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Queens Of The Stone Age – “Villains”

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La seguridad es un valor escaso en tiempos de la sobreexposición y la generación de más opiniones que de ideas nuevas, pero a Josh Homme nunca le ha faltado, en especial porque la mayoría de los proyectos en los que se ha embarcado le han terminado dando la razón. En el séptimo disco de Queens Of The Stone Age, “Villains”, esta certeza se mantiene y se reafirma en los momentos más frágiles de un álbum que demuestra la capacidad de QOTSA no sólo reinventarse, sino que de dominar nuevos trucos de forma cabal.

El disco tiene un elemento clave: la producción de Mark Ronson, más conocido por su trabajo con artistas pop como Adele, Amy Winehouse o Bruno Mars, y quizás un problema del álbum es el sonido pastoso, indefinido e irrelevante de la batería, pero, por otro lado, entrega un punto de avance evidente en ámbitos de la canción, como son las melodías y armonías. Nunca Queens Of The Stone Age sonó tan bien, principalmente porque el trabajo melódico es exquisito, tanto, que este debe ser el registro más “tarareable” de la banda.

En este sentido, ver cómo Josh Homme es llevado a nuevos límites en su interpretación vocal es interesante. Probablemente, ese sea un mérito de Ronson, quien tiene una maestría en llevar a cantantes a dar su máximo, y con Homme esto no es la excepción, aunque resulta sorpresivo lo central que es este instrumento en “Villains”. Lo mejor es que la seguridad de Homme se traspasa en los momentos más vulnerables, como en “Fortress”, con una línea vocal brillante, o con los falsettos implacables del track final, “Villains Of Circumstance”, que llevan a Josh a una gimnasia vocal donde se ve que el trabajo de las líneas melódicas tuvo más atención que nunca.

Además, el disco es directo, e incluso los tracks con mayor desarrollo y extensión, como “Un-Reborned Again” o “The Evil Has Landed”, no dan impresión de densidad, sino que de vastedad. Así, el espacio narrativo y musical es mayor, sin inmovilizar al oyente, sino que invitándolo a recorrer paso a paso, sin necesidad de correr. “Villains” es un disco que se toma sus tiempos sin apuros, y a la vez parece que no se detuviera nunca, con un foco claro y específico. En las letras también se ven grietas en la seguridad del siempre cool Josh Homme, entregando detalles autobiográficos de entrada en “Feet Don’t Fail Me”: “Nací en el desierto el 17 de mayo de 1973”, su fecha de nacimiento real. Además, esta canción pone toques realistas a cómo él se ve a sí mismo: “I’m much older than I thought I’d be” (“Soy más viejo de lo que pensé que sería”). A su vez, en “Fortress”, a lo largo de toda la canción, se habla de cómo la “fortaleza” que cada cual se construye puede caer y volver a levantarse como protección.

Más que historias ajenas o sensaciones externas, “Villains” muestra parte de lo más personal escrito por la banda alguna vez, y en medio de un espíritu más pop, canciones más directas y composiciones bien trabajadas, este es uno de los mejores discos de Queens Of The Stone Age. Sin embargo, quienes esperen el rock que había dominado entregas anteriores, necesitarán un tiempo para digerir este sonido evidentemente más convocante, que a punta de sensibilidad y sinceridad podría tomar al mundo por asalto muy pronto.


Artista: Queens Of The Stone Age

Disco: Villains

Duración: 48:00

Año: 2017

Sello: Matador


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5 Comentarios

5 Comments

  1. Alfredo

    28-Ago-2017 en 1:13 pm

    en total desacuerdo con la cponclusion, como va a ser uino de sus mejores trabajos…es un disco liviano, popero sí, con temas mas orejas de lo que venian haciendo, es un buen disco pero para lo que es QOTSA, es un disco que pasa sin pena ni gloria. Si el Era Vulgaris para muchos era el disco más bajo de ellos, con el Villains sube un peldaño. Falta más aridez, más densidad, la mano del prodicyor no le hizo bien., Valiente Josh Homme? sì, siempre ha tenido un toque más oreja en sus proyectos, pero acá se le pasó la mano.

    • Pablo

      29-Ago-2017 en 9:04 pm

      Aprende algo en tu vida hijo mio

      • Alfredo

        07-Sep-2017 en 2:51 pm

        buscate una vida pelmazo y ocioso.

  2. Gustavo Díaz

    28-Ago-2017 en 1:58 pm

    Que buena crítica! Es la mejor que he leído y la que mejor representa mi visión de este nuevo álbum de QOTSA. Saludos!

  3. Felipe Jara

    05-Sep-2017 en 4:56 pm

    Quizá lo más destacable del Villains es que definitivamente es el disco en que mejor suena QOTSA. Si bien da la sensación que el talento de Jon Theodor se pierde un poco en esta pasada, este trabajo ubica en una posición especial a Dean Fertita, que con los teclados y sintetizadores tiene intervenciones notables y elegantes. Las guitarras son audaces y el bajo también se oye mejor que en cualquier lanzamiento anterior del grupo.
    Quizá muchos van a discutir que algunos seguidores -seguramente los más nuevos o fans de los proyectos paralelos de Homme- cataloguen esta placa como la mejor de la banda. Y finalmente es una discusión sin mucho sentido, pues al repasar Villains una y otra vez queda la sensación de escuchar un buen disco, en el que más allá de si el productor trabajó con artistas pop, o si el sonido arenoso y robótico que caracterizó sus primeras placas desapareció, la gran satisfacción que deja este álbum es que, en términos de sonido más que de estilo, es sin dudas el que hasta ahora ha alcanzado el nivel más alto. Y enfrentarse a un buen disco, siempre se agradece.

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Marika Hackman – “Any Human Friend”

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Any Human Friend

Es muy común escuchar que, para que el ser humano sea realmente feliz, debe estar en paz consigo mismo; conocerse, quererse, transparentar lo que se es frente al espejo. La auto aceptación implica abrazar lo propio con autenticidad y ser honesto consigo mismo y con los demás, invitando a decir lo que se piensa sin tapujos y a no dejarse llevar por códigos sociales restrictivos ni preocuparse por el qué dirán. Esto es exactamente lo que hace Marika Hackman, cantante y multiinstrumentista británica, en su tercer larga duración “Any Human Friend”, una entrega marcada tanto por el cambio de sonido, como por el toque gráfico y sincero en la lírica respecto a su intimidad y mundo interior.

El inicio está marcado por “Wanderlust”, un tema acústico que engaña a quien lo oye por vez primera, pues lleva a pensar que Hackman vuelve a sus raíces con una línea más unplugged. Es menester recordar que la hija de Sub Pop Records emprendió vuelo bajo el alero de sonidos de cuerda inundados de melancolía, tanto en su debut “We Slept At Last” (2015) como en su primer EP, “That Iron Taste” (2013), por ello, el opening de esta saturada pieza puede entenderse como un regreso a dicha corriente sonora. Pero no. Es solamente una exquisita trampa, pues el sintetizador comienza a agarrar fuerza para dar paso a “The One”, el popero, memorable y bailable segundo sencillo de este compilado. Consolidándose como un punto fuerte de este álbum, su ritmo encabezado por guitarras y su lírica relacionada al creciente e insoportable ego de una estrella de rock arruinada por sus populares pero desdichadas composiciones, hacen de este un tema digno de cantar a todo pulmón (y a coro).

A lo largo del disco, la artista juega con canciones que se contraponen, pero que se funden de forma perfecta. Una fórmula que se hace evidente en los más de 41 minutos es pasar de creaciones más pausadas, reposadas y sentimentales, a otras colmadas de energía, agilidad, vigor y honestidad. Cambios radicales, pero intrigantes y encantadores, son pilar fundamental y principal razón de que el tercer LP de Hackman sea tan cautivante. Es cosa de entregarse sin problemas a la explícita y seductora “All Night”, transitar posteriormente por una ágil y seca melodía en “Blow”, para luego ceder al frenesí y desborde del crudo primer single “I’m Not Where You Are”, y finalmente perderse en la apacible “Send My Love”.

A medida que el LP avanza, se aprecia lo favorable que fue para la británica seguir por la senda que comenzó a trazar con “Boyfriend” hace un par de años, donde se propuso no limitarse ni censurarse en la composición. En una industria dominada por el hombre, con letras de amor, lujuria o desenfreno emanadas y creadas desde un lugar y punto de vista masculino, Marika rompe barreras y abulta el archivo de líricas LGBTQ añadiendo el punto de vista de una mujer queer en el plano emocional y sexual. Sin dejar espacio para la imaginación, la cantante explicita y hace una oda al autoplacer femenino en “Hand Solo”, detallando maniobras, efectos y pensamientos que danzan en torno al mismo y, a su vez, sacándole la lengua a todos ellos que creen que es un tabú del cual no debería hablarse.

La sinceridad nunca se había escuchado tan fuerte y tan despojada de vergüenzas, y en su tercer álbum, Marika Hackman da cátedra de una reveladora metamorfosis. Empoderada de un sonido fuerte, pero frágil a la vez, la artista se desenvuelve más segura que nunca, a pesar de que lo mezcla con la épica tarea de desnudarse física y emocionalmente ante el universo. Más humana que nunca, la artista prueba que el exponer aspectos que el mundo heteronormativo y patriarcal considera a menudo como debilidades, tales como el no querer una relación normal, el autosatisfacerse sexualmente o el reconocer y hablar de la fragilidad mental, solamente la hacen más fuerte, pues tiene el arma más potente de todas: el autoconocimiento.


Artista: Marika Hackman

Disco: Any Human Friend

Duración: 41:01

Año: 2019

Sello: Sub Pop Records


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