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Periphery IV: Hail Stan Periphery IV: Hail Stan

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Periphery – “Periphery IV: Hail Stan”

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En el estado actual de la música extrema, es poco probable que en el corto plazo exista un disco que sea trascendente para todos los fanáticos. Es improbable que alguna vez tengamos un “Master Of Pupppets” de esta generación; es decir, aquel que marque un hito y dicte cátedra respecto a cómo se deben hacer las cosas. Esto tiene múltiples factores, que ciertamente requieren un análisis por separado, pero quizá uno importante a mencionar es la diversidad cultural de lo que se entiende por “metal” en la actualidad. De ahí que bandas como Periphery sean ajenas a aquellos más cercanos al estilo más clásico y queden fuera del radar más apegado al tronco común de bandas como Metallica, Slayer o Megadeth.

En ese contexto, es imposible que “Periphery IV: Hail Stan”, el sexto LP de Periphery, sea un disco señero para el futuro del rock pesado en general, sin embargo, tiene los méritos de sobra para ostentar tal título en el círculo más reducido del metal progresivo de esta época. Y es que el nuevo opus de la banda liderada por Misha Mansoor destaca por su versatilidad, libertad compositiva y carencia de compromiso con etiquetas preestablecidas. Este álbum contiene un potencial difícil de mesurar en lo inmediato, dada las múltiples lecturas que se pueden hacer del mismo y que hacen parecer que al interior de la banda conviven en realidad tres distintas, pero que comparten la idea base de explotar a más no poder dos ámbitos: modernidad y complejidad.

De partida, está el cariz más pesado del quinteto. “Blood Eagle” es agresión pura, sin matices y directa al mentón. Lo importante acá es que se aleja –dentro de lo posible– del djent más masivo (si es que existe tal género y no es sólo la excusa para copiar los riffs de exponentes como Meshuggah). Las guitarras más ambientales se intercalan con los riffs filosos y con un Sotelo que sin duda está en un estado superlativo. Algo similar ocurre con “CHVRCH BVRNER”, que es otro ataque sin escalas, aunque no tan cohesionado como el corte anterior, lo que lo vuelve más prescindible. “Follow Your Ghost”, aunque más baja en velocidad, denota que el quinteto aún puede echar mano a estructuras compositivas ya ocupadas en su repertorio sin perder frescura.

Luego el álbum nos lleva a esa zona más innovativa de Periphery, en donde los recursos de la música pop toman protagonismo. Estos parajes son aquellos que podrían alejar de la banda al rockero más duro, pero que sin duda hacen que “Periphery IV: Hail Stan” no sea un disco más. “It’s Only Smiles” es una composición más cercana al emo que al metal, gracias a un Spencer Sotelo que derrocha una versatilidad encomiable. “Garden In The Bones” es otro corte pausado, con una melodía pegajosa, bastante similar a canciones que encontrábamos en “Juggernaut: Alpha” (2015). Finalmente, en esta línea destaca “Sentient Glow”, la que, a pesar de tener un patrón de batería bastante rápido y guitarras intensas, la vocalización limpia de Sotelo le da una textura similar al metalcore, ajena a un metal pesado, verbigracia además de un interludio que frena la fuerza del tema y le entrega una agradable sensación de grandilocuencia.

A continuación están los aires de libertad y frenesí creativos, que son siempre bienvenidos en un ambiente cada vez más ahogado por las estructuras de los géneros y sub géneros. “Reptile”, la canción con la que inicia el álbum, es sin duda el epítome de esto: inclasificable a más no poder, desbordando energía y con los cinco miembros de la banda contando con espacio para resplandecer: Holcomb, Bowen y Mansoor arrojan toda su técnica a través de riffs afilados, escalas imposibles y melodías suaves, todo en un mismo conjunto sonoro que sobrepasa los 16 minutos; para qué decir de la calidad de Matt Halpern, quien no desfallece y, por el contrario, encuentra los espacios para brillar a través de tiempos complejos que crea tras el kit de batería. Quizá la única mácula, es que hay partes bastantes interesantes que se pierden en su excesiva duración, sobresaturando la canción. En tanto, “Crush” abiertamente electrónica, da cuenta de esta emancipación, pero se asemeja más un remix que a un corte en sí mismo, evidenciando cierta inconsistencia en su inclusión.

En suma, “Periphery IV: Hail Stan” no será un álbum que marque una época para todo el espectro del metal, pero definitivamente debe estar entre lo más destacado del año, pues es la consagración sonora de un Periphery despojado de etiquetas. El disco reboza en libertad y creatividad, lo cual se puede apreciar en su mejor corte, “Satellites”: moderno, libre, épico y complejo, es un resumen perfecto de este álbum y los valores que la banda quiere plasmar.


Artista: Periphery

Álbum: Periphery IV: Hail Stan

Duración: 63:36

Año: 2019

Sello: 3DOT Recordings


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El Álbum Esencial: “Corazones” de Los Prisioneros

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Corazones

“Corazones”, el cuarto álbum de Los Prisioneros, puede ser considerado como el primer registro solista de Jorge González, luego de que Claudio Narea abandonara la banda un año antes del lanzamiento de su lanzamiento y sólo Miguel Tapia permaneciera a su lado, sumando a la alineación oficial a Cecilia Aguayo, miembro del grupo performático Las Cleopatras, quien ni siquiera era músico, pero González decidió hacerla parte del grupo por su carisma, alegando que, si no sabía tocar, podía aprender a hacerlo. Aguayo se sumó a Los Prisioneros como la encargada de los teclados durante la época en que la emblemática banda de la comuna de San Miguel dejó de lado el rock y el punk para caer de lleno en el pop y la electrónica, dando vida a un conjunto de canciones que sembró el camino para una serie de artistas que en la actualidad son referentes absolutos del pop chileno.

Alex Anwandter, Javiera Mena, Ases Falsos, Gepe, entre otros, deben su sonido a lo que hizo González en “Corazones”, una placa que se adelantó a su tiempo y, de forma maestra, dio un giro a la fórmula de Los Prisioneros para realizar un disco que es pura visceralidad y sentimientos. No es que antes no hayan jugado con estos sonidos; ya en “Muevan Las Industrias” o en la mismísima “El Baile De Los Que Sobran” los sintetizadores tenían gran presencia dentro de la mezcla, pero en esta ocasión los teclados, samples y percusiones digitales tomaron la batuta para secundar las desgarradoras líricas de Jorge González, que van desde la amargura del desamor hasta la crítica a una sociedad que cada día busca parecerse –hasta el día de hoy– a la imagen idealizada de la sociedad yankee. Como siempre, Jorge González dio en el clavo en cada uno de sus descargos, en composiciones cuyo mensaje se mantiene vigente hasta nuestros días, como ocurre con casi todas las canciones de Los Prisioneros.

El LP abre con “Tren Al Sur”, uno de los cortes más memorables en la historia de la agrupación, el que además funciona como transición perfecta entre el pasado y el presente del grupo, dejando que el charango acompañe a la melodía principal y a un coro honesto y conmovedor, del que es imposible no hacerse parte. Durante los próximos dos cortes el viaje se vuelca completamente hacia lo romántico, entre postales de amor ideal en la bella “Amiga Mía” o imágenes llenas de pasión e intimidad, como en la bailable “Con Suavidad” y el suspirado “preciosa” con el que González da la partida a una de las canciones más representativas de la revolución sonora que significa para el pop chileno el disco “Corazones”.

Si se echaba de menos la crítica dura y sin pelos en la lengua, “Corazones Rojos” puede ser considerada uno de los manifiestos más duros que el grupo ha parido. Como una especie de crudo discurso machista, la canción sirve como un llamado a las mujeres para que despierten y hagan valer su rol dentro de la sociedad. En su época sacó chispas entre quienes no entendieron el mensaje detrás de líneas como “En la casa te queremos ver, lavando ropa, pensando en él / Con las manos sarmentosas y la entrepierna bien jugosa”, pero finalmente “Corazones Rojos” se erigió como una de las canciones más sólidas y poderosas en la historia de Los Prisioneros.

Sigue en la lista “Cuéntame Una Historia Original”, cuyo coro juega con el cinismo de aquellos que dicen sufrir como nadie y saber cómo es la vida, pero son los más ilusos. Otro gran hito del larga duración lo marca “Estrechez De Corazón”, quizás la canción romántica más recordada de la banda junto a “Para Amar”. Dueña de otro coro brutal, esta composición muestra la faceta más melodramática y visceral de Jorge González, acompañada de sintetizadores grandilocuentes que dan un aire de romance fatal, tal como lo hacían personajes como Raphael en sus sufridas composiciones, del que Jorge González era un ferviente admirador. Sin lugar a dudas, uno de los himnos inmortales del trío. “Por Amarte” va por los mismos senderos: doliente y quejumbroso.

“Noche En La Ciudad (Fiesta!)” es el Jorge González de “Lo Estamos Pasando Muy Bien” o el de “Brigada De Negro”: ácido y lleno de ironía y sarcasmo, mofándose duramente de la sociedad conservadora que quiere pintarlo todo color de rosa, apartando “al descarriado” con tal de mantener una imagen ordenada y pulcra. “¡Orden, moral!”, gritaba el vocalista, en una época donde los militares habían abandonado el país, pero su doctrina seguía más presente que nunca. Lamentablemente, a la fecha las cosas no han cambiado mucho.

De la fiesta artificial pasamos a la canción más extraña de la placa y de toda la discografía de Los Prisioneros. “Es Demasiado Triste” es el corte más desgarrador, más sufrido, incluso patético, que ha salido de la mente y alma de Jorge González. El último tema que presenta “Corazones” es tan real y gemebundo, que hasta musicalmente suena a un espiral en descenso, como un castillo que se derrumba y cuya destrucción no conoce final, mientras el fade out y el descarnado verso “Este maldito amor le gusta reírse, reírse en tu cara”, que González repite una y otra vez hacia el final de la canción, dan por finalizado un disco donde el baile y el llanto se encuentran constantemente a lo largo de nueve memorables canciones.

“Corazones” y su legado se mantienen vigentes en la música de numerosos artistas chilenos contemporáneos, músicos que se alimentaron de su sonido y liricas para dar vida a una escena que hoy vive su mejor momento. A pesar de que el grupo terminó su época de gloria con este LP, “Corazones” se mantiene en la historia como uno de los mejores lanzamientos de la música popular chilena, cuyas canciones contienen un mensaje que aún se encuentra vigente y un sonido que, pese a los años, se sigue oyendo fresco y lleno de energía. Para nosotros, “Corazones”, la obra magna de Jorge González, es un álbum esencial.


Artista: Los PrisionerosCorazones

Disco: Corazones

Duración: 45:26

Año: 1990

Sello: EMI Records / Odeon


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