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Sepultura – “Machine Messiah”

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El pasado casi siempre es recursivo. Al contrario de lo que se puede suponer, lo que hicimos y lo que vivimos vuelve al presente y se proyecta al futuro, como una sombra imperecedera imposible de sacudir. Cuando aquel pretérito es oscuro o mediocre, la más mínima acción positiva presente se torna como un símbolo de evolución y mejora. Por el contrario, cuando es demasiado bueno, el pasado se erige como una vara con la cual se medirá el estado actual de nuestras realizaciones, y las mismas acciones positivas serán insuficientes y se creará un halo de insignificancia, por más que aquellas sean objetivamente notables.

Lo anterior es cien por ciento aplicable a Sepultura y su último disco, “Machine Messiah”: por más que se diga que es uno de los álbumes más sólidos de este último tiempo en el alicaído mundo del metal, estará condenado a vivir en la sombra del pasado de los brasileños. Aun reconociendo que por mero contexto no causará el impacto de obras como “Chaos A.D.” (1993), “Arise” (1991) o “Beneath The Remains” (1989), decir que en el plano técnico no tiene nada que envidiar a estas sería un sacrilegio para los ortodoxos que estiman que la banda murió con la salida de Max Cavalera. Pero lo concreto es que “Machine Messiah” es eso, un esfuerzo sólido, desbordante de calidad y con una interesante propuesta de amalgamas sonoros que, si bien no conllevan necesariamente un elemento de novedad, ciertamente son un aporte para la esforzada renovación del metal más duro.

Ya el comienzo con la canción homónima sienta un precedente en orden a que la apuesta de Kisser y compañía va por el lado de lograr un crisol con los mejores elementos pesados: un riff oscuro y denso, recordando pasajes de “My Dying Bride” o “Paradise Lost”, que finalmente estallan a través de la garganta de Derrick Green, quien en todo momento realiza un trabajo más que correcto, fórmula que se repite en su esencia al cierre con “Cyber God”; a su vez, “Phantom Self” juega con aquellos elementos también, pero en una veta distinta y ciertamente influida por el productor Jens Bogren, quien se tomó de su trabajo con los israelíes de Orphaned Land para dotar a este corte de sonidos extraídos del medio oriente, logrando una interesante amalgama con la filosa guitarra de los brasileños. Otro tema que destaca en demasía por estas mismas características es “Sworn Oath”, en donde el groove campea sobre una base de batería y bajo machacantes, y que encuentran su pausa y profundidad en los arreglos y en los solos de un Andreas Kisser inspirado en cada segundo.

Notable es el trabajo de la batería. El integrante más nuevo, Eloy Casagrande, sin duda ha dado con la nota brutal y tribal clásica de Sepultura, lo cual se intensifica en temas duros como “Resistant Parasites”, “I Am The Enemy” o en las sorprendentes “Vandals Nest” y “Silent Violence”. En estas últimas, particularmente, existe una reminiscencia muy positiva al death metal de comienzos de los noventa, tributando de bandas como Sadus o Death en los tiempos de “Spiritual Healing”, lo que no lleva a concluir más que esta versión de la banda recoge todos los elementos a su disposición para hace un collage compositivo que da texturas distintas a la brutalidad. Lo dicho precedentemente se intensifica en un tema que es angular en la construcción de este “Machine Messiah”: el instrumental “Iceberg Dances”, una apuesta temeraria, pero que conjuga de manera sobresaliente la improvisación con el cálculo, dejando espacios de tiempo en donde a ratos la guitarra clásica, los tambores y el órgano adquieren protagonismo, para luego cederlo a la distorsión y la técnica de las seis cuerdas, en una mezcolanza que suena natural y correcta, como todo el álbum.

Y así, este decimocuarto álbum de Sepultura es un esfuerzo exuberante de calidad, sin ningún segundo de desperdicio, pero que lamentablemente por la sombra de lo que alguna vez fue e impactó, no tendrá la relevancia que quizás merece. Esto no será culpa de la banda, ni tampoco de los fans o el círculo metalero, sino que es sólo una muestra más de que la música, como todo en la vida, tiene un contexto que determina la relevancia de las cosas y muchas veces esta no se condice con la calidad o el mérito.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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