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Ska-P – 99%

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99% es el porcentaje de la humanidad que está sometida al otro 1%, y es precisamente esta evidente desigualdad la que motivó a los españoles de Ska-P a bautizar como “99%” su octavo álbum de estudio. “We are the 99%” es el lema utilizado por el movimiento Occupy Wall Street, el cual gráfica la impotencia del pueblo trabajador subordinado a las decisiones del 1% más rico. La placa está compuesta por 15 canciones con temáticas políticas y sociales, siendo la primera vez que los oriundos de Madrid incorporan tantos temas dentro de un disco, logrando –según declaraciones de la propia banda- hacer convivir en perfecta armonía toda la fuerza del rock, la agresividad del punk, la soltura del reggae y el dinámico ritmo del ska. El álbum fue producido por Tony López y será distribuido bajo la etiqueta Warner Music.

SKA-P 01El disco comienza con “Full Gas”, un tema de corte semi instrumental que de inmediato llena el ambiente de energía, asumiendo un rol protagónico el potente sonido de la batería y los característicos pasajes de viento. “Canto A La Rebelión” fue una de las primeras canciones que se dio a conocer y refleja a la perfección el estilo de los vallecanos, fundamentándose en una pegajosa melodía ska, plagada de vitalidad y matizada por la distintiva voz de Pulpul. Los ritmos acelerados se mantienen con “Ciudadano Papagayo”, en donde la guitarra de Joxemi aporta con tintes más rockeros. “Pandemias S.L” ofrece pasajes mucho más lúdicos y dinámicos, con interesantes cambios de ritmo y un atractivo estribillo.

El miedo es la principal temática de “Se Acabó”, tema que se mueve sobre un potente riff de percusión, con activa participación de las segundas voces y exquisitas ejecuciones de cuerdas. Las trompetas marcan el comienzo de la enérgica “Ska-Pa”, un corte que invita a saltar y liberar tensiones, impregnando cada pasaje con toda la influencia del ska. La intensidad de “Marinaleda” incrementa las revoluciones, incorporando leves matices de reggae, pero manteniéndose sobre una estructura ya probada. Un coro de niños ofrece la introducción de “Ali Babá”, uno de los temas más livianos del álbum, con instrumentos que no suenan tan potentes y donde sólo resalta el sonido de la trompeta. Con “Victoria” vuelve aparecer toda la fuerza de la batería de Luismi, con la intensidad de la guitarra en su máxima expresión y precisas apariciones de las teclas de Kogote. Los primeros pasajes de “Bajo Vigilancia” denotan un estilo más oscuro, que si bien es cierto no resalta por su velocidad, sí ofrece una melodía de corte más industrial, con preponderancia de los sonidos sintetizados.

SKA-P 02El sonido acústico de la guitarra se apodera de “Maquis”, una canción llena de sentimiento y profundidad, que sorpresivamente muta a una base rítmica mucho más poderosa, teniendo las cuerdas de Joxemi como principal aliado. El dinamismo se vuelve a hacer presente de la mano de “Oniomanos”, tema que fluye por un terreno ya conocido, sin arriesgar demasiado. En “¿Quiénes Sois?” se repite la fórmula de comenzar con sonidos más delicados para evolucionar a una batería que no para de golpear, un participativo teclado y una melodía que incentiva al mosh pit. “Radio Falacia” trae de vuelta el característico sonido del ska, con abundante instrumentación, un ritmo rápido y pasajes rebosantes de energía. El cierre del álbum corre por cuenta de “África Agónica”, una canción a medio tiempo cargada de melancolía y dolor, con elementos sensibles, y cuyo protagonismo es compartido por cada uno de los instrumentos, los que funcionan en perfecta sincronía estructurando el corte más hermoso de la placa.

Cuando hablamos de Ska-P la apuesta es casi segura, melodías dinámicas y pegajosas, con preponderancia del sonido ska por sobre otros matices musicales, y letras de corte revolucionario. En “99%” se mantiene la obviedad del mensaje contestatario y frontal, pero sin perder esa frescura y vitalidad que los vallecanos han acuñado durante poco menos de 20 años de trayectoria. Una exitosa fórmula, que lejos de aburrir, termina por encantar con cada nueva escucha, denotando que el paso del tiempo no es sinónimo de desgaste, sino de consagración.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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