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Ska-P – 99%

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99% es el porcentaje de la humanidad que está sometida al otro 1%, y es precisamente esta evidente desigualdad la que motivó a los españoles de Ska-P a bautizar como “99%” su octavo álbum de estudio. “We are the 99%” es el lema utilizado por el movimiento Occupy Wall Street, el cual gráfica la impotencia del pueblo trabajador subordinado a las decisiones del 1% más rico. La placa está compuesta por 15 canciones con temáticas políticas y sociales, siendo la primera vez que los oriundos de Madrid incorporan tantos temas dentro de un disco, logrando –según declaraciones de la propia banda- hacer convivir en perfecta armonía toda la fuerza del rock, la agresividad del punk, la soltura del reggae y el dinámico ritmo del ska. El álbum fue producido por Tony López y será distribuido bajo la etiqueta Warner Music.

SKA-P 01El disco comienza con “Full Gas”, un tema de corte semi instrumental que de inmediato llena el ambiente de energía, asumiendo un rol protagónico el potente sonido de la batería y los característicos pasajes de viento. “Canto A La Rebelión” fue una de las primeras canciones que se dio a conocer y refleja a la perfección el estilo de los vallecanos, fundamentándose en una pegajosa melodía ska, plagada de vitalidad y matizada por la distintiva voz de Pulpul. Los ritmos acelerados se mantienen con “Ciudadano Papagayo”, en donde la guitarra de Joxemi aporta con tintes más rockeros. “Pandemias S.L” ofrece pasajes mucho más lúdicos y dinámicos, con interesantes cambios de ritmo y un atractivo estribillo.

El miedo es la principal temática de “Se Acabó”, tema que se mueve sobre un potente riff de percusión, con activa participación de las segundas voces y exquisitas ejecuciones de cuerdas. Las trompetas marcan el comienzo de la enérgica “Ska-Pa”, un corte que invita a saltar y liberar tensiones, impregnando cada pasaje con toda la influencia del ska. La intensidad de “Marinaleda” incrementa las revoluciones, incorporando leves matices de reggae, pero manteniéndose sobre una estructura ya probada. Un coro de niños ofrece la introducción de “Ali Babá”, uno de los temas más livianos del álbum, con instrumentos que no suenan tan potentes y donde sólo resalta el sonido de la trompeta. Con “Victoria” vuelve aparecer toda la fuerza de la batería de Luismi, con la intensidad de la guitarra en su máxima expresión y precisas apariciones de las teclas de Kogote. Los primeros pasajes de “Bajo Vigilancia” denotan un estilo más oscuro, que si bien es cierto no resalta por su velocidad, sí ofrece una melodía de corte más industrial, con preponderancia de los sonidos sintetizados.

SKA-P 02El sonido acústico de la guitarra se apodera de “Maquis”, una canción llena de sentimiento y profundidad, que sorpresivamente muta a una base rítmica mucho más poderosa, teniendo las cuerdas de Joxemi como principal aliado. El dinamismo se vuelve a hacer presente de la mano de “Oniomanos”, tema que fluye por un terreno ya conocido, sin arriesgar demasiado. En “¿Quiénes Sois?” se repite la fórmula de comenzar con sonidos más delicados para evolucionar a una batería que no para de golpear, un participativo teclado y una melodía que incentiva al mosh pit. “Radio Falacia” trae de vuelta el característico sonido del ska, con abundante instrumentación, un ritmo rápido y pasajes rebosantes de energía. El cierre del álbum corre por cuenta de “África Agónica”, una canción a medio tiempo cargada de melancolía y dolor, con elementos sensibles, y cuyo protagonismo es compartido por cada uno de los instrumentos, los que funcionan en perfecta sincronía estructurando el corte más hermoso de la placa.

Cuando hablamos de Ska-P la apuesta es casi segura, melodías dinámicas y pegajosas, con preponderancia del sonido ska por sobre otros matices musicales, y letras de corte revolucionario. En “99%” se mantiene la obviedad del mensaje contestatario y frontal, pero sin perder esa frescura y vitalidad que los vallecanos han acuñado durante poco menos de 20 años de trayectoria. Una exitosa fórmula, que lejos de aburrir, termina por encantar con cada nueva escucha, denotando que el paso del tiempo no es sinónimo de desgaste, sino de consagración.

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Triggerfinger – “Colossus”

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Colossus

Están por cumplir 20 años de carrera. Dos décadas que parecen mucho y poco al mismo tiempo. Triggerfinger es una banda que, con cinco discos a cuestas, nada tiene que demostrar y que, sin embargo, no ha logrado encontrar el punto de despegue para llegar a la cima y codearse con los más grandes de la escena (no siendo teloneros, claro está). Pero ¿qué los hace tan especiales? No son genios incomprendidos ni nada por el estilo; de hecho, su sonido es muy fácil de digerir, sin que ello implique falta de originalidad o de agudeza creativa.

El stoner rock y el rockabilly son los componentes que perfilan la fórmula de este power trio oriundo de Bélgica, siendo un buen punto de referencia la semejanza estilística que comparte con Queens Of The Stone Age: ambas agrupaciones nacieron por la misma época, tienen una estética retro, y las dos son insolentemente seductoras y onderas. Esto último evidenciado por sus respectivos frontman, ya que, así como Josh Homme posee un carisma desbordante, Ruben Block no se queda corto, derrochando presencia escénica por montones.

El post punk se hace presente en “Colossus”, canción que da el nombre a este álbum. Parte enérgico y crudo, con la particularidad de que acá intervienen dos bajos, uno de ellos afinado lo más agudo posible buscando reemplazar a la guitarra, tarea que estos belgas cumplen satisfactoriamente. “Flesh Tight” es de esos temas que de lejos se nota que son singles: cuenta con una estructura rítmica y melódica que la hace en extremo pegadiza, adicionada a la incorporación de un teclado que, en contraste con la sugerente voz de Block, da como resultado una pieza que deja un halo siniestro escondido bajo una atmósfera retro. Muy rocanrolero.

“Candy Killer” emerge misteriosa y parsimoniosa, como aquella tranquilidad que antecede a la tormenta. Inicia con la ejecución del bajo de Paul Van Bruystegem, la que, a modo cortina sonora, mantiene la tensión y dramatismo hasta el final. Con “Upstairs Box” se manifiesta una mezcla de arreglos sesenteros de dos vertientes: por un lado se distinguen articulaciones psicodélicas procedentes de la guitarra de Block, y por otro, Mario Goossens prolonga el ritmo con una percusión al más estilo pop de antaño, elementos que se combinan armoniosamente.

“Afterglow” logra evocar pasajes crepusculares, es una pieza principalmente acústica, que destaca por su sedosidad melódica y su final, donde se desarrolla un desgarrador solo de guitarra. Después de este paréntesis auditivo, la potencia nuevamente adquiere ventaja. “Breathlessness” emerge con un aire brit, lo que, expresado a través de las seis cuerdas de Block, recuerda al inconfundible sonido de Oasis. “That’ll Be The Day” es otro de los temas que encuentran su mejor desarrollo en el coro, donde la cadencia sonora se transforma en un quiebre para una composición que tiene una estructura en base a sintetizadores y percusiones que emulan sonidos industriales. Mientras tanto, el bajo sigue siendo el que marca la pauta a través de intensos riffs. “Bring Me Back A Live Wild One” tiene buen pulso, posee algo de blues y de rock & roll, pero en una medida que le permite conservar su carácter moderno.

“Steady Me” parece sacado de una colección de lados B, o al menos no parece encajar con el esquema propuesto en este LP, jugando con el tempo, con los arreglos vocales y con distorsiones sonoras, una buena amalgama de sonidos que, lejos de asustar, se transforma en una buena forma de acercarse al término de esta lista de tracks. Acá estamos ante un desenlace por partida doble. Por un lado, “Wollensak Walk” se presenta en una pieza instrumental de blues que logra evocar parajes desérticos tipo western. Simple, pero muy efectivo; al menos ese es el final lógico. Sin embargo, 20 segundos después emerge el remate oficial disfrazado de pista oculta en una apología a la música campirana del sur de EE.UU, curiosa elección viniendo de una banda europea. Es tan hermosamente inesperado como “Das Schützenfest” de Faith No More.

Este último lanzamiento mantiene la esencia que Triggerfinger ha venido cultivando desde su debut en 2004 con su producción homónima, no obstante, aquellas experimentaciones que plasman casi al final de esta placa sugieren que existe un deseo que los empuja a salir de su zona de confort. Deseo que podría impulsar o sepultar su carrera. Sin embargo, estamos ante un disco fresco y versátil, cualidades que están lejos de ser tan solo muestra de su potencial. Han demostrado que saben cómo construir atmósferas, pues la gama de estilos presentes se logra cocinar bien en esta obra, donde lo stoner, lo ochentero, lo psicodélico y la sensualidad de la voz de Block se entrelazan, dando como resultado a este gigante, este coloso.


Artista: TriggerfingerColossus

Disco: Colossus

Duración: 36:23

Año: 2017

Sello: Mascot Records


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