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Ride – “Weather Diaries”

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Los contextos musicales que se vivieron hasta finales de la década de los 90 fueron definitorios para el persistir de ciertas bandas. Algunas no han hecho más que renegar y huir de las etiquetas, pero por más que se esfuercen es casi imposible escucharlas -sobre todo en estos días- sin pensar en el sonido que caracterizó la época en la que tuvieron su apogeo. El shoegaze ha ido reviviendo en lo que va de 2017. Los discos “Slowdive” y “Damage & Joy” lanzados por Slowdive y The Jesus And Mary Chain, respectivamente, han recordado a la escena actual lo que este movimiento significó para la época de mediados de los ochenta a los noventa. donde la banda de Neil Halstead logró dar una coherencia al sonido que Slowdive cosechó en los momentos de gloria, mientras que JAMC entregó un álbum que muestra cómo pueden sonar actualmente, similar a lo que pasa con el nuevo trabajo de esa Ride.

Producido por Erol Alkan, “Weather Diaries” nos muestra a una agrupación que se está reinventando; que sólo en algunos pasajes logra sonar como los antiguos Ride. Quizás la intención de Mark Gardener y compañía fue situar al conjunto en el contexto actual de la música -si no para qué lanzar un nuevo trabajo después de 21 años-, pero no repitiendo la misma fórmula. Por lo mismo, se pueden notar varios estilos en sus temas: desde la experimentación, pasando por el sonido garage rock, krautrock, electro-synth y ambient, entre otros. Claro está, con un componente que los hace más modernos.

“Weather Diaries” es un disco en el que nada está al azar. Todos los temas siguen una progresión sonora que establece casi un orden anímico: la vibra más melódica y casi darkwave de “Lannoy Point” se une a “Charm Assault”, interrumpiéndose con loops electrónicos de voces (que están completamente demás y que sólo marcan el sello del productor) en “All I Want”. De allí, todo entra en tierra más experimental con “Home Is A Feeling”, pieza que rompe la energía inicial del disco mediante sonidos diluidos y voces que se acoplan perfectamente a esa aura media difusa e introspectiva, tan característica de Ride. La canción que da nombre a este trabajo de los ingleses es uno de los puntos altos: sigue el humor de la anterior, pero con una cadencia que experimenta muchas variaciones a nivel rítmico, mas no logra romper su espíritu. Recuerda, en belleza e intensidad, a algunos pasajes de esa maravillosa pieza sonora llamada “Nowhere”. Lo mismo se da con esa otra estrella llamada “Impermanence”, en la que el sonido repta suavemente por la seda mientras se describe una letra simple, pero que no carece de profundidad.

El sonido más rockero se gatilla con “Lateral Alice”. Su línea de guitarra aérea con un beat de percusión que le imprime velocidad saca un poco de la hipnosis que se genera con los temas anteriores, mientras “Rocket Silver Symphony” rememora ese lado más dreamy de la banda, pero no le alcanza para ser una canción completamente buena: mucho uso de efectos electrónicos que se sienten old school y que descontextualizan a cada rato la potencia que se desencadena en los coros. Lo mismo pasa con “Cali”: fuerte base melódica a la que destiñe una letra descuidada. El cierre es precedido por esa pequeña tormenta de ruido llamada “Integration Tape” y “White Sands”. Esta última, a pesar de ser bastante melancólica, sabe sorprender con coros que le aportan cierto dramatismo, bases que toman una vibra casi de un jamming y un estilo jazzístico en la batería.

Ride es de esas bandas que uno escucha desde la expectativa y eso es lo que ellos siempre han tratado de combatir. En cada álbum que siguió a esa joya llamada “Nowhere” (1990) hay algo de reinvención y riesgo, cosa que no cambió en “Weather Diaries”. Si bien, este último se encuentra con algunos escollos al introducir ciertos recursos sonoros, sí logra momentos en los que la banda alcanza ese brillo que los ha caracterizado siempre. Sin duda, un lanzamiento que los posiciona dentro del panorama actual de la música y que deja la puerta abierta para esperar, por qué no, nuevos discos.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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