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Ritchie Kotzen – Cannibals

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Para muchos,  Richie Kotzen es un artista que logra refrescar la escena musical de tanto en tanto. Su trabajo en “The Winery Dogs” como en su carrera solista, demuestra que posee  una gran flexibilidad en su sonoridad individual, y “Cannibals” es una muestra de aquello, permitiendo generar atmósferas eclécticas en base a sonoridades R&B, funk y soul. Cabe destacar que, así como en sus discos anteriores, Kotzen es el único músico en la performance instrumental. Además, el trabajo en letras denota una cercanía a tópicos tales como el  desamor, la lujuria, la conquista de la pareja y la sensualidad.

RICHIE KOTZEN 01El title track del disco, “Cannibals”, entrega el primer golpe con un rasgueo potente y un trabajo en baterías impecable. El trabajo de Kotzen en el bajo manifiesta su cercanía a sonidos llenos de cadencia setentera, lo cual es posible reconocer en  “In An Instant”. “The Enemy” corresponde a una balada reposada, cuyas letras reflejan esa añoranza a las canciones de los años setenta, con un sonido cercano a Bruce Springsteen, lo cual se potencia en el trabajo de voces gospel.

“Shake It Off” y “Come On free” sorprenden, mostrando a un Kotzen calmado, y sus habilidades en los teclados Hammond, junto con un potencial vocal, generan escalofríos. Las guitarras retornan en “I’m All In”, en el cual podemos encontrar la esencia de este disco: una canción que entrega los tiempos para solos de guitarras, junto con un trabajo en voces evidente. “Stand Tall” es otra muestra del virtuosismo del hombre proveniente de Pennsylvania, Estados Unidos,  en una mixtura rock/funk exquisita, y un groove que levanta del asiento a cualquier oyente. “Up (You Turn Me)” es  una balada de carácter melódico, con un fuerte trabajo en coros y una delicadeza única en el manejo de los tempos.

RICHIE KOTZEN 02Sin embargo, “You”, el siguiente track, arrastra la emocionalidad completa, con un trabajo en teclados y voces definitivos. Acá se puede apreciar el rango vocal de Kotzen, con una voz dulce y cálida, demostrando su trabajo en agudos de manera soberbia. Esta emocionalidad llega a su cumbre con “Time For The Payment”, una balada con arreglos en guitarra clásica, y con ribetes de flamenco, que ayudan a construir una canción llena de misticismo y pasión.

Así es que “Cannibals” transita desde canciones rock y funk hacia un sonido íntimo, lleno de matices, y con un Richie Kotzen en su mejor nivel. Si bien no es usual a su carrera solista y  a lo que le conocemos en The Winery Dogs, es un disco que se puede escuchar sin sobrecargas emocionales. Siendo una de las primeras publicaciones del presente año, “Cannibals” deja con una grata sensación sonora  a sus oyentes.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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