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Time Will Die And Love Will Bury It Time Will Die And Love Will Bury It

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Rolo Tomassi – “Time Will Die And Love Will Bury It”

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Pensar en la música inglesa, o británica en general, para muchos puede estar relacionado con un sencillo pero sofisticado sentido de lo melódico, dados los últimos grandes nombres que han surgido de las islas europeas. Por otro lado, no podemos olvidar la enorme tradición progresiva, metalera y punk presente en dichas latitudes. En un esfuerzo casi infrahumano, Rolo Tomassi es una banda que de alguna forma logra la comunión de todas estas vertientes de la música popular, entregando como resultado algo simplemente sorprendente. Catalogados como metal experimental, la banda liderada por los hermanos Eva y James Spence –y emblemas del sello independiente Holy Roar Records– regresa con su quinto álbum, el cual viene a consolidar su ambiciosa propuesta.

De forma inaugural nos encontramos con los titileos sonoros de “Towards Dawn”, una detallista y delicada pieza instrumental que deriva en “Aftermath”, en donde somos abatidos plácidamente por la dulzura vocal de Eva. Si nos quedáramos sólo con eso, seríamos testigos de una novedosa faceta radial de la banda. No es hasta el tema “Rituals” que nos encontramos con lo que han venido desarrollando en sus trece años de carrera: riffs devastadores, beats caóticos y cantos demoniacos, acompañados de armónicos arreglos de teclado. Cátedra de aquello es “The Hollow Hour”, un extenso y complejo movimiento donde aflora toda la destreza técnica de los instrumentistas del grupo. Los constantes cambios entre pasajes demoledores y angelicales de gran carga melódica, hacen de este uno de los mejores momentos del “Time Will Die And Love Will Bury It”.

“Balancing The Dark”, uno de los adelantos del LP, nos ofrece una interesante introducción que incorpora elementos de jazz acechado por inquietantes sintetizadores, lo que explota en la brutalidad metalcore que acostumbra a desarrollar la banda. A continuación, la versátil rítmica y complejidad melódica de “Alma Mater” nos recuerda por qué Rolo Tomassi se convirtió en uno de los apadrinados predilectos de uno de los grandes emblemas del mathcore, The Dillinger Escape Plan. Hay que destacar aquí el trabajo realizado por el resto de la banda: Chris Cayford (guitarra), Nathan Fairweather (bajo) y Tom Pitts (batería). Con “A Flood Of Light” volvemos a navegar a través de las sonoridades más experimentales de la agrupación; como si tanta luz nos asfixiara, las atmósferas tenues se vuelven tétricas y sin piedad.

La bestialidad regresa en “Whispers Among Us”, donde los cantos guturales de los hermanos Spence se complementan a la perfección sobre el denso acompañamiento instrumental. Es el momento más sombrío y desolador del álbum, sobre todo cuando el canto vuelve a tonalidades humanas. Por su parte, “Contretemps” nos entrega una dulzura progresiva con fenomenales capas de estridencia, exponiendo la grata convivencia del ruido y la armonía presente en la propuesta de la banda, esta vez desde una vereda un tanto más atmosférica. Al cierre, “Risen” vuelve a mostrar la madurez radial expuesta al comienzo del álbum. Acá no todo es distorsión, pero sí todo es excelentemente sutil, incluso la estática que nos susurra “no olviden con quién están tratando”.

Al enfrentarnos con “Time Will Die And Love Will Bury It”, estamos escuchando, sin mayores objeciones, lo mejor del catálogo de la banda. Si no es así, es por lo bajo su trabajo más armónico, pues, aunque se lea contradictorio, cada sonido encuentra su posición y propósito indicado en el caos. Otro punto a favor de este nuevo álbum es su amplia gama de sonoridades, la cual les permite llegar a públicos más diversos; hay Rolo Tomassi tanto para los amantes de la experimentación progresiva como para los fanáticos de la brutalidad metalcore. En sumatoria, no sería raro que este se vuelva el trampolín de consolidación de la carrera musical del quinteto de Sheffield. El tiempo corre, y a su favor.


Artista: Rolo Tomassi

Disco: Time Will Die And Love Will Bury It

Duración: 53:00

Año: 2018

Sello: Holy Roar Records


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El Álbum Esencial: “Corazones” de Los Prisioneros

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Corazones

“Corazones”, el cuarto álbum de Los Prisioneros, puede ser considerado como el primer registro solista de Jorge González, luego de que Claudio Narea abandonara la banda un año antes del lanzamiento de su lanzamiento y sólo Miguel Tapia permaneciera a su lado, sumando a la alineación oficial a Cecilia Aguayo, miembro del grupo performático Las Cleopatras, quien ni siquiera era músico, pero González decidió hacerla parte del grupo por su carisma, alegando que, si no sabía tocar, podía aprender a hacerlo. Aguayo se sumó a Los Prisioneros como la encargada de los teclados durante la época en que la emblemática banda de la comuna de San Miguel dejó de lado el rock y el punk para caer de lleno en el pop y la electrónica, dando vida a un conjunto de canciones que sembró el camino para una serie de artistas que en la actualidad son referentes absolutos del pop chileno.

Alex Anwandter, Javiera Mena, Ases Falsos, Gepe, entre otros, deben su sonido a lo que hizo González en “Corazones”, una placa que se adelantó a su tiempo y, de forma maestra, dio un giro a la fórmula de Los Prisioneros para realizar un disco que es pura visceralidad y sentimientos. No es que antes no hayan jugado con estos sonidos; ya en “Muevan Las Industrias” o en la mismísima “El Baile De Los Que Sobran” los sintetizadores tenían gran presencia dentro de la mezcla, pero en esta ocasión los teclados, samples y percusiones digitales tomaron la batuta para secundar las desgarradoras líricas de Jorge González, que van desde la amargura del desamor hasta la crítica a una sociedad que cada día busca parecerse –hasta el día de hoy– a la imagen idealizada de la sociedad yankee. Como siempre, Jorge González dio en el clavo en cada uno de sus descargos, en composiciones cuyo mensaje se mantiene vigente hasta nuestros días, como ocurre con casi todas las canciones de Los Prisioneros.

El LP abre con “Tren Al Sur”, uno de los cortes más memorables en la historia de la agrupación, el que además funciona como transición perfecta entre el pasado y el presente del grupo, dejando que el charango acompañe a la melodía principal y a un coro honesto y conmovedor, del que es imposible no hacerse parte. Durante los próximos dos cortes el viaje se vuelca completamente hacia lo romántico, entre postales de amor ideal en la bella “Amiga Mía” o imágenes llenas de pasión e intimidad, como en la bailable “Con Suavidad” y el suspirado “preciosa” con el que González da la partida a una de las canciones más representativas de la revolución sonora que significa para el pop chileno el disco “Corazones”.

Si se echaba de menos la crítica dura y sin pelos en la lengua, “Corazones Rojos” puede ser considerada uno de los manifiestos más duros que el grupo ha parido. Como una especie de crudo discurso machista, la canción sirve como un llamado a las mujeres para que despierten y hagan valer su rol dentro de la sociedad. En su época sacó chispas entre quienes no entendieron el mensaje detrás de líneas como “En la casa te queremos ver, lavando ropa, pensando en él / Con las manos sarmentosas y la entrepierna bien jugosa”, pero finalmente “Corazones Rojos” se erigió como una de las canciones más sólidas y poderosas en la historia de Los Prisioneros.

Sigue en la lista “Cuéntame Una Historia Original”, cuyo coro juega con el cinismo de aquellos que dicen sufrir como nadie y saber cómo es la vida, pero son los más ilusos. Otro gran hito del larga duración lo marca “Estrechez De Corazón”, quizás la canción romántica más recordada de la banda junto a “Para Amar”. Dueña de otro coro brutal, esta composición muestra la faceta más melodramática y visceral de Jorge González, acompañada de sintetizadores grandilocuentes que dan un aire de romance fatal, tal como lo hacían personajes como Raphael en sus sufridas composiciones, del que Jorge González era un ferviente admirador. Sin lugar a dudas, uno de los himnos inmortales del trío. “Por Amarte” va por los mismos senderos: doliente y quejumbroso.

“Noche En La Ciudad (Fiesta!)” es el Jorge González de “Lo Estamos Pasando Muy Bien” o el de “Brigada De Negro”: ácido y lleno de ironía y sarcasmo, mofándose duramente de la sociedad conservadora que quiere pintarlo todo color de rosa, apartando “al descarriado” con tal de mantener una imagen ordenada y pulcra. “¡Orden, moral!”, gritaba el vocalista, en una época donde los militares habían abandonado el país, pero su doctrina seguía más presente que nunca. Lamentablemente, a la fecha las cosas no han cambiado mucho.

De la fiesta artificial pasamos a la canción más extraña de la placa y de toda la discografía de Los Prisioneros. “Es Demasiado Triste” es el corte más desgarrador, más sufrido, incluso patético, que ha salido de la mente y alma de Jorge González. El último tema que presenta “Corazones” es tan real y gemebundo, que hasta musicalmente suena a un espiral en descenso, como un castillo que se derrumba y cuya destrucción no conoce final, mientras el fade out y el descarnado verso “Este maldito amor le gusta reírse, reírse en tu cara”, que González repite una y otra vez hacia el final de la canción, dan por finalizado un disco donde el baile y el llanto se encuentran constantemente a lo largo de nueve memorables canciones.

“Corazones” y su legado se mantienen vigentes en la música de numerosos artistas chilenos contemporáneos, músicos que se alimentaron de su sonido y liricas para dar vida a una escena que hoy vive su mejor momento. A pesar de que el grupo terminó su época de gloria con este LP, “Corazones” se mantiene en la historia como uno de los mejores lanzamientos de la música popular chilena, cuyas canciones contienen un mensaje que aún se encuentra vigente y un sonido que, pese a los años, se sigue oyendo fresco y lleno de energía. Para nosotros, “Corazones”, la obra magna de Jorge González, es un álbum esencial.


Artista: Los PrisionerosCorazones

Disco: Corazones

Duración: 45:26

Año: 1990

Sello: EMI Records / Odeon


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