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Paul Weller – Saturns Pattern

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Es interesante cuando artistas de larga trayectoria componen discos y aportan al mundo sonoro una nueva obra. Uno se pregunta qué nuevo tienen para decir, qué novedosa contribución puede hacer al mercado musical. Cuando ya no se tiene casi nada que probar, cuando está casi todo dicho, es un tremendo ejercicio de exposición y humildad publicar un disco; habla muy bien de la inquietud, del fuego creativo y de las ganas de seguir haciendo crecer el paisaje sonoro de los días actuales, y en este caso particular, claramente hay pasión y algo que decir. Paul Weller ha forjado una carrera diversa después de formar parte de The Jam y The Style Council. De las guitarras y las canciones precisas, pasó a diversos estilos y composiciones más complejas, con paisajes sonoros variados y llenos de matices.

PAUL WELLER 01“Saturns Pattern” es un disco que conjuga la esencia musical del world music con elementos más clásicos y rockeros. La canción que abre esta colección de nueve tracks nos anuncia lo que será una constante. Una introducción muy espacial con algo de distorsión abre paso posteriormente a unas guitarras, también distorsionadas, y con una batería segura. Con ritmo pesado y contundente, “White Sky” es un ejemplo de la temática del disco y del estilo que hay en él. Posteriormente, la canción que da el título a la publicación es amigable, de fácil melodía y muy alegre. Nos recuerda, en alguna medida, al Peter Gabriel de “So” (1986): un piano marca el ritmo y los vientos colorean los versos cósmicos que canta Weller.

La estupenda “Going My Way” es una balada que va creciendo y agregando orquestación a medida que transcurren sus cuatro minutos. Al comienzo es una típica canción de amor, pero después acelera el pulso (con piano nuevamente) para volver a la balada. Bello tema, con una inocente e ingenua letra que pregunta y responde quién sigue a quién en la pareja, pero que en realidad no importa nada si es que seguimos juntos. Es un muy logrado tema, complejo y bello, que logra conmover por el contraste de la letra y su riqueza instrumental. “Long Time” es rockero y clásico, machacante y repetitivo, con guitarras procesadas, en donde se repite el coro casi como un mantra. Es inquietante y desesperanzado, con una letra que habla de la pérdida de sentido personal; el hablante lírico no se encuentra a sí mismo y eso queda claro en letra y música.

PAUL WELLER 02En “Pick It Up” continúan las guitarras, pero esta vez ejecutadas de forma más clara, con interludios de guitarra acústica y sonidos de sintetizadores, y sobregrabaciones que construyen una canción compleja, pero muy fluida, con diversas capas y un riff simple que prácticamente nunca abandona el tema. Excelente canción que, a pesar de su complejidad y dada la riqueza de sus sonidos, te atrapa y dan ganas de escucharla varias veces porque siempre se descubren nuevos detalles que valorizan la experiencia estética de su audición. Continúa el tema titulado “I’m Where I Should Be”, que es más plano desde el punto de vista del ritmo, pero mantiene la riqueza de sonidos y los detalles de instrumentación. “Phoenix” quizás sea la más comercial del disco, con un estribillo fácil y reconocible, continúa con una temática naturalista y naíf. “In The Car…” es ambiciosa y diversa; pianos a destiempo, guitarras acústicas y variados ritmos construyen un tema ambicioso y pretencioso, logrado a ratos, pero que aporta mucho al total de la obra. Y el gran cierre de “Saturns Pattern” es la extensa “These City Streets”, que continúa con el tono del disco. Peca de excesiva, pero es interesantísima como obra de cierre, ya que da  la sensación que Weller quiso reunir en una canción toda la propuesta musical de su disco. A ratos funciona, pero si duraba tres minutos menos habría sido una clausura monumental.

Esta obra crece a medida que uno la va escuchando, ya que con el tiempo se van apreciando más los detalles de las canciones, la exquisita instrumentalización y los buenos textos de Weller. Cuando alguien tiene algo que decir y aportar al mundo, se nota, y este es el caso. La trayectoria del ex-líder de The Jam y su capacidad musical no pasan inadvertidas en este disco, y se comprueba una vez más que el rock y la música popular no dependen de la edad de sus compositores y ejecutantes.

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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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