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Pennywise – Yesterdays

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Hoy por hoy, en el movimiento hardcore / punk (o por separado), la “metalización” de la propuesta musical aparece como la tendencia más seguida durante el último tiempo. Sin embargo, aún quedan agrupaciones que desarrollan su sonido con los mismos elementos que usaron en un principio, para así fortalecer el vínculo entre las convicciones artísticas y las personales –en este caso de una banda- a través de esta reafirmación de lo “clásico” por sobre lo “innovador”. Este ejercicio se fundamenta en la idea de que, en el caso de este género, lo que importa es el mensaje más que la forma o estructura. Dentro de este contexto, una de las ramas más fructíferas de esta corriente es sin duda el punk o hardcore melódico, donde California figura como su cuna. A diferencia de su símil en la costa este, acá la perspectiva y el enfoque pasan por un filtro más optimista y cercano a filosofías como la PMA (positive mental attitude), que a la propagación del odio como consigna.

PENNYWISE 01En la actualidad convergen y conviven expositores de la escuela contemporánea, con distintas procedencias, como Rise Against por ejemplo, con algunos de los bastiones más longevos como Bad Religion, NOFX o, quienes acaparan la atención en esta reseña, Pennywise. Activos por más de 25 años, con millones de copias vendidas y reconocidos como uno de los conjuntos independientes más exitosos, hoy nos muestran su último trabajo que lleva por nombre “Yesterdays”, sucesor de “All Or Nothing” (2012), donde las voces estuvieron a cargo de Zoly Teglas, vocalista de Ignite. En palabras del retornado vocalista original, Jim Lindberg, este es un “álbum nuevo, hecho de canciones viejas”, ya que en gran medida estas composiciones pertenecen al período de finales de los ochenta, cuando la banda recién emprendía el recorrido, contando además con una importante participación creativa, en la música y las letras, del bajista de la época, Jason Thirsk, fallecido posteriormente en 1996. El resto de los temas surgieron de los procesos que comprenden las obras “Full Circle” (1997) y “Straight Ahead” (1999).

En este sentido, es difícil analizar el disco desde una perspectiva netamente crítica, ya que, al parecer, los factores emocionales más que el afán creativo en sí, fueron los encargados de motivar la edición de este álbum. Por consiguiente, estamos en presencia de algo así como la tan manoseada “vuelta a las raíces” a la que tantos otros apelan para mantenerse vigentes. Según Lindberg, durante el tiempo cercano a “Land Of The Free” (2001), que coincide con los gobiernos de George W. Bush, el mensaje de la banda se politizó, basando sus líricas en el descontento, la disconformidad y el odio hacia lo establecido no sólo por aquel régimen, sino por la política de EE.UU. en general. Este cambio en la propuesta alejó a parte de la fanaticada en su momento, pero se asume como el sacrificio necesario para expresar la frustración que sentían por esos días. A pesar de que el panorama político hoy no es muy distinto, la agrupación optó por tomar todas estas canciones más optimistas o “divertidas” que tenían en el baúl y las ensayaron hasta darles la forma deseada, para luego grabarlas bajo un sistema que busca mantener un sonido limpio pero poco trabajado, sin la sofisticación que ofrece la post-producción de cualquier registro hoy en día, con el fin de obtener un trabajo que represente mejor el espíritu de aquella era.

PENNYWISE 02Luego de darle varias vueltas, algunos temas nos llaman más la atención que otros.  En primer lugar, la pista que abre el disco, “What You Deserve”, porque contiene la estructura clásica y pegajosa del punk, más una fuerte declaración al final que invita a “nunca más confiar en un policía”; “Noise Pollution” y “I Can Remember” poseen  coros extraídos de la mejor cosecha de la banda y fácilmente se abre la posibilidad de considerarlos en el futuro como clásicos del repertorio de los provenientes de Hermosa Beach, al lado de joyas como “Fight Till’ You Die”, “Society” y la inmortal “Bro Hymn”. Por otra parte,“Restless Time”, “Violence Never Ending”, “Am Oi!” y “Thanksgiving” flirtean un poco  más con la cólera y la rapidez de los ritmos, ya sea en la ejecución instrumental o en el fraseo vocal, representando a cabalidad la vibra y energía propias de la juventud que poseían en esa época. Finalmente, “She’s A Winner”, “Slow Down”, “No Way Out” y, de manera especial, “Public Defender”, muestran como fluye el juego entre la melodía y el punk que tantos frutos les ha dado y que los apasiona, donde además se evidencia un poco más la versatilidad en la ejecución por parte de los músicos, dentro de lo que el género permite, claro está. En la edición de lujo de “Yesterdays” aparece una pista adicional con grabaciones que datan de 1989, donde aparecen algunas de estas canciones y cuyo fin es corroborar la antigüedad de las creaciones que componen esta “nueva” entrega.

Resumiendo, da la sensación que lo importante acá es la dinámica de reivindicar aquello que algún día fue la chispa que encendió los motores, más que el avanzar “un paso más allá” en la evolución musical: un vistazo al pasado a través de los ojos de hoy, para recordar y conmemorar los orígenes que dieron forma a la propuesta actual. Sin duda un ejercicio sano, pero que para algunos resultará innecesario si creatividad y novedad es lo que se busca.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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