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Carry Fire Carry Fire

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Robert Plant – “Carry Fire”

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Cuando hablamos de músicos fundacionales del rock que aún mantienen vivas sus carreras, especialmente los que formaron parte de las décadas de los 60 y 70, se pueden distinguir al menos tres caminos. El primero es el que siguió Roger Daltrey quien, aunque cuenta con una abultada carrera solista, sigue compartiendo escenarios codo a codo con su compañero de toda la vida, Pete Townshend, para mantener viva esa leyenda llamada The Who, a pesar de que la banda sólo cuenta con la mitad de su formación original.

El segundo es aferrarse a la nostalgia, como lo ha hecho Roger Waters, quien nos prueba una y otra vez que la obra de Pink Floyd toca temas tan universales, que cada tanto lo vemos recontextualizando sus piezas maestras en el mundo actual –porque siempre habrá lados oscuros en la luna de la sociedad y muros que tendrán que caer– o valerse de esos mismos elementos para crear algo tan fresco como “Is This The Life We Really Want?” (2017). Que quede claro, ambas rutas son perfectamente válidas, sin embargo, la que escogió Robert Plant es la más difícil: sacudirse de su estatus, emprender un camino totalmente propio y no mirar atrás.

En este contexto, “Carry Fire”, disco número once en la discografía de Plant, es su segunda incursión con la magnífica banda de apoyo nombrada apropiadamente como The Sensational Space Shifters y sigue la senda de lo planteado en “Lullaby And…The Ceaseless Roar” (2014), con una amalgama de sonidos eclécticos que funcionan como un viaje musical por el norte de África y el Medio Oriente, combinados con el blues que forma parte de su ADN. Además, su alma inquieta explora de manera sensacional la mezcla entre world music y elementos electrónicos que el ensamble logra resolver con soltura.

Lejos de los bríos que alguna vez expresaron una virilidad incuestionable con base en una voz aguda privilegiada, Plant encara su presente con un timbre excepcional añejado en roble que lo hace aún más cautivante. Prueba de ello son las delicadas “Season’s Song” y “Dance With You Tonight”, esta última con un aire envolvente propio de lo más hipnótico del catálogo de The Velvet Underground, explorando el amor desde el punto de vista de un hombre que ya ha recorrido un largo trecho. La lánguida “Heaven Sent” y la misteriosa “Keep It Hid” mantienen una atmósfera íntima, no obstante, la segunda se alimenta de una intrincada guitarra aderezada con una percusión onírica en clave de jazz. De hecho, la riqueza musical del disco también nos lleva a rincones etéreos y minimalistas, como en “A Way With Words”, sacada casi de los parajes que Massive Attack exploró en “Mezzanine” (1998) con una sutil línea de piano creada por el tecladista John Baggott.

Y es que sólo Robert Plant puede mezclar mundos tan distintos que juegan con el pasado, el presente y el futuro, además de poner lo electrónico y lo étnico al servicio de piezas tan exuberantes como la homónima “Carry Fire”, cuyo uso del laud y de la viola eléctrica a cargo de Seth Lakeman le dan un aire desértico y místico, mientras que “Bones Of Saint” se toma del blues para llevarnos a un terreno mucho más movido, camino que sigue la enérgica “The May Queen”, con su abrazadora guitarra que bebe de los sonidos clásicos del folk, una señal de que Plant sigue encarnando una habilidad única para facturar canciones con una fuerza rítmica excepcional.

Dicha vigorosidad también queda explícita en el discurso de actualidad plasmado en “New World”, que con su fraseo de guitarra abierto y a la vez melancólico, trata de mostrar los males del colonialismo y los cambios que va sufriendo la identidad nacional a causa de la inmigración, temática que se repite con fuerza en “Carving Up The World Again… A Wall And Not A Fence”, que el guitarrista Justin Adams electrifica para que Plant añada las texturas necesarias en un track que resplandece por su contenido lírico sobre los conflictos armados, un guiño a las vivencias de su abuelo en la Segunda Guerra Mundial. Como si fuera poco, se vale de la ayuda de Chrissie Hynde de The Pretenders para darle vida a una versión de “Bluebirds Over The Mountain”, original de Ersel Hickey, que supera con creces a las versiones de Ritchie Valens y The Beach Boys, ya que exhibe un mayor nivel de sorpresa gracias a sus sintetizadores que emergen desde las sombras y a la confianza proyectada en su ejecución, justificada en lo bien que Plant conoce esta canción desde que la tocaba como parte de las pruebas de sonido con los mismos Space Shifters.

En suma, “Carry Fire” es un excelente indicio de que la vigencia del otrora vocalista de una de las bandas más importantes del mundo recae única y exclusivamente en su capacidad para mezclar lo étnico con lo futurista, acompañado de un poderoso mensaje que se hace cargo de problemas actuales más urgentes, y deja atrás los himnos de estadio que cantaban las aventuras épicas de J.R.R Tolkien en busca de relatos más personales y vivenciales. De hecho, es ese espíritu explorador e incansable el que consigue mostrar todo lo que ha aprendido a sus 69 años de edad y facturar una reflexión personal sobre el rumbo del mundo, de su persona y de los caminos que ha escogido hasta ahora para vivir sin mirar el espejo retrovisor.


Artista: Robert PlantCarry Fire

Disco: Carry Fire

Duración: 48:00

Año: 2017

Sello: Nonesuch / Warner Bros.


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JARV IS… – “Beyond The Pale”

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Beyond The Pale

Al final del día, casi todo termina siendo cosa de límites y dinámicas. Tras ocupar Irlanda en el siglo XIV, los ingleses rápidamente se dieron cuenta de que no podían mantener la ocupación de forma segura, por lo que decidieron restringir sus áreas de dominio a dos o tres regiones, y construyeron un gigantesco muro que separaba la zona ocupada del resto de las tierras de Irlanda. El muro terminó siendo la barrera que separaba dos mundos: el mundo seguro, tradicional y protegido por la corona (Inside The Pale), del mundo de lo incierto, donde no había reglas, básicamente una tierra de nadie (Beyond The Pale). De ahí en más, los ingleses acuñaron la expresión “Beyond The Pale” para referirse a aquellas cosas que uno hace, que se encuentran más allá de lo que se podría considerar el límite de las conductas aceptables. Es justamente a ese lugar donde quiere llevarnos Jarvis Cocker con esta nueva entrega.

Cocker claramente buscaba trabajar una dinámica distinta para este álbum; algo que le permitiera, por un lado, aprovechar al máximo los espacios que se generan cuando hay otros involucrados en el proceso creativo y, al mismo tiempo, sumergirse a explorar de manera distinta la interacción público/banda. Sin ir más lejos, “Must I Evolve?”, “Sometimes I Am Pharaoh” y “Children Of The Echo”, exploran el mismo terreno que alguna vez recorrió The Who, cuando luego de “Tommy” (1969) intentaron dar vida a “Lifehouse” bajo un formato en el que los cortes se creaban en vivo. Lo que hizo JARV IS… fue desarrollar estos temas con el objetivo de ser interpretados en vivo, dejando de lado la sofisticación del estudio, para privilegiar (y registrar) la interacción con la audiencia. De hecho, esto explica en parte la “excesiva” duración de las canciones, básicamente entendidas como un móvil para dialogar con el público.

“Must I Evolve?” (toda una oda al concepto de la evolución, como lo dice su nombre) es el que mejor explota la dinámica vocalista/banda, iniciando con un diálogo a la Ray Charles en “What’d I Say”, cuando Cocker pregunta si debe evolucionar y Emma Smith (violín, saxofón) y Serafina Steer (sintetizadores) responden a esa y cada una de las preguntas que progresivamente van dando cuerpo al track. La canción se alimenta de su propia energía, sumando sintetizadores, violín, palmas y órgano, para alcanzar el clímax cerca de los dos minutos y luego mantener el ímpetu bajo la magnética conducción de Cocker, quien es definitivamente un maestro en estas lides. Por su parte, “Sometimes I Am Pharaoh” desarrolla un concepto parecido al del corte anterior, sin embargo, opta de forma brillante por poner todo el peso del track sobre las percusiones y el saxofón, anotándose posiblemente el punto más alto de la entrega.

El resto del álbum nos regala dos tipos de canciones: aquellas que mantienen la tendencia de crear ambientes sobre bases de identidad electrónica y otras que exploran un ánimo más reposado, en la línea de “This Is Hardcore” (1998). En el primer grupo, si bien “Am I Missing Something?” trabaja de forma perfecta los sintetizadores y las voces, lo cierto es que se sostiene fundamentalmente en la interpretación de Cocker, mientras que “House Music All Night Long” sorpresivamente se gradúa como un maravilloso y asfixiante himno al encierro, una suerte de “Yendo De La Cama Al Living” versión 2020. En la esquina más pausada, “Save The Whale” –encargada de abrir el disco– destaca por su innegable y perfectamente lograda identidad coheniana (uno de los héroes de Cocker), mientras que “Swanky Modes”, si bien cumple a la hora de alternar tiempos, se ubica dentro de los cortes cuyo real aporte es más discutible.

Una de las particularidades que tiene JARV IS… es la de ser un proyecto “inconcluso / en desarrollo”; de hecho, el nombre del conjunto apunta en ese sentido. Finalmente, los siete temas que dan vida a “Beyond The Pale” intentan moverse en un terreno hasta ahora muy poco explorado, ese donde se funde la propuesta en vivo (de naturaleza impredecible y avasalladora) con el trabajo de estudio (de identidad indudablemente más fría y calculada). Y aunque por momentos pareciera que el conjunto logra su cometido, lo cierto es que algunos pasajes del álbum también dejan la sensación de que aún queda bastante por trabajar. Por fortuna, mientras el leitmotiv de esta banda siga siendo aventurarse beyond the pale, con seguridad vale la pena seguir mirándolos de cerca.


Artista: JARV IS…

Disco: Beyond The Pale

Duración: 40:12

Año: 2020

Sello: Rough Trade


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