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Paul Weller – “A Kind Revolution”

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Si algo hay que celebrarle a Paul Weller (entre muchas cosas, ciertamente) es su olfato para estar donde las esquinas se quiebran y los caminos musicales se dicotomizan, tal como lo hizo con The Jam hace cuarenta años, reuniendo la furia del bullante punk con la elegancia del movimiento mod liderando una especie de segunda oleada del estilo, como también lo hizo con The Style Council, profundizando la veta de música negra. Con todo esto en mente, Weller tuvo que emprender una carrera solista alejada de los moldes que comprendían un rock estándar para abrir su paleta de estilos tan amplia como sea posible, en la que el folk, la electrónica e incluso el krautrock han pasado por sus manos. Doce álbumes de estudio después, edita este año su nuevo trabajo: “A Kind Revolution”.

El éxito rotundo de Weller en el mercado británico, tanto con The Jam como solista, le entrega confianza para dar un golpe de timón cada vez que lo ha necesitado, y “A Kind Revolution” es un ejemplo de ello. Desde la apertura con “Woo Sé Mama” y “Nova”, se aventura en los páramos del pop rock desde la perspectiva blue-eyed soul que ya venía mostrando en varios de sus discos, esta vez con la colaboración en los coros de P. P. Arnold y Madelinne Bell, dos divas coristas de la primera oleada del mod en los sesenta. Tal vez la naturaleza prolífica ya conocida de Weller pueda confundir, desconcertar o incluso condicionar la experiencia del oyente con la variedad de estilos, pero no se trata de un mero afán pretencioso, Weller es así, maneja todos los estilos que plasma en sus álbumes; incluso el folk del que renegaba en sus comienzos aparece en “Long Long Road”, una balada emotiva y cálida que puede sonar formulaica en su comienzo, pero que sabe explorar sus posibilidades naturalmente.

“She Moves With The Fayre” representa otro paso más allá, adentrándose en un funk que adolece de Groove, pero que abunda en guitarras. Entrando de lleno en el soul, y para seguir esculpiendo esta pieza de arte desde la música negra, está “The Cranes Are Back”, balada donde Weller explora a placer sus dotes vocales; una de las pocas de la movida punk de fines de los setenta con esa calidad, la que mantiene hasta el día de hoy. Por su parte, en “Hopper” hay una mezcla de pop barroco pastoral con psicodelia, como si el mismo Syd Barrett le hubiera susurrado al oído la melodía mientras grababa “The Piper At The Gates Of Dawn” (1967), uno de los clásicos de Pink Floyd. “New York” tiene un tufillo entre jazz y bossanova en la introducción, para luego adentrarse en el pop rock.

“One Tear” tiene varios puntos a favor que amplían el puntaje general del álbum: primero, se atreve a incluir a Boy George en las voces, otorgándole una vibra muy cercana a lo que fue The Style Council, rotando entre el soul y el R&B. Como segundo, lo bien que le sienta el bajo pulsante al entorno hipnótico de la canción; y tercero, la variedad de elementos que incluye, como pistas puestas en reversa o samples de hang. “Satellite Kid” dialoga entre el blues y el rock contando la historia de un outsider orgulloso de serlo, para luego cerrar con una balada que nuevamente navega entre lo pastoral, el folk y el jazz, dándole un cierre adecuado a las dimensiones del disco.

Por lo general, resulta un espectáculo triste ver a un músico que lleva los años de carrera de Weller tratar de sonar “actual”, y he ahí la principal gracia de este álbum: Paul Weller usa argumentos archisabidos y parte estructural de su carrera, y con la sabiduría de un músico que se acerca a los sesenta años, los moldea, los utiliza como quiere y logra un producto redondo por donde se le mire. Si esta es la revolución amable que nos quiere plantear, bienvenida sea.

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Lee Ranaldo – “Electric Trim”

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La reinvención siempre estará acompañada de un proceso de búsqueda, un viaje donde se pueda llegar al centro del asunto y así esclarecer las ideas para dar el siguiente paso. Bajo ese escenario, Lee Ranaldo optó por alejarse de todo lo que ya había hecho, intentando encontrar un sonido más acústico y dándole un pequeño giro a su proyecto Lee Ranaldo And The Dust. Así fue como el músico lanzó “Acoustic Dust” (2014), donde versionó de un modo más desnudo las canciones de “Last Night On Earth” (2013), único LP de este proyecto. Ese último período supuso un tiempo en España, donde el ex guitarrista de Sonic Youth comenzó a trabajar con el productor Raúl Fernández para trazar las líneas de su siguiente trabajo de estudio, “Electric Trim”, que refleja todo lo aprendido durante este viaje musical.

El sentido introspectivo y personal se siente de inmediato: canciones como “Moroccan Mountains”, “Uncle Skeleton” o “Let’s Start Again” demuestran la melancolía característica en la música del cano guitarrista, quien se apoyó en muchos de sus amigos y colaboradores recurrentes para concebir este trabajo de estudio. Una de esas colaboradoras es la cantante Sharon Van Etten, quien acompaña a Lee en la canción “Last Looks”, con una armonía natural que fluye muy bien, recordando mucho el intercambio que Lou Reed y Nico realizaban en The Velvet Underground. Esto último no es al azar, el propio Ranaldo ha establecido al autor de “Perfect Day” como una de sus inspiraciones más grandes a nivel musical y artístico.

Pese a muchos significados, el título del álbum se puede traducir como “ajuste eléctrico”, algo que refleja muy bien lo que realiza Lee mediante estas composiciones. “Circular (Right As Rain)”, “Electric Trim” y “Purloined” se entreven como un ajuste de la furiosa y estridente composición que el músico deja caer regularmente dentro de sus canciones. Ranaldo siempre fue la parte más “limpia” de Sonic Youth, más melódico y calmo que su compañero Thurston Moore, pero cuando se trataba de meter ruido, lo hacía sin mayores problemas, y lo siguió haciendo también en “Between The Times And The Tides” (2012), el que es, técnicamente, el trabajo que antecede a “Electric Trim” dentro de su carrera solista.

Con un cierre a la altura, “Thrown Over The Wall” se presenta como una canción tranquila y bien estructurada, que va progresando hasta un estado más psicodélico y místico, dando el paso perfecto a la más convencional “New Thing”, donde cada integrante luce perfectamente en lo suyo, con cierto toque de emotividad por su bajo ejecutado por el fallecido Tim Lüntzel, compañero de Ranaldo tanto en The Dust como en su faceta solista. Esta “nueva cosa” puede tener muchos significados, pero lo cierto es que lo referente a internet y los nuevos tiempos en que vivimos es el mensaje principal de una composición que se adorna hermosamente de la voz de Sharon Van Etten, el toque más delicado y dulce dentro de toda esta tempestad tecnológica.

El viaje para auto encontrarse de Ranaldo logra llegar a buen puerto finalmente, ya que se nota claro, seguro y muy conciso en el relato que desarrolla durante el álbum. La madurez musical es evidente y, a pesar de que su trayectoria ya acumula varias décadas, es bueno notar cómo todavía es capaz de hacer fluir su creatividad mediante sus composiciones. Quizás este sea el inicio de un período más melódico y elaborado del músico, dejando un poco atrás el ruido y distorsión de las guitarras afiladas que suele interpretar. No obstante, el resultado es consistente y muy bien estructurado, tanto así, que Ranaldo demostró poder salir de su zona de confort explorando nuevas vías y reglas para entregar su música.

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