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PUP – “The Dream Is Over”

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Con camionadas de actitud a cuestas y en una especie de pacto maldito, los canadienses de PUP decidieron ir a buscar a marcha forzada sobre el escenario las claves que les permitieran crecer como banda. Tras completar la no despreciable suma de 450 presentaciones en dos años y con un vocalista al borde del retiro, producto del trauma laringeo que significó tamaña empresa, el conjunto finalmente logró dar con el camino que les permitió pasar de ser un curioso grupo de debutantes, a una de esas cada vez menos frecuentes bandas donde lo mostrado en el estudio alcanza con lo justo para plasmar el potente show que dan en vivo. Para cerrar el ciclo, el cuarteto llega hoy con un nuevo puñado de canciones, algo que logra mirar de frente sin problemas lo entregado hace tres años, en su álbum homónimo.

PUP 01“The Dream Is Over” (nombre robado de la frase con la que el médico de Stefan Babcock decidió comunicarle la noticia del trauma laringeo) no se anda con rodeos, y si en el pasado se tomaron 34 minutos para dejar el alma en diez canciones, ahora vuelven a hacer lo mismo, pero en menos tiempo. El comienzo del disco entra directo a volar cabezas con “If This Tour Doesn’t Kill You I Will” y “DVP”, que en la práctica se fusionan como un solo track, rápido, enérgico, coreable y directo, donde el primero de ellos funciona como exorcismo perfecto para eliminar los demonios acumulados en la carretera, mientras que el segundo se instala como uno de esos imperecederos himnos de romanticismo alcoholizado, que siempre pueden ser coreados a altas horas de la madrugada con un par de buenos amigos.

“Doubts” sigue en la misma linea argumental de “DVP”, algo más quejosa pero menos rabiosa, sin embargo, igual de coreable que la anterior. “Sleep In The Heat”, confesional y sentida, trata sobre la enfermedad y muerte del camaleón mascota de Babcock, tomándose en lo musical más espacio para los acompañamientos vocales, generando por momentos un ambiente que rememora la luminosidad de los primeros trabajos de sus coterraneos de Arcade Fire. Lo que sigue con “The Coast” baja las revoluciones sin perder fuerza, logrando llevar el ánimo del disco a terrenos más sombríos, que funcionan como puente perfecto para que “Old Wounds” entre de golpe a llenar todos los espacios, con un hardcore rabioso y potente que no da respiros, y en lo lírico no necesita de explicaciones.

PUP 02“My Life Is Over And I Couldn’t Be Happier” y “Can’t Win” vuelven sobre el ánimo trazado al inicio del álbum, con una base musical contagiosa y coros fáciles de seguir, cortesía de la guitarra de Steve Sladkowski, acompañándose de letras que una vez más nos recuerdan ese perdedor que cada cierto tiempo parace no querer dejar de seguirnos. “Familiar Patterns” inicia la recta de salida, conservando el ánimo catártico que tiñe todo el larga duración, y finalmente “Pine Point” (basada en numerosas imágenes del documental “Welcome To Pine Point” de 2011) pone el cerrojo a este segundo capítulo de los canadienses, aventurándose en terrenos musicalmente más calmos y líricamente más metafóricos que lo observado en el resto del álbum, dejando ver una faceta que el cuarteto no suele explorar, pero que logra atravesar sin contratiempos.

Si el manual del punk rock reza que las canciones deben ser cortas, melódicas, plagadas de guitarras distorsionadas y letras que, sin importar lo que digan, se dejen el alma en decirlo, salta a la vista que los oriundos de Toronto corren como alumnos aventajados en el ramo. En 30 minutos “The Dream Is Over” nos llena de himnos que piden a gritos ser cantados con un grupo de amigos a altas horas de la madrugada o después de un pesado día de trabajo. Como buena banda que mira de reojo y con respeto a la vieja escuela, este cuarteto ha decidido encontrar sus musas y estilo en la carretera, y todo lo que hacen pone en evidencia que no se trata de otro producto infesto inventado por un grupo de ejecutivos sentados detrás de un escritorio en una multinacional. Lo que PUP alcanza con este nuevo álbum, pone la hoja de ruta para aquellos que quieren seguir en el camino del punk rock con espíritu.

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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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