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Patti Smith – Banga

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Patti Smith, a sus 65 años, nos vuelve a sorprender con un nuevo disco llamado Banga”,  tras largos 4 años trabajando para su publicación. La denominada “madrina del punk” nos entrega 12 canciones muy bien elaboradas, muchas de ellas lejanas del sonido punk que la diera a conocer en “Horses” (1975), pero con un cargamento lírico notable, recordemos que además de músico, ella es una gran poeta. Se grabó en Electric Lady Studios de Nueva York, fue producido por Smith y su banda y aborda temas muy variados, que van desde viajes idílicos, pasando por catástrofes naturales y muertes inesperadas hasta sus propios sueños, con una importante cuota de optimismo y un componente poético notable, en donde las baladas pop abundan y el sonido setentero de inicios del punk interviene en varios pasajes del álbum de manera muy sutil.

“Amerigo” abre el álbum con una combinación de música y poesía que hipnotiza, y que habla de Vespucio y su periplo a América. “This Is The Girl” es un homenaje a la fallecida Amy Winehouse en clave balada pop, mientras que “Fuji-San” recuerda el terremoto de Japón en 2011 y tiene un sonido más bien setentero cercano al de la primera etapa de su carrera.

“April Fool”, con una melodía bastante pegajosa, fue el primer single del disco y cuenta con la colaboración del mítico Tom Verlaine, frontman de Television, el cual deja notoriamente plasmado su aporte en el sonido de la guitarra. El bueno de Johnny Depp recibe el mejor regalo de cumpleaños con “Nine”, balada compuesta para él con un sonido influenciado en el medio oriente y una letra muy sentida.

Casi al final del disco aparece “Constantine’s Dream”, una canción de diez minutos, en donde la improvisación y capacidad para escribir de Smith, se muestran en toda su plenitud. Cierra el disco un excelente cover para “After The Gold Rush” de Neil Young, con un bello coro de niños al final de la canción.

Patti Smith demuestra con “Banga” que está totalmente vigente, y hace lo que pocos músicos logran, sacar un muy buen disco después de casi 40 años de carrera. Así como Dylan o Springteen, la madrina del punk tiene un lugar de privilegio en lo más alto del rock y se lo ha ganado con creces gracias a su gran capacidad para componer, y una sensibilidad pop que sorprende y que logra juntar en un disco lo mejor de su extensa carrera, tanto musical como poética.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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