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Rex Brown – “Smoke On This…”

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Con sólo ver la portada de “Smoke On This…” nos damos cuenta de que Rex Brown está haciendo toda una declaración de principios: aparece con su guitarra al hombro y despojado de su inseparable bajo, postal a la que nos ha tenido acostumbrado durante estos casi 30 años de carrera. Precisamente para erradicar los fantasmas del pasado, Brown se rodeó de viejos conocidos en esta primera incursión como vocalista y guitarrista al frente de un proyecto, tipos que conocen el negocio, que logran aportar a su sonido y, principalmente, que lo ayudaron a encontrar su voz como primer desafío, algo que, según sus propias palabras, le tomó mucho tiempo. Con Nashville como centro de operaciones, el equipo estuvo conformado por el guitarrista y compositor Lance Harvill, el baterista de Accept, Christopher Williams, y el productor Caleb Sherman, quienes fueron piezas fundamentales en la creación musical del oriundo de Graham, Texas, un trabajo que se percibe personal, directo y lleno de confianza.

“Lone Rider” y “Crossing Line” prenden el ambiente con riffs llenos de energía, que golpean directamente en la cara; una dupla efectiva de buen rock con una parte de la brújula ubicada en la estructura setentera, pero con un sonido que bien podría situarse en el radar más noventero, no obstante, es “Buried Alive” la que se roba todas las miradas. Inspirada en lo que tuvo que pasar después de la pérdida del eterno Dimebag Darell, la canción se empapa del sonido personal del “Led Zeppelin III” (1970), con un remate poderoso hacia el final sin perder en ningún momento el balance entre la agresión eléctrica y la introspección acústica. “Train Song” vuelve a la carga con el riff más denso y metalero que encontraremos en toda la placa, con una muralla de guitarras realmente atronadora, mientras que “Get Yourself Alright” sorprende gracias a la sitar tocada por el propio Sherman, lo que inevitablemente le da un toque beatlesco, efecto que según el mismo Brown es totalmente intencional. Además, la mezcla del slide con el instrumento indio imprimen un aire lánguido en los versos, pero la electricidad y la batería más acelerada de Williams aumentan las pulsaciones hacia el final.

En la segunda parte de la placa definitivamente se aprecia un espíritu mucho más reflexivo. La delicada y prístina “Fault Line” nos hace viajar a ese rock de estampa más sureña que Rex lleva en su ADN, aspecto que se vio totalmente realzado mediante la ayuda del colaborador de Lynyrd Skynyrd, Peter Keyes, con un hermoso cierre de piano que conduce a “What Comes Around Goes Around”, una pieza oscura, pero a la vez cálida, mientras que “Grace” –con una onda cercana a los trabajos más reposados de The Beach Boys– resulta interesante, distinta y extrañamente luminosa comparada con la vibra general del disco.

Otra canción que ayuda a energizar esta parte del larga duración es “So Into You”, en la que se muestran los dotes de Rex en la guitarra principal y se perciben matices floydianos, que también se hacen presentes en “Best Of Me”, posiblemente una de sus canciones más desgarradoras. La dualidad de “One Of These Days” da un cierre triunfal, ya que Brown es capaz de construir un binomio sónico que en un primer escenario encamina al oyente bajo una atmósfera críptica, oscilante y amenazadora, para después hacerlo caer en un vacío acompañado únicamente de su voz y del teclado, lo que revienta en un solo de guitarra y un final muy deudor de The Beatles de la última época.

El ingrediente más interesante de “Smoke On This…” es la manera en que las influencias clásicas del artista construyen un relato potente, coherente, sólido y sin pirotecnias innecesarias. Si los devotos del sonido de Pantera o Down vienen a buscar retazos de ese pasado, no los van a encontrar aquí, pero tampoco deberían sentirse decepcionados. La ventaja de los discos solistas de los grandes referentes del rock es que nos muestran de qué están hechos, y nos permiten entender lo que alguna vez aportaron a sus bandas madre. En esta pasada, Rex Brown no sólo se desprendió de su bajo, sino que fue capaz de sacarse de encima sus propias cargas como el eterno colaborador de todos para encontrar su voz, y vaya que lo logró con creces.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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