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Patio Solar – Temporada

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El peor lastre de la música, en general, es la generalización que mete a mucha gente, o incluso a escenas completas, en un rótulo único. Para las últimas generaciones de músicos nacionales, este concepto es el de “Paraíso del Pop” que indicó el diario El País de España hace algunos años. Esto dejó al pop de guitarras en un segundo o tercer plano porque, claro, la moda iba por los sintetizadores y la producción pulcra, no por un sonido más asociado al indie de frentón. Pero los años han pasado, y las bandas nuevas no replican ese sonido particular, tal vez espantadas por el crecimiento exponencial de las figuras de ese paradisíaco territorio pop. Ya no vemos figuras individuales, sino lo predominante son las bandas. Los solistas se mueven en terrenos más delicados, en tanto que las bandas suenan más ruidosas, o más claras, sin perder intensidad.

PATIO SOLAR 01Es esta intensidad la que se nota con absoluta claridad en el larga duración debut de los floridanos Patio Solar, “Temporada”, que desde la simpleza de las letras adolescentes y los arreglos llenos de dulzura y sueños que se alejan de lo etéreo, construyen el debut más sólido del año en curso en la música nacional. Algo clave es la capacidad de la banda de La Florida de hacerse cargo de su edad y de los mundos que han vivido. Las canciones compuestas por Claudio Gajardo se mueven en terrenos seguros, en calles estrechas, en pasajes, en casas simples, con barrios donde la gente se conoce, en ese espacio seguro donde te puedes preocupar de vivir los problemas que rodean a la adolescencia, sin miedo a sonar poco profundo o cabro-chico, porque eso es realmente lo que sientes. Al final, lo que más destaca de este disco es la profunda honestidad de los hablantes, y el sentido pop inequívoco y atractivo que muestra la música.

El disco parte con “Casa Nueva” y “Pintura”, un gancho uno-dos que deja embobado de inmediato y que traslada el sonido más ligado al pop de guitarras, un estilo donde la dinámica se cruza entre baterías livianas pero rítmicas, y guitarras que se mueven entre los riffs y las figuras, siempre con un sonido más ligado a la limpieza noise que a la distorsión directa. “Casa Nueva” y “Pintura” son también los tracks que tienen mayor chance de convertirse en singles, y donde la vocación pop de Patio Solar explota. Pero este punto de partida no debe llevar a interpretaciones simplistas: por muy sencillo que parezca ser lo que hace el quinteto floridano, en “Temporada” nos encontramos con un registro breve, pero lleno de aristas desde las cuales se desarrolla su propuesta.

“Todo Trasciende Aquí” tiene una cadencia irresistible y llena de energía, donde las voces de Gajardo y Yaney Salgado se cruzan con un impulso lleno de intención, energía que se replica en “Lo Bien Que Se Ven”, canción que es más sencilla en composición, pero que se complementa bien con un nivel mayor de producción, lo que se grafica en uno de los tracks con más cantidad de capas sonoras del álbum.

PATIO SOLAR 02Las grandes sorpresas vienen más cerca del final, con los tracks más extensos de este disco. “Costanera” y “Destellos de Algo” muestran que Patio Solar y las canciones de Claudio Gajardo pueden ir a rumbos más lejanos de las calles seguras, en las piezas seguras. Lo bueno es que se puede esperar que este crecimiento sea orgánico, sin forzar nada, sin generar falsas expectativas y con la madurez llegando en los momentos justos, sin creerse grandes porque sí, sino porque realmente lo son.

Importante es destacar que Patio Solar es el primer grupo que lanza su álbum con el sello Piloto, que busca mostrar música desde las comunas más periféricas del Gran Santiago, y de acuerdo a lo escuchado no sólo en “Temporada”, sino que también de otros sencillos, se pueden esperar cosas relevantes que dejarán en claro que lo de Patio Solar no es casualidad y que las inquietudes musicales por el indie más clásico –al estilo Sarah Records o C86- tienen un eco importante en bandas del presente, quizás el reducto perfecto para escapar al “Paraíso del Pop”, siendo “Temporada” el primero de muchos registros que pueden dejar en claro que el futuro se escribirá con zapatillas y guitarra limpia en la mano.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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