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Savages – Silence Yourself

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“El mundo era silencioso. Ahora tiene demasiadas voces. Y el ruido es una distracción constante”. Estas son las primeras cuatro líneas del manifiesto que ponen las inglesas Savages en la portada de su álbum debut, “Silence Yourself”. Sí, un manifiesto en 2013, un año donde pareciera que las cosas importantes se dicen sólo en la política más evidente, y que el resto hiciera material para entretenernos, o para darse mensajes a sí mismos, o simplemente por el ideal de hacer arte y punto. Pero Savages quiere volver a los grandes conceptos, a denotar la relevancia de los propios discursos para la música y, más importante, no dejar que su mensaje llegue a sus receptores con cualquier tipo de ruido. Es en este trance y con estos elementos a su alrededor que “Silence Yourself” se erige como un disco fundamental de este año, quizás más que ningún otro, por su mera capacidad de devolverle SAVAGES 01a la música su trascendencia moral, ética y humana. Lo mejor de todo es que se hace de forma directa, potente y lo hacen cuatro mujeres con más cojones que muchos machos recios que prefieren hablar de sus problemas antes que instalarse con importancia sobre el resto de las cosas.

Savages tiene la ambición de las bandas de antes, y el look y postura de su frontwoman, la francesa Jehnny Beth, le ha recordado a muchos a Ian Curtis, el fenecido emblema de Joy Division, o la potencia de la interpretación vocal de Siouxsie Sioux, y la banda en sí ha sido comparada con los rostros del post-punk, tales como Gang Of Four o Magazine. Quizás ellas son reflejos de estas influencias, pero lo que las hace únicas es el arrojo y la seriedad con la que se toman el hacer música. Es raro que exista una foto sonriendo de alguna de las cuatro integrantes de Savages, y no es necesario que lo hagan. Su personaje transversal se caracteriza por la seriedad y la urgencia con la que entregan su música.

Parte de esos deberes se refleja en que al disco no le sobra nada. Su parquedad y minimalismo es un indicador de cuán desarrolladas se encuentran las composiciones, al punto de que los coros se caracterizan por usar una palabra o frase de forma repetitiva, como “I Am Here” o “Husbands”. Pero también se trata de no guardarse nada, como la afilada guitarra de Gemma Thompson, en el mejor riff de lo que va del año, en la potente “She Will”, o la batería de Faye Milton cayendo crecientemente como una aplanadora en la ya mencionada “I Am Here”. Pero todo inicia con “Shut Up”, canción que parte con un excerpt de “Opening Night”, película de John Cassavetes, otro de esos artistas a los que parecía no sobrarles nada. Y desde ese interrogatorio que parte desde la pregunta “¿Cuántos años SAVAGES 02tienes?” y la tensión en la falta de una respuesta, y después del descreimiento ante las respuestas, esa tensión se desencadena en “Shut Up”, dominada por la armonía entre las figuras de bajo y guitarra.

La oscuridad resulta natural, de frente, al borde de lo inevitable, siempre generando recovecos en los que se cuela el misterio y la seducción de una propuesta que es tan rockera como bailable. Allí caen paradas las comparaciones con Joy Division, otra banda donde el bajo definía mucho en la dinámica de las canciones. Pero acá la energía no se basa en letras de lamentos o de descontento, sino que todo se trata de la inquisición a la naturaleza humana y la identidad (“No Face”), la espera por algún indicio, por algo (“Waiting For A Sign”) o lo asfixiante que resultan las comparaciones en todo orden (“City’s Full”).

La cumbre del álbum probablemente sea “She Will”, que viene después de esa inquietante pausa que representa el instrumental “Dead Nature”. En esa canción no sólo tenemos a Jehnny Beth interpretando de forma impecable, sino que haciéndose cargo de conducir a una banda cuya mejor faceta se da en la explosión de los sonidos en la forma más expansiva que se pueda. Así, el minuto final de “She Will” es una total catarsis, donde desde la guitarra de Thompson irrumpe el bajo de Ayse Hassan, potente e inclemente, y de ahí la batería de Milton culmina un in crescendo sin misericordia.

La propia Jehnny tiene su propia explosión en “Husbands”, donde en los coros muestra su lado más animal y bestial con inesperada naturalidad. Y es que la frontwoman es consciente del terreno que pisa. Tiene su propio sello (Pop Noire); una relación de más de una década con su amor de juventud; apuesta por la relevancia del arte en todas sus expresiones; es fanática devota de Joy Division; y pese a toda su furia, sigue dándose maña de llevar zapatos de diseñador en el escenario, con total gracia y (repetimos el término) naturalidad. Lo que hablemos de Jehnny Beth, de verdad es aplicable a todas SAVAGES 03las miembros de la banda, porque todas tienen un estilo particular, pero lo interesante es que, aunque los manifiestos y la estética en blanco y negro sean aparentemente mecanismos llenos de ambición y demasiada autoconsciencia en lo que se hace, la invitación al silencio para escuchar es lo primordial aquí. No por nada en sus conciertos hacen la petición expresa de que nadie saque fotos o grabé con teléfonos, dado que también la interacción persona a persona debe restablecerse.

Finalmente, llega más lento, pausado, pero igualmente potente y coherente el track final, “Marshal Dear”, que hasta incluye un clarinete, pero que no abandona el camino visceral y constantemente inquisidor de este, quizás uno de los debuts más potentes del año. Lo más relevante es que no sólo debutan con un disco sólido en materia compositiva o sonora, sino que también tratan de devolverle los principios y la moral artística a la música. En una época donde todo apunta a la tecnología y los dispositivos, finalmente alguien trata de que nuevamente la música, su creación y admiración, sea cosa de humanos, y para ello primero hay que silenciar las voces internas, y así escuchar fuerte y claro. Y vaya que Savages suena fuerte y claro.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Claudio Espinoza

    03-Oct-2013 en 12:44 pm

    Uno de los mejores discos que he escuchado este año. Son 11 potentes mazazos directo a tu cabeza.
    Joy Division + Siouxsie & The Banshees = SAVAGES

    Espectacular

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James Dean Bradfield – “EVEN IN EXILE”

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EVEN IN EXILE

A veces pareciera que la figura de Víctor Jara irrumpe mucho más potentemente en el extranjero que en nuestro país, esto porque, si bien es considerado un ícono de nuestra historia musical y cultural, el inmenso legado que dejó como activista trascendió las barreras incluso del idioma. Bajo este contexto, no resultaría tan extraño que un artista como James Dean Bradfield, acostumbrado a un rock de guitarras más convencionales en Manic Street Preachers, decidiera concentrarse en la vida y obra del hombre de “Manifiesto” para entregar “EVEN IN EXILE”, un trabajo que, mediante 11 composiciones, aborda diferentes episodios de Jara y su inmenso legado.

En poco más de 48 minutos, el artista entrega una colección de canciones recopilando distintos pasajes de la vida de Jara, mostrando su inmensa capacidad como compositor con diversos elementos sacados del pop, el rock progresivo, e incluso la música latinoamericana, descifrando diversos mensajes en una clave fresca y bastante radial para tratarse de un álbum conceptual. Dicho eso, basta sólo el inicio con “RECUERDA” para ir comprendiendo las diversas postales de la historia chilena que Bradfield entrega desde el arranque, con “THE BOY FROM THE PLANTATION”, el single principal del LP, introduciéndonos al viaje que nos contará la historia de Víctor Lidio Jara Martínez.

Todos los elementos sonoros que James incorporó en el desarrollo de “EVEN IN EXILE” se funden en una obra que permite analizar una mirada externa de una figura tan importante como la de Víctor Jara, todo esto gracias a las sublimes palabras del poeta galés Patrick Jones, quien es el encargado de cada uno de los poemas musicalizados en este trabajo. Desde ahí radica cómo un disco en homenaje a la figura de Jara puede transformarse a la vez en un detallado ejercicio de su música y legado, sobre todo abordando la importancia que tuvieron en la vida del intérprete personas como su madre Amanda Martínez, su esposa Joan Jara o la influencia de Violeta Parra, todas ellas encontrando su momento en el disco para abordar dichos lazos, como en “UNDER THE MIMOSA TREE”, “FROM THE HANDS OF VIOLETA” o “WITHOUT KNOWING THE END (JOAN’S SONG)”, completamente dedicada a la viuda de Víctor.

Por supuesto que otros hitos del período más complejo de nuestro país también se hacen presente en varios tracks, desde la desolación de “THERE’LL COME A WAR” o la profunda inmersión en el relato que logra “SEEKING THE ROOM WITH THE THREE WINDOWS”. Asimismo, “LA PARTIDA”, una canción donde lo primero que uno podría identificar es la vibra del italiano Alessandro Alessandroni, se centra en las viudas de los Detenidos Desaparecidos y su incansable búsqueda por el desierto de Atacama, fundiendo la historia hacia “THE LAST SONG”, en la que, mediante una indudable sensación de derrota, Bradfield narra una prosa que bien representa los últimos días de Jara, así como los del presidente Salvador Allende.

Las canciones de Jara seguirán sonando siempre, incluso para las nuevas y futuras generaciones, pero nunca es tarde para reflexionar en el sentido de cómo su obra ha sido tan relevante incluso, en lugares tan lejanos como Europa. “No hay ningún cantante de protesta como él”, ha dicho Bradfield en reiteradas ocasiones, y evidentemente tanto él como Patrick Jones lo comprendieron muy bien, abriendo así una puerta a que el legado de Víctor llegue a influenciar aún más gracias a este documento de historia viva, de palabras que cobran una fuerza por sobre el recuerdo de un artista excepcional, donde de alguna u otra forma su influencia se sentirá en cada cantar que vaya desde el corazón. “Ahí donde llega todo, y donde todo comienza. Canto que ha sido valiente, siempre será canción nueva”.


Artista: James Dean Bradfield

Disco: EVEN IN EXILE

Duración: 48:20

Año: 2020

Sello: MontyRay


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