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Patti Smith – Banga

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Patti Smith, a sus 65 años, nos vuelve a sorprender con un nuevo disco llamado Banga”,  tras largos 4 años trabajando para su publicación. La denominada “madrina del punk” nos entrega 12 canciones muy bien elaboradas, muchas de ellas lejanas del sonido punk que la diera a conocer en “Horses” (1975), pero con un cargamento lírico notable, recordemos que además de músico, ella es una gran poeta. Se grabó en Electric Lady Studios de Nueva York, fue producido por Smith y su banda y aborda temas muy variados, que van desde viajes idílicos, pasando por catástrofes naturales y muertes inesperadas hasta sus propios sueños, con una importante cuota de optimismo y un componente poético notable, en donde las baladas pop abundan y el sonido setentero de inicios del punk interviene en varios pasajes del álbum de manera muy sutil.

“Amerigo” abre el álbum con una combinación de música y poesía que hipnotiza, y que habla de Vespucio y su periplo a América. “This Is The Girl” es un homenaje a la fallecida Amy Winehouse en clave balada pop, mientras que “Fuji-San” recuerda el terremoto de Japón en 2011 y tiene un sonido más bien setentero cercano al de la primera etapa de su carrera.

“April Fool”, con una melodía bastante pegajosa, fue el primer single del disco y cuenta con la colaboración del mítico Tom Verlaine, frontman de Television, el cual deja notoriamente plasmado su aporte en el sonido de la guitarra. El bueno de Johnny Depp recibe el mejor regalo de cumpleaños con “Nine”, balada compuesta para él con un sonido influenciado en el medio oriente y una letra muy sentida.

Casi al final del disco aparece “Constantine’s Dream”, una canción de diez minutos, en donde la improvisación y capacidad para escribir de Smith, se muestran en toda su plenitud. Cierra el disco un excelente cover para “After The Gold Rush” de Neil Young, con un bello coro de niños al final de la canción.

Patti Smith demuestra con “Banga” que está totalmente vigente, y hace lo que pocos músicos logran, sacar un muy buen disco después de casi 40 años de carrera. Así como Dylan o Springteen, la madrina del punk tiene un lugar de privilegio en lo más alto del rock y se lo ha ganado con creces gracias a su gran capacidad para componer, y una sensibilidad pop que sorprende y que logra juntar en un disco lo mejor de su extensa carrera, tanto musical como poética.

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U.S. Girls – “Heavy Light”

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Heavy Light

Con su séptimo álbum bajo el proyecto de U.S. Girls, Meghan Remy nos ofrece un material libre de restricciones, reflexivo, listo para la pista de baile, lleno de nostalgia y apuntando hacia las ilimitadas experimentaciones, representando el estado musical que engloba 2020. Durante los últimos diez años, U.S. Girls se ha asegurado de evolucionar a la vez que lo ha hecho la industria musical, enriqueciendo su material y su aguda visión sobre el mundo que la rodea, alcanzando un peak de maestría con “In A Poem Unlimited” (2018), disco que le valió aclamación crítica y la atención de un público fiel.

“4 American Dollars”, el tema inicial de “Heavy Light”, es un paso en la dirección correcta y un gran indicio de la calidad que se avecina. El sencillo engloba la dualidad presente en el disco, contrastando las dulces cuerdas y percusiones, acompañadas de un coro que convierten un himno en un góspel veraniego, con alarmantes líricas sobre la pobreza bajo el capitalismo, la conciencia de la mortalidad y la banalidad de la vida misma. “Overtime” dinamiza el inicio del álbum, ofreciendo un acercamiento más tradicional al art rock y al soul, combinando las potentes vocales con fuertes percusiones y un saxo que ayuda a alcanzar un dramático clímax.

Lamentablemente, el resto del disco no logra alcanzar el nivel de los dos primeros cortes, pero se asegura de explorar las distintas facetas de la artista, a la vez de ofrecer múltiples riesgos líricos y sonoros. “IOU” es una existencialista pieza de art pop que cuestiona su mismo nacimiento; una glamorosa balada que utiliza la voz de la cantante como otro instrumento para ampliar la experiencia sonora. Mucho del resto del disco funciona a partir de este escenario: un viaje onírico a través de las distintas etapas de la vida, que es narrado por la dulce y multifacética voz de Remy. “Born To Lose” (un claro guiño a “Wooly Bully”) es un experimento musical que se enriquece por la fuerza de sus partes individuales, con el coro que potencia a la cantante principal, un delicado piano y un setentero instrumental, motivando una experiencia multisensorial.

A través del álbum, los interludios “Advice To Teenage Self”, “The Most Hurtful Thing” y “The Color Of Your Childhood Bedroom” se encargan de orientar la narración y propósito del mismo, dándole protagonismo a múltiples voces anónimas para que relaten sus propias vivencias individuales, otorgándole globalidad a las temáticas presentes. Las voces cumplen una funcionalidad doble, por una parte asegurando que las problemáticas a enfrentar no son únicas, sino que compartidas por múltiples sujetos, y por otra funcionando como múltiples voces de un solo oyente, agregándole un tono claustrofóbico a este viaje onírico. Son por momentos las piezas más calmas y tensas del disco, pero vitales para comprender la intencionalidad de este. Detrás de este dolor social que la cantante percibe, se esconden una serie de dolores individuales, que son los que han construido una sociedad como la presente y, para poder hacer algo sobre ello, es fundamental no callarlos y expresarlos sin miedo.

La batalla más grande que enfrenta “Heavy Light” es su fluidez sin caer en lo monótono. Al usar la fuerza principalmente en su inicio, la segunda mitad, y en especial la última parte del disco, palidecen en comparación, pero sirven para apreciar las distintas texturas vocales e instrumentales. “Denise, Don’t Wait” es una bella balada que utiliza exitosamente elementos del glam y del synthpop, en un melodramático momento que le agrega misterio a este viaje. De esta forma, mucho del disco se encarga de reivindicar géneros o movimientos musicales vistos con desdén. El coro que acompaña la mayoría de las canciones es una inventiva estrategia para revivir bandas de mujeres de los setenta y ochenta, mientras que canciones como “Woodstock ‘99” realizan un guiño a la música disco y en especial a “MacArthur Park”. Por su parte, “The Quiver To The Bomb” toma elementos clásicos del glam rock, como sus guitarras y teatralidad, nunca cayendo en una parodia, sino que homenajeando claras influencias.

Al finalizar, “Heavy Light” deja con la sensación de no haber superado a su antecesor, pero, a la vez, de nunca haber intentado recorrer ese camino. Y es que, con este material, U.S. Girls ofrece un trabajo que no se limita ni presiona por el éxito de su antecesor, sino que se da la libertad de recorrer distintos pasajes, de divertirse mientras recorre distintas experiencias a través de un ejercicio onírico. Durante todos estos años, Meghan Remy se ha encargado de analizar y estudiar el ambiente musical y social, logrando ofrecer en esta ocasión un disco introspectivo y optimista; una mirada necesaria de los dolores, tanto individuales como globales.


Artista: U.S. Girls

Disco: Heavy Light

Duración: 37:29

Año: 2020

Sello: 4AD


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