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Paul Weller – “A Kind Revolution”

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Si algo hay que celebrarle a Paul Weller (entre muchas cosas, ciertamente) es su olfato para estar donde las esquinas se quiebran y los caminos musicales se dicotomizan, tal como lo hizo con The Jam hace cuarenta años, reuniendo la furia del bullante punk con la elegancia del movimiento mod liderando una especie de segunda oleada del estilo, como también lo hizo con The Style Council, profundizando la veta de música negra. Con todo esto en mente, Weller tuvo que emprender una carrera solista alejada de los moldes que comprendían un rock estándar para abrir su paleta de estilos tan amplia como sea posible, en la que el folk, la electrónica e incluso el krautrock han pasado por sus manos. Doce álbumes de estudio después, edita este año su nuevo trabajo: “A Kind Revolution”.

El éxito rotundo de Weller en el mercado británico, tanto con The Jam como solista, le entrega confianza para dar un golpe de timón cada vez que lo ha necesitado, y “A Kind Revolution” es un ejemplo de ello. Desde la apertura con “Woo Sé Mama” y “Nova”, se aventura en los páramos del pop rock desde la perspectiva blue-eyed soul que ya venía mostrando en varios de sus discos, esta vez con la colaboración en los coros de P. P. Arnold y Madelinne Bell, dos divas coristas de la primera oleada del mod en los sesenta. Tal vez la naturaleza prolífica ya conocida de Weller pueda confundir, desconcertar o incluso condicionar la experiencia del oyente con la variedad de estilos, pero no se trata de un mero afán pretencioso, Weller es así, maneja todos los estilos que plasma en sus álbumes; incluso el folk del que renegaba en sus comienzos aparece en “Long Long Road”, una balada emotiva y cálida que puede sonar formulaica en su comienzo, pero que sabe explorar sus posibilidades naturalmente.

“She Moves With The Fayre” representa otro paso más allá, adentrándose en un funk que adolece de Groove, pero que abunda en guitarras. Entrando de lleno en el soul, y para seguir esculpiendo esta pieza de arte desde la música negra, está “The Cranes Are Back”, balada donde Weller explora a placer sus dotes vocales; una de las pocas de la movida punk de fines de los setenta con esa calidad, la que mantiene hasta el día de hoy. Por su parte, en “Hopper” hay una mezcla de pop barroco pastoral con psicodelia, como si el mismo Syd Barrett le hubiera susurrado al oído la melodía mientras grababa “The Piper At The Gates Of Dawn” (1967), uno de los clásicos de Pink Floyd. “New York” tiene un tufillo entre jazz y bossanova en la introducción, para luego adentrarse en el pop rock.

“One Tear” tiene varios puntos a favor que amplían el puntaje general del álbum: primero, se atreve a incluir a Boy George en las voces, otorgándole una vibra muy cercana a lo que fue The Style Council, rotando entre el soul y el R&B. Como segundo, lo bien que le sienta el bajo pulsante al entorno hipnótico de la canción; y tercero, la variedad de elementos que incluye, como pistas puestas en reversa o samples de hang. “Satellite Kid” dialoga entre el blues y el rock contando la historia de un outsider orgulloso de serlo, para luego cerrar con una balada que nuevamente navega entre lo pastoral, el folk y el jazz, dándole un cierre adecuado a las dimensiones del disco.

Por lo general, resulta un espectáculo triste ver a un músico que lleva los años de carrera de Weller tratar de sonar “actual”, y he ahí la principal gracia de este álbum: Paul Weller usa argumentos archisabidos y parte estructural de su carrera, y con la sabiduría de un músico que se acerca a los sesenta años, los moldea, los utiliza como quiere y logra un producto redondo por donde se le mire. Si esta es la revolución amable que nos quiere plantear, bienvenida sea.

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Angel Olsen – “Whole New Mess”

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Whole New Mess

Hace menos de un año, Angel Olsen lanzó un álbum digno de definir una carrera. “All Mirrors” (2019) se estableció como el punto donde su composición y visión alcanzó un nuevo nivel, y el dramatismo de sus letras fue ampliado por la magnitud del sonido orquestal que acompañó al disco, combinación que lo convirtieron en uno de los mejores lanzamientos del año. Cuesta creer entonces que su concepto original sea todo lo contrario. “Whole New Mess” recopila las grabaciones originales de lo que conocimos en su disco anterior, reintroduciéndonos el corazón roto de la cantautora sólo a través de su voz y guitarra, demostrando que la grandiosidad de sus canciones no depende de los elegantes arreglos, sino que de su ilimitada capacidad de retratar el dolor.

Originalmente, “Whole New Mess” vería la luz junto a “All Mirrors” como una doble invitación al mundo de Olsen, pero su lanzamiento no pudo ser más oportuno. Como mucho del mundo actual, las versiones son solitarias, nostálgicas, envueltas en una atmósfera de confinamiento, como si hubieran sido compuestas en estos meses. Sin embargo, sería un error decir que son más silenciosas, pues la música presente introduce otra clase de poder. Tal es el caso de “Impasse (Workin’ For The Name)”, que puede parecer más minimalista en sonido, pero la voz y cuerdas de Olsen rugen de igual manera y su capacidad de electrizar no se pierde, a pesar de la desnudez mostrada.

Es a través de su capacidad para moldear su voz según sus emociones por donde la cantante logra diversificar los sonidos de un disco uniforme. Su voz es desgarradora, pero confortante, como en “Too Easy (Bigger Than Us)” o “Chance (Forever Love)”, donde sus tonos son clásicos, reminiscentes de dolores antiguos, aunque sus melodías son cálidas, como si confortaran sus lamentos. “Chance” pierde los arreglos que la convirtieron en un cierre tan catártico, pero no por eso deja de ser un fuerte golpe de emociones. Las vocales de “Tonight (Without You)” son potentes, pero necesarias, y aun sin el aplaudido final orquestal este parece ser un punto de catarsis, sin violines ni órganos, es su voz la que encuentra luz.

El peso más grande recae en las versiones originales de “All Mirrors” y “Lark”, ahora retituladas “(We Are All Mirrors)” y “Lark Song”. La primera es una pieza de folk mucho más tradicional, con un simple rasgueo que acompaña al relato universal de Olsen, intensificado por el constante reverb. Por su parte, “Lark Song” no pierde su fuerza y sigue arrastrando la responsabilidad emocional del disco, explotando a través de sus seis minutos en un crescendo de emociones. Si bien, estas versiones son mucho más íntimas, también reflejan una fuerte universalidad de experiencias, sin reducirse a las penurias del amor, sino que explorando múltiples relaciones humanas y sus efectos en las personas. La desnudez de su melodía ha permitido centrarse en el aspecto lírico, que presenta potencia por sí solo.

Existen dos canciones que no tienen punto a comparar: la apertura homónima y “Waving, Smiling”, que reemplazan a “Spring” y “Endgame”. La carta inicial lleva el espíritu del disco, mostrándose vulnerable y de un intencionado desorden, tal como los sentimientos que evoca, reconociendo una vida en constante cambio, pero aceptando la repetición de sus estados emocionales. El otro corte original es aún más vulnerable que el resto, tanto en melodía como en lírica es directa, sin rodeos, donde la soledad logra materializarse, pero un brillo esperanzador la ilumina: “El sol está brillando, estoy saludando, sonriendo, al amor por siempre, vivo y muriendo”.

Decir que las canciones en “Whole New Mess” son sólo demos inacabados sería minimizar las expresiones originales que se convertirían en “All Mirrors”. Esta colección de temas es tan fundamental como cualquier otra pieza de su discografía, donde la melancolía y desnudez no deben confundirse con una constante tristeza, sino como una invitación honesta a entender el mundo de una artista. Tan solo con su voz y su guitarra, Angel Olsen logra minimizar el sonido sin perder jamás la potencia, encontrando una nueva forma de hacer rugir sus sentimientos y dejando en claro que, lejos de los arreglos majestuosos, puede encontrar momentos de dramatismo, catarsis y, sobre todo, esperanza.


Artista: Angel Olsen

Disco: Whole New Mess

Duración: 42:05

Año: 2020

Sello: Jagjaguwar


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