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R.A.P. Ferreira – “Bob’s Son: R.A.P. Ferreira In The Garden Level Cafe Of The Scallops Hotel”

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Cuando Rory Allen Phillip Ferreira abandonó Milo, su antiguo nombre artístico, para adoptar la identidad de R.A.P. Ferreira, también coincidió con las inquietudes del rapero por inclinarse hacia una propuesta donde el jazz toma un rol elemental. “Purple Moonlight Pages” (2020) fue un paso firme, que ya se evidenciaba en el anterior “Budding Ornithologists Are Weary Of Tired Analogies” (2018), dando como resultado un segundo debut, donde la rima suave del artista se acopla a las líneas de bajo que se llevan el protagonismo de gran parte del álbum.

Para su segundo disco bajo el acrónimo de sus tres nombres, R.A.P. Ferreira toma la sabia decisión de continuar la senda de un sonido orgánico y añadir mayor agilidad a sus fraseos, resolviendo así una de las principales debilidades de su trabajo anterior. Inspirándose en la vida y obra del poeta beat Bob Kauffman, “Bob’s Son: R.A.P. Ferreira In The Garden Level Cafe Of The Scallops Hotel” explora una de las características más interesantes del rapero: líricas con un contenido y ritmo cuyo cuidado estético muestran una línea atípica dentro del hip hop contemporáneo.

El beat armonioso de una producción sencilla es la primera arista que reluce del álbum, pilar fundamental en el que se apoya el artista para tomar distancia de la imprudencia propia del rap y bajar a un estado contemplativo, encontrando puntos en común con la poesía. Tal como lo sostiene en “the cough bomber’s return”, en esta ocasión Ferreira se considera un heredero de Kauffman. Del mismo modo, “yamships, flaxscript” reitera este carácter etéreo que acompaña el desarrollo del disco. Cambios repentinos en la estructura construyen canciones que se dibujan con la complejidad de quien compone un collage de melodías y palabras.

“redguard snipers ft SB the Moor” y “bobby digital’s little wings” aportan miradas más accesibles dentro de “Bob’s Son”. Sin dejar la corriente de conciencia y las referencias al poeta que inspiran este trabajo, el tramo medio recoge otros momentos llamativos, como los coqueteos frontales al jazz de “skrenth” o las palabras al cierre de “listening”, que ilustran con elocuencia el valor de la tradición oral en una obra donde la sonoridad de las palabras es el eje transversal.

El hilo irregular de las canciones se mantiene hasta los últimos minutos. “high rise in newmark” juega bajo los mismos códigos de cambios repentinos para ofrecer una mirada satírica al conformismo del rap y a aquellos “espíritus aferrados a vidas teóricas”, como reza el final de la canción. Con la intención de dar un cierre redondo al concepto inspirado en Robert Kauffman, “rejoice” describe al ex Milo como un rimador beat actual, con la infame misión de transmitir esta visión de mundo a través de una subjetividad voluble. Como último acto, Ferreira parafrasea una de las obras más importantes del poeta en “abomunist manifesto”. La canción es la confirmación final de un discípulo que toma caminos inusuales, se aferra a las lecciones de su maestro y juega con lo difuso para transmitir un mensaje que termina de una manera abrupta, fiel a su ritmo impredecible.

En su más reciente trabajo, R.A.P. Ferreira ofrece un recorrido de rimas nebulosas, donde el leitmotiv es la devoción hacia un artista cuya audacia y vanguardia regresa al presente, luego de 34 años desde su muerte. Si bien, el concepto puede tornarse excesivamente repetitivo y difícil de leer en su mensaje, su mayor valor radica en la idea que resulta más notoria a lo largo de “Bob’s Son: R.A.P. Ferreira In The Garden Level Cafe Of The Scallops Hotel”: el profundo amor a las palabras, tanto en su significado como en su fonética.


Artista: R.A.P. Ferreira

Disco: Bob’s Son: R.A.P. Ferreira In The Garden Level Cafe Of The Scallops Hotel

Duración: 35:10

Año: 2021

Sello: Ruby Yacht


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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