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Drunk Tank Pink Drunk Tank Pink

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Shame – “Drunk Tank Pink”

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Adscritos dentro de la eterna obsesión por encontrar el relevo generacional del rock, Shame es una banda que despertó interés desde su enérgico debut. Hace tres años, “Songs Of Praise” (2018) se posicionó como un primer disco prometedor, donde el potencial letrista de Charlie Steen y el estilo de las guitaras en sus canciones articularon un proyecto con un sello británico incuestionable. Una agrupación llena de expectativas, que, pese a marcar un buen inicio, exigía un segundo álbum para confirmar sus verdaderas capacidades. Dicha espera concluye con “Drunk Tank Pink”, el nuevo trabajo de los londinenses, donde demuestran que el tiempo no ha pasado en vano.

Para esta segunda ocasión, Shame toma un camino más sobrio. Asistidos por el experimentado productor James Ford –partícipe de trabajos tan emblemáticos como “AM” de Arctic Monkeys–, la banda grabó en los afamados estudios La Frette de París, dando los primeros indicios de un resultado sólido y diferente. Tal como ilustra la portada, las melodías coloridas que acompañaron al debut se dejan de lado y el sonido se torna oscuro, intrincado y agresivo. Gran parte de esta nueva arista se debe al trabajo de los guitarristas Eddie Green y Sean Coyle-Smith, cuyos diálogos disonantes entregan un matiz más sombrío a las letras de Steen y a la percepción completa del álbum.

A modo de una transición paulatina, “Alphabet” guarda ciertas similitudes musicales con su predecesor “Songs Of Praise”, sin embargo, también asoman aquellos elementos nuevos que recuerdan a otras bandas de esta reciente camada post punk inglesa. Los esfuerzos por componer compases menos predecibles se evidencian en “Nigel Hitter”, donde la influencia de nombres como Gang Of Four resuena como un pilar fundamental en esta nueva propuesta. Pese a que el ingenio rítmico es una virtud transversal a lo largo del disco, la evolución lírica del frontman es el eslabón definitivo que le otorga a “Drunk Tank Pink” un valor de rotundo crecimiento.

Letras introspectivas y desbordantes de sentimientos intensos se desprenden de cada una de las canciones del álbum. “Born In Luton” y “Snow Day” son puntos álgidos de emotividad, reflejando la melancolía y la necesidad de aprender a convivir con uno mismo. De igual modo, “March Day” ofrece líneas tan sencillas como valiosas. Tal como dice Charlie Steen: “En mi cuarto, en mi vientre, es el único lugar donde encuentro paz”. El franco desamor queda al desnudo en “Water In The Well”, donde el soporte musical también da muestras de su calidad, reluciendo particularmente el desempeño de su baterista, Charlie Forbes.

Como punto de quiebre, “Human, For A Minute” le da un respiro a la agresividad sonora del disco sin abandonar la tónica de una honestidad brutal. La primera canción compuesta para este trabajo es la última pausa que se da la banda antes de soltar toda su visceralidad en un cierre magistral. “Great Dog” reitera la idea de renegar la naturaleza humana, mientras los ingleses conservan la estridencia a tope. Sin bajar un ápice, “6/1” presenta lo que puede ser uno de los puntos más altos de su repertorio; indudablemente una de las canciones que refleja de manera satisfactoria el progreso artístico de los londinenses. La extensa “Station Wagon” es la encargada de despedir una placa que no destiñe y mantiene el equilibrio en su potencia hasta el final.

Debido a la odiosa –aunque inevitable– comparación, el segundo disco suele ser un desafío mayor para bandas jóvenes. A pesar de que los integrantes de Shame comentan que no sintieron las presiones, la evolución integral es evidente en “Drunk Tank Pink”. La cohesión musical y sensibilidad poética dan cuenta del empeño por entregar una propuesta desafiante, consolidándolos y dejando abierto un camino interesante hacia un porvenir creativo.


Artista: Shame

Disco: Drunk Tank Pink

Duración: 41:35

Año: 2021

Sello: Dead Oceans


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Architects – “For Those That Wish To Exist”

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For Those That Wish To Exist

Tengo mucho que perder, pero no te mentiré”, es el inicio de la estrofa final del noveno disco de Architects, y es una frase que puede resumir bien el juego entre las expectativas y el trabajo detrás de una banda fundamental del crossover estilístico que muchas agrupaciones de metalcore han llevado en el último tiempo. Pasar de riffs pesados y voces entre el grito y la catarsis, hacia algo mucho más técnico y variado en los elementos a disposición, es un tránsito que bandas como Bring Me The Horizon también ha llevado –en su caso más al pop–, en cambio, Architects mantiene su pie firme en la épica de un rock más clásico, al que agregan otros elementos.

En medio de esos cambios, y de ese afán innovador, está claro que se puede perder mucho, e incluso puede derivar en malos entendidos, pero Architects no ha hecho más que permanecer verdadera consigo misma y con su abultada historia, llena de pérdidas, renacimientos y maduración. “For Those That Wish To Exist” (“Para Aquellos Que Desean Existir”) abandona a ratos los dolores internos e individuales para poner esa energía al servicio de lo colectivo. Las metáforas no operan como reflejo exclusivo del ser, sino también de dónde se vive, cómo se vive y dónde se vivirá. El cambio climático, sin ser explícito, se posa como bruma en verano sobre la luminosidad de un disco donde la energía contagia y hace conexiones con la audiencia.

“Impermanence”, “Black Lungs” o “Animals” mantienen el peso de los riffs como una necesidad para expresar poder, en tanto que “Dead Butterflies” o “Flight Without Feathers” se disponen desde un tono más de balada (sin serlo) para matizar las emociones. Es esa dualidad entre potencia y emoción la que sigue siendo el elemento identificatorio de Architects, junto a la precisión clínica de la inclusión de sonoridades diferentes. No se encuentra en este disco –o en los de la década pasada– inconsistencia o espacios sin intención, todo está para expresar algo, en este caso la dificultad del equilibrio entre el acto de tener esperanza, el apocalipsis inminente y los cuestionamientos que cada uno tiene sobre sí mismo y –esto es lo más nuevo– la sociedad en la que se vive y los afectos que se tienen.

Por ello, probablemente el cierre del disco pega tan fuerte. “Meteor” tiene una dinámica demoledora, que resquebraja las dinámicas actuales apelando al uso de combustible o a la cuarentena, o la incapacidad de ver más allá de falsos líderes y cómo ello ciega respecto a los peligros que realmente pueden significar el final. Es una invitación a tener los ojos abiertos, mientras que el último track, “Dying Is Absolutely Safe”, explica que el final es parte del camino con un cierre estremecedor: “Mi triste y distante amado, algún día moriré por ti / y nadaré en dulce serenidad porque la muerte no es mi enemiga”.

Otro simbolismo usado en varias canciones es el de las palomas y los cuervos, clásicos emblemas de la vida o la paz, y de la muerte o lo oscuro, respectivamente. La dualidad se vive en “For Those That Wish To Exist”, un disco cuyos acentos hacen más profundos sus énfasis, desde lo sonoro y desde los espíritus encarnados por el vocalista Sam Carter, que muestra su rango más que nunca. Este tipo de emoción es abundante y oculta un poco el vacío existencial que disputa terreno a lo largo de los 15 tracks, a veces muy vasto, pero que jamás se convierte en un agujero negro para un álbum cuyo legado es elevar la retórica de Architects y, además, hacerlo sin autoplagios o condescendencias, sino con verdadera sangre, fortaleza y vulnerabilidad.


Artista: Architects

Disco: For Those That Wish To Exist

Duración: 58:21

Año: 2021

Sello: Epitaph


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