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Give More Love Give More Love

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Ringo Starr – “Give More Love”

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Si hay algo en lo que siempre podemos confiar, es en el extraordinario poder de Ringo Starr para facturar discos llenos de buenas vibras. A sus 77 años y con una energía envidiable, el ex Beatle nos presenta su placa número diecinueve, llamada “Give More Love”, un trabajo que proyecta la inquietud del baterista por entregar constantemente nuevo material, uno que al principio se iba a anclar en el sonido country –huella que queda explícita en canciones como “Standing Still” y “So Wrong For So Long”–, pero que en el camino se convirtió en una obra que respeta los estándares que ha venido mostrando de forma perseverante desde “Time Takes Time” (1992): rock simple, directo y nostálgico. Y para seguir rocanroleando, obviamente se hace acompañar de una verdadera constelación, que incluye a miembros de su All-Star Band y a figuras como Dave Stewart de Eurythmics, Joe Walsh de The Eagles, Edgar Winter, Jeff Lyne, Peter Frampton y al bueno de Paul McCartney.

Tener a la mitad de The Beatles en tracks como la entrañable “Show Me The Way” y la encendida “We’re On The Road Again” ya es algo bastante épico, pero es aún mejor comprobar que la magia entre ambos sólo puede crecer con el tiempo, aunque las cuatro cuerdas de Macca no profesen el mismo protagonismo que tenían cuando solían mover sus melenas en los 60. De hecho, una constante dentro de “Give More Love” es que los invitados no resalten excesivamente en favor de que Ringo sea el protagonista. Quizá “Speed Of Sound”, coescrita con Richard Marx, es el único caso en el que podemos distinguir claramente a Peter Frampton gracias a su talk box, quién además hace rugir su guitarra de manera exquisita hacia el final de “Laughable”.

El uso de la memoria emotiva se hace presente en “King Of The Kingdom”, en la que el baterista usa todos los códigos clásicos del reggae para homenajear a Bob Marley, también en “Electricity”, cuando decide pasar su voz por el efecto autotune como una oda a su banda pre-Beatles, Rory & The Hurracanes, y también en ese viaje a los años 50 llamado “Shake It Up”, calcada de los ritmos que alguna vez exploró en los covers de “Boys” o “Matchbox” con los fab four. Finalmente, el hermoso cierre de la versión estándar del larga duración con la homónima “Give More Love” recalca la importancia de dar amor pese a las circunstancias difíciles, con una melodía dulce y pegajosa que apunta para nuevo clásico.

A pesar de mantener un tono de sana nostalgia durante toda la entrega, “Give More Love” destaca por sus buenas composiciones y su frescura, que también alcanzan para volver a grabar algunas piezas y sumarlas a la versión deluxe y digital, como “Back Off Boogaloo”, basada en el demo original que Ringo hizo después de escribir la canción y que cuenta con Jeff Lyne y Joe Walsh en las seis cuerdas. Además, incluye una colaboración con la banda anglo-sueca Alberta Cross en “You Can’t Fight Lighting”, publicada originalmente en la reedición de 1994 de “Stop And Smell The Roses” (1981), e invita a sus amigos del proyecto indie-folk Vandaveer para despachar actualizaciones de la inmortal “Photograph” y la genial “Don’t Pass Me By”, con un encantador extracto de “Octopus’s Garden” al final. Dichas bandas tocaron esos covers en la fiesta “Peace And Love Birthday 2016” y Ringo quedó tan encantado con ellas, que los invitó a incorporarlas en este nuevo trabajo.

En tiempos en que gran parte de los músicos están concentrados en reflejar la realidad política y social en la que vivimos, Ringo está aquí para traernos un material en el que el optimismo florece en cada uno de sus rincones, acompañado de una excelente ejecución por parte de sus colaboradores, pero también con un agradable sabor de boca que dejan las reversiones, en las que nos damos cuenta instantáneamente que el tiempo no ha pasado en vano para el baterista, ya que su voz se escucha mejor que nunca. Con la gran ayuda de sus amigos y un disco redondo bajo el brazo, podemos decir que tenemos Ringo para rato.


Artista: Ringo StarrGive More Love

Disco: Give More Love

Duración: 52:45

Año: 2017

Sello: Universal Music Enterprises


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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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