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Sepultura – “Quadra”

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Con más de tres décadas de historia y establecidos como referentes a nivel mundial, Sepultura continúa siendo una máquina imparable de material discográfico y giras alrededor del globo. Pese a la constante polémica por su formación actual y por el trabajo discográfico posterior a “Roots” (1996), el cual se mantiene sujeto a comparaciones con sus publicaciones de finales de los ochenta e inicios de los noventa, la nostalgia que impulsa esta animosidad no significa un obstáculo en la constancia de la banda, y sobre todo de Andreas Kisser, miembro más antiguo junto a Paulo Jr., quienes estuvieron presentes en la formación y desarrollo del sonido de la insigne agrupación, plasmando con efectividad una continuidad en sus carreras sin renegar su legado, pero expandiéndose sin que este fuera una carga limitante.

Cada álbum representa una vitrina hacia el momento en que se encuentre viviendo una agrupación, y “Quadra” es una potente muestra de la fortaleza y convicción que se mantiene revitalizada en sus músicos. Cómo columna vertebral, Eloy Casagrande ejecuta un brutal trabajo, desbordante de variaciones en tiempo y una combustible descarga que se alza como una de las dimensiones más notables del opus. Canciones como “Last Time” y “Ali” son muestras del innegable talento de Casagrande. En su anterior entrega, “Machine Messiah” (2017), su debut con los originarios de Brasil mostró un despliegue correcto, que no bajaba el nivel sonoro alcanzado. Pero la ambiciosa propuesta exige elevar la apuesta, y lo conseguido es un dominio de la esencia resiliente de esta etapa de Sepultura.

En el apartado vocal, Derrick Green no goza de popularidad frente al cuestionamiento obstinado y, sin haber caído en un moldeamiento, se erige como un feroz frontman, influenciado de la corriente más hardcore, la que no se aleja del sonido ligado al thrash metal de la anterior década, y Green resulta versátil. Su explosivo paso por la primera parte de “Quadra” no decae en agresividad, como en “Guardians Of Earth”, donde se apoya de los letales riffs de cuerdas, y también de los momentos más mesurados. La impecable muestra rítmica es un hilo conductor y construye una experiencia completa durante el transcurso de la escucha, y los espacios acústicos cumplen en la fluctuación de las capas de “Quadra”, complementados con la rica influencia tribal y sello de los compositores.

Por momentos, Kisser y compañía demuestran algún homenaje a sus inmortales obras. “The Pentagram” es inyectada con la consciencia en seguir creando material que no reemplace lo armado, sino que continúe la mejora de la calidad en sonido y en aspectos compositivos, no resulta engreído al hacer una revisión de discos como “Arise” (1991) o “Beneath The Remains” (1989), ya que forman parte del ADN de Sepultura, tanto como creadores y seres que se influencian por una herencia que debe mantenerse libre de culpas o deudas.

No se trata de una banda distinta, sino de quienes enfrentaron dificultades con la recepción de su postura de continuar con cambios radicales que podían gatillar un final. De quienes no se rinden y a pulso concretan un nuevo disco de alta factura, que puede validarse por sí mismo en su potencia y estructura con un renovado sello. Frente a la falta de respaldo, la tenacidad aflora como una característica de los grandes, y con “Quadra” Sepultura lo sigue demostrando.


Artista: Sepultura

Disco: Quadra

Duración: 51:14

Año: 2020

Sello: Nuclear Blast


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1 Comentario

1 Comentario

  1. Tu padre.

    02-Mar-2020 en 9:42 pm

    Los Cavalera Conspiracy y Sepultura tienen un beef que se pone mejor en cada disco y ya no es en entrevistas.

    Psychosis fue un atropello a la discografía de Sepultura con Kisser al mando y a la vez una forma de recuperar la esencia de ese sonido Trash de antaño. (Recordemos que el disco lo hicieron después de las giras de Roots y Beneath The Arise y la de Nailbomb, hay todo un tema legal detrás… )

    Y ahora, el intro ridículo de Quadra es un trolleo a Mixhell y su rollo electro y a la vez una respuesta al trash de Psychosis, aunque a medida que avanza el disco toma otro rumbo. En fin, todo esto me parece simplemente genial.

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Phoebe Bridgers – “Punisher”

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Punisher

En tiempos de pandemia se idealiza la experiencia de la música en vivo, y se extraña, por supuesto, como la cultura, las artes y el encuentro social, pero no se pueden olvidar las trabas para disfrutar cualquier concierto. La más fácil de ocurrir es cuando alguien habla interviniendo la atención en el show, algo para lo que los gringos tienen un término, un “punisher” (castigador), y ese es el concepto que titula la segunda entrega como solista de Phoebe Bridgers, en una especie de declaración de intenciones frente a cualquier síndrome del impostor o posible relajo. Es que la artista, pese a lo activa y reconocida en el mundo del indie, no se sacude nunca la curiosidad de escribir canciones, y es esa ruta la que cómodamente sigue en “Punisher”, el disco.

Hay trampas en el camino de este trabajo que hacen creer que es algo que no es. Sí, la producción es prístina, con un rango emocional desde lo acogedor hacia lo aterrador y hay sonidos diferentes en varios pasajes, pero el fruto no está tan lejos del árbol, y detrás de cualquier artilugio está la solidez de la construcción de canciones que Bridgers vuelve únicas y precisas para sí misma. Ejercicios como Boygenius (con Julien Baker y Lucy Dacus) o Better Oblivion Community Center (con Conor Oberst) no sólo sirvieron para manejar más herramientas en la creación, sino para ensayar un sentido de la colaboración que opera como arma secreta en “Punisher”, con nombres como Dacus, Oberst y muchos más como parte de los créditos de un álbum donde, además, ella tomó la producción junto a Tony Berg y Ethan Gruska, tal como “Stranger In The Alps” (2017).

Desde el comienzo se nota que ese es el desafío más grande para Phoebe, quien escribe y narra desde la perspectiva del temor al apocalipsis, a perder la capacidad de tener una vida personal, o también a convertirse en esa punisher que tanto detesta con el mismísimo Elliott Smith, pero que encuentra en la producción la posibilidad de ahondar más en los sentimientos e historias. Sin eso, el efecto de “Savior Complex” no sería el mismo, por ejemplo, desde una canción que irrumpe con mucha belleza, pero cuyo hálito nostálgico viene desde las decisiones de producción, o en preceder a la loopeada “Garden Song” con “DVD Menu”, track ambiental que samplea “You Missed My Heart”, tema que cerraba su disco anterior, que resulta algo aterrador, posicionando una atmósfera completamente distinta respecto a las canciones.

La canción más tradicional del lote resulta “Kyoto”, que funciona como single y también como parte de las explosiones controladas en el disco. “Te voy a matar / Si no me ganas”, versa una canción que habla de cómo se puede llegar a odiar incluso lo que se ama, hasta la capacidad de sorprenderse. La siguiente es la suerte de homenaje a Elliott Smith, que es el track que nombra al disco, donde ella sabe bien que, si lo hubiera conocido, era demasiado fan para caerle bien o cultivar una buena conversación.

Los mejores pasajes en escritura vienen cerca del final, con la tierna y desgarradora “Graceland Too”, donde se pone en el lugar de quien apoya a alguien con sensaciones de autodestrucción con sustancias o tendencias suicidas, y lo difícil que es el acto de estar ahí. Y el cierre épico con “I Know The End” expresa cómo todo puede acabarse, y está bien que sea así. La canción empieza con trazos melódicos similares a los esbozados en “DVD Menu” para luego decantar en un espíritu más que una melodía, mezclándose de forma efectiva con líricas descriptivas para un viaje extenso, de esos que miran hacia el interior, entre parajes gigantes y vías angostas. Al final, una catarsis que se aguantó durante el álbum completo, tan de contención y de honestidad seca, que es inevitable asociarla con los tiempos que se viven.

Sí, se extrañan los conciertos en vivo, se aborrece a la misma gente de siempre que los arruina, pero también se extraña esa posibilidad de explotar, en oído, voz y sentidos, en emociones y en las entrañas. “Punisher” presenta excelentes canciones, pero, más allá de lo obvio, termina presentando un espejo para darse palmadas en la espalda y creer por cuarenta minutos que lo que está mal con el mundo no es uno, no es la gente que uno conoce, ni tampoco un virus, sino que un universo que no se puede controlar, aunque al menos se puede evadir en cierta medida. Un disco fundamental para sobrevivir a un año de plagas y apocalipsis personales.


Artista: Phoebe Bridgers

Disco: Punisher

Duración: 40:37

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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