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Royal Blood – “How Did We Get So Dark?”

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La última joya del rock inglés se llama Royal Blood, y la prensa internacional se rindió ante su irrupción, ganándose rápidamente un nombre en la industria. Su disco debut homónimo tuvo tanta repercusión, que incluso Jimmy Page les dio su bendición, catalogando su música como “lava saliendo de un volcán”. Y es que el dúo no necesita más que un bajo y una batería para crear una buena dosis de rock crudo y cargado de riffs memorables, y así hacer retumbar cualquier escenario al que se suban.

La presión por hacer un segundo álbum que estuviese a la altura del debut no era obra sencilla de realizar, y si a eso le agregamos la fuerte ansiedad –o hype– que se generó previo al lanzamiento, parecía que “How Did We Get So Dark?” iba a tener una tarea titánica. Sin embargo, los ingleses logran salir adelante sin grandes complicaciones, conservando parte de los elementos que les proporcionaron el éxito de su primera placa. El comienzo con la canción homónima es una gran apertura, llena de fuerza y riffs apabullantes, que permiten colocarse en sintonía rápidamente. Lo mismo ocurre con “Lights Out”, primer single de esta producción, donde los matices de Ben Thatcher en batería destacan de manera sobresaliente. Los ritmos más bailables salen a la luz con “I Only Lie When I Love You”, los que hacen una canción entretenida, pero que de todas formas dejan un gusto a poco. Caso similar ocurre con “She’s Creeping”, que pareciera buscar un sonido más digerible, pero que a fin de cuentas no convence.

En esta nueva producción se nota un sonido más trabajado por parte del dúo, en el sentido que prima más la utilización de la variedad de recursos y matices antes que la crudeza, lo que hace que este trabajo se sienta menos pesado y descontrolado que el anterior, y eso se extraña en algunos momentos. Lo bueno vuelve de la mano de “Look Like You Know” y “Where Are You Now?”, donde los oriundos de Brighton repiten de manual la fórmula utilizada en “Royal Blood” (2014), creando canciones con fuerza, llenas de matices y mucho groove.

Probablemente con “Don’t Tell” y “Hook, Line & Sinker” es donde mejor se siente la intención de Kerr y Thatcher de dar el siguiente paso en la evolución de su sonido. Ambas exploran distintos pasajes, desde momentos más tranquilos hasta una intensidad muy trabajada, la que logran cautivar de muy buena manera. Con “Hole In Your Heart” las cosas comienzan perder los estribos, pero en el buen sentido: crean una atmósfera tranquila, pero algo oscura, que se intensifica radicalmente a medida que pasan los segundos, recuperando esas bases más pesadas que se echaban de menos y logrando así el mejor momento de todo el álbum. Cerrando esta placa, “Sleep” es un mid-tempo lleno de grandes riffs cortesía de Mike Kerr, donde además hay una cuota de sensualidad que engrandece aún más en este cierre redondo.

No es nada fácil escribir el siguiente capítulo de una historia cuando una banda tiene un disco debut tan poderoso, donde los fanáticos y la industria caen rendidos a sus pies. “How Did We Get So Dark?” pasa esta prueba, quizás no al nivel de su predecesor, pero rescatando sus elementos esenciales y creando un puñado de canciones más orientadas a ser hits radiales que pasajes más crudos y pesados, en donde también se siente más que nunca la influencia de bandas como Queens Of The Stone Age o The White Stripes. Royal Blood sigue demostrando que su éxito no es un mero golpe de suerte, sino que una propuesta muy trabajada, en un espacio donde muchos verían muy limitadas sus posibilidades de escribir música, sin embargo, se las arreglan para volverlas infinitas y entregar una inyección cargada de buen rock y actitud.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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