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PJ Harvey – “The Hope Six Demolition Project”

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La discografía de la británica PJ Harvey dio un importante giro argumental hace un lustro, cuando “Let England Shake” (2011) describió en melodías una Inglaterra dura y fría, azotada por la guerra ocurrida un siglo atrás, introduciendo con ello la faceta más política de la artista en contraste a producciones anteriores, mucho más intimistas y emocionales. Continuando en esta línea, “The Hope Six Demolition Project” perpetúa el giro iniciado de su antecesor, esta vez situando el ojo sobre un escenario político tantísimo más complejo: las guerras, el simbolismo y el manejo mediático en un polémico Estados Unidos.

PJ HARVEY 01Este, el noveno álbum en la carrera de PJ Harvey, se basa en el libro de poesía “The Hollow Of The Hand”, escrito por ella en conjunto con el fotógrafo Seamus Murphy, personaje clave en el trabajo investigativo tras este disco y con quien recorrió las calles de Washington DC guiados por Paul Schwartzman, conocido periodista del diario The Washington Post, quien les enseñó la ciudad oculta detrás de las postales, abarcando temas que van desde la corrupción hasta los ignorados barrios marginales que atestiguan la amargura de un manejo político que favorece a unos por sobre otros. Estos son los principales ingredientes que componen un proyecto musical intenso y desafiante, cargado de dramatismo, pero siempre coherente con el sonido que ha venido desarrollando la británica a lo largo de su carrera.

La apertura está a cargo de “The Community Of Hope”, un inicio cargado al pop, optimista pero extraño en comparación a la siguiente pista y a lo que será el resto del disco. Esta atmósfera es reemplazada vertiginosamente por el drama y el caos con el inicio de “The Ministry Of Defence”, una canción oscura, escalofriante, con más de algún dejo de angustia: “Este es el ministerio de los restos”, “Así es como acaba el mundo”, reza sin anestesia entre medio de la golpeante instrumentalización que le es característica. La tensión se aleja por un breve instante con “A Line In The Sand”, una oscura melodía pop cuya batería evoca la marcha de un tren antiguo, postal frecuente en el imaginario sobre las guerras mundiales. Su línea melódica, suave y de transiciones leves, permite trazar la continuidad con lo que fue “Let England Shake”, compases que reaparecen algunas pistas más adelante. Las imágenes sonoras de la guerra continúan en “Chain Of Keys”, donde la batería y los metales siguen un ritmo casi marcial, que a su vez deja entrever la sensación de vacío y angustia: un tratamiento delicado y de refinado buen gusto para los segmentos más oscuros del larga duración.

PJ HARVEY 02La pegadiza “Near The Memorials To Vietnam And Lincoln” suma algunas cuotas de humor negro, al referirse al tono de espectáculo con que se recuerda en Estados Unidos algunos de los episodios más tensos de su historia. “The Ministry Of Social Affairs” se apropia del blues para adaptarlo a la esencia de PJ Harvey y a la línea melódica que se ha mantenido durante el disco. Fascina de esta pista cómo el saxofón –comúnmente interpretado por la misma PJ– va adquiriendo protagonismo para terminar adueñándose del final de la canción, expresando simultáneamente caos y sensualidad, acaso en directa referencia a los escándalos de la prensa rosa que múltiples veces ha involucrado a rostros de la política. El cierre del disco queda a cargo de “The Wheel” y “Dollar, Dollar”, dos canciones que recuperan la melodiosidad y esas transiciones suaves pero progresivas que tanto agradan del sonido de la británica.

En síntesis, se trata de un disco plagado de puntos altos, donde cada pista cumple una función dentro de un relato redondo, todo en su punto preciso sin excesos ni carencias, y que además se permite pasear por distintas influencias, demostrando la versatilidad en la música de PJ Harvey y, de paso, cargando de dinamismo a un trasfondo denso y complejo. Sólo resta advertir que el enganche con el disco podría no ser inmediato, ya que se trata de un trabajo con una atmósfera mucho dura, e incluso hostil: elementos imprescindibles para lograr un impacto a la talla de las ideas y la aguda poesía de la artista, quizá las joyas que más brillan tras un disco de alta intensidad e impecable factura.

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Bobby Gillespie And Jehnny Beth – “Utopian Ashes”

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Utopian Ashes

En medio de un momento de sobrevivencia, encierro y pesar, se creería que la mirada política sería sobre cómo el sistema debe adaptarse para salvar a los individuos, pero para Bobby Gillespie y Jehnny Beth la lucha es interior. Pese a los augurios que sus propias carreras indiquen, más catárticos y estridentes, en su álbum colaborativo “Utopian Ashes” el camino es diferente, más ligado a la melodía, a la revelación del alma en vez de observar con lupa el mundo.

El sonido elegido para esta convergencia es más ligado al soul, el country y un toque de vals, y eso da pie para nuevos lucimientos, especialmente de Jehnny Beth, cuya energía arrolladora marcó Savages y su propio trabajo solista, pero que llega a un extremo de dulzura y dramatismo en tracks como “You Don’t Know What Love Is” o “English Town”. Sin embargo, no sólo se trata de ella luciéndose, sino de cómo se complementa con Bobby Gillespie, que aparece más predecible en su performance, pero no por ello menos preciso.

No se trata de inventar un estilo, pero sí de hacerlo parte de los mensajes necesarios de expresar. Cuando en “Remember We Were Lovers” se canta por las chances no tomadas y los amores perdidos, no se trata sólo de recordar los momentos que son bifurcaciones del destino, sino también es el acto de rememorar un acaecimiento cuando la vida existía y no sólo se recordaba. Es difícil no tomar ese tipo de narración poética, anhelante y dolorida, como un espejismo del pasado, antes de que la pandemia pusiera todo en pausa.

Si acá se usan términos teatrales y ampulosos es porque el disco se mueve en ese registro, en extremo dramático, lleno de dolores y de acciones de reproche. “Living A Lie” o “You Can Trust Me Now” ahondan en el valor de la confianza, en cuanto a cómo puede construir, pero también a cómo es capaz de destruir relaciones. De hecho, la posibilidad de esos escenarios son lo que convierten en algo tan cautivante las interpretaciones de Beth y Gillespie, quienes pueden meterse en la carne y hueso de quienes son los hablantes en cada canción. En “Utopian Ashes” no sólo entonan líricas, también las comunican con intensidad de escenario, de cine, de tablas. Este no es un proyecto de experimentación con el sonido, sino para llevar a las figuras a otro plano de la interpretación.

Junto con ellos, Andrew Innes, Martin Duffy y Darrin Mooney de Primal Scream, y Johnny Hostile que colabora siempre con Jehnny Beth, completan el plantel que logra congeniar a nivel sonoro las necesidades de estas composiciones. Aunque el estilo no sea lo usual para ninguno, todos hacen su tarea de forma perfecta, incluso dándole un sello particular a la mezcla, haciendo de lo brillante algo oscuro y de lo opaco algo lleno de matices. Lo único extraño puede ser a veces cómo están grabadas las voces, tal vez con un poco más de reverb de lo necesario en ciertos casos puntuales.

Más allá de particularidades, el esfuerzo por generar algo nuevo, mirando a lo viejo, cruzando nostalgias y convirtiéndose en actores más que en músicos, “Utopian Ashes” consigue dejar en claro la versatilidad y el amor por las canciones que tienen Jehnny y Bobby. En vez de irse por el camino seguro, o que alguno ceda para ayudar a las fortalezas del otro, aquí existe un nuevo espacio, un nuevo transitar que permite que ambos puedan materializar recuerdos, justo cuando la vida parece estar en pausa, calzando con el espíritu de los tiempos.


Artista: Bobby Gillespie And Jehnny Beth

Disco: Utopian Ashes

Duración: 39:42

Año: 2021

Sello: Sony Music


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