufjan nunca ha temido sonar descorazonador en su música; de hecho, su LP de 2015 estaba lleno de devastadores golpes, sin embargo, el ambiente presente muestra una opacidad y un deprimente pesimismo, incluso cuando las melodías son curiosamente alegres. “Run Away With Me” es una oda –o crítica– al escapismo a través de la cultura pop. Una balada a su estilo, una inescapable referencia a Carly Rae Jepsen, mientras le implora a otro escaparse con él. Los versos están llenos de oscuras imágenes apocalípticas, pero el melódico coro conforta con su simpleza. “Video Game” es lo más cercano a una pieza pop en su catálogo, con una constante percusión acompañada de sintetizadores y sus vocales más rítmicas. Temáticamente, trata con la autovaloración lejos de los estándares actuales: “No quiero ser el centro del universo, no quiero ser parte de esa vergüenza”.

La experimentación electrónica del disco lo puede hacer parecer como un hermano de “The Age Of Adz”, y es que las sensaciones frenéticas están presentes en ambos. Pero la música en “The Ascension” es más pesada y agobiante; es un viaje por el camino más largo y complicado. Mientras que en el primero las orquestas añaden un aire fantástico, en el más reciente los arreglos industriales lo convierten en un incómodo experimento y un claustrofóbico compilado de sonidos que encuentra su purificación en cada corte. Esta ansiedad está plasmada en temas como “Lamentations”, donde su suave voz se abre paso entre un instrumental que funciona como la musicalización del futurismo, una crítica a un sistema sucumbiendo en el capitalismo. Misma energía se percibe en temas como “Ativan”, donde las esperanzas recaen solo en los antidepresivos que calman su ansiedad, o en “Gilgamesh”, basada en la épica homónima que, con sus arreglos en piano y constantes glitches, crean una desesperante sensación que agradece los momentos resplandecientes.

En su centro, el álbum lidia con la perdida de fe y hacia dónde mirar en momentos tan deprimentes. El primer sencillo, “America”, es un épico relato de 12 minutos sobre la caída de un imperio. El cantante ha utilizado representaciones estadounidenses como parte de su sello, como crítica y como oda, pero en este corte se distancia. Una canción de protesta contra la cultura estadounidense, haciendo paralelos con la traición de Judas a Jesucristo: “Te he amado como un sueño, he besado tus labios como un Judas en celo”, le canta al sueño americano. Percibe que su creador ha abandonado su país natal y le suplica: “No me hagas lo que le hiciste a América”. Pero el álbum encuentra su mayor punto en el tema titular, una representación musical del ascender, con la brillante voz del músico liderando la dulce melodía y emocionando con la catarsis que se percibe en sus tonalidades. Este es Sufjan en su máximo esplendor.

“The Ascension” es sin duda un difícil plato de digerir, un ansioso viaje de imágenes apocalípticas y sonidos claustrofóbicos, un desafío para quienes han seguido una volátil discografía. Sin embargo, entre tantos momentos de encierro y oscuridad, Sufjan Stevens sigue ofreciendo destellos de luz donde su pesimismo parece desaparecer por un segundo, y su melodiosa voz impulsa a seguir adelante.


Artista: Sufjan Stevens

Disco: The Ascension

Duración: 80:30

Año: 2020

Sello: Asthmatic Kitty


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